Como decía días atrás, a veces suceden cosas curiosas, tengo el nuevo disco de los suecos Diamond Dogs desde principios de año titulado Slap bang blue rendezvous, doble álbum de 24 canciones que tiene como leit motiv el rock and roll, si, ese que nos sigue haciendo vibrar a muchos en tiempos donde no es muy popular. Como muchas veces sucede, ahí lo tenía y no fue hasta hace poco que empecé a darle cancha ya que por diversas circunstancias se retrasó mi escucha, pero nunca es tarde si la dicha es buena dice el refrán y aquí diré algo sobre el disco. Aquí hay canciones honestas y que van directas a hacerte mover la pata, banda de garito y whisky, siguen en sus trece con su actitud que no se corrompe. Sulo Karlsson a la voz, Lars Karlsson a la guitarra y Henrik Widén a las teclas siguen siendo el núcleo duro acompañados de una sección rítmica muy solvente.
Alright brutus I'm on fue uno de los singles, y no decepcionaba, rock and roll directo a la yugular, con esa actitud indomable. You shouldn't be lonely on a saturday night es una canción a medio tiempo rockero, que habla de no estar solo los sábados por la noche, gran tema. A rock in the sea es el baladón del disco, un medio tiempo rockero de gran calidad.
Como dije allá por el mes de febrero, la banda de San Petersburgo, Rusia, los enormes Messer Chups, están de lo más activos, ya que el 4 de diciembre de 2020 editaron un Ep de 6 temas titulado New wave or surf wave y el pasado 5 de febrero de 2021 otro Ep compuesto por 4 canciones y titulado Dracula hates killer icicles, otro Ep más el 1 de marzo de 2021 titulado Sparkling man y el 21 de octubre el que realmente es su nuevo álbum titulado Visiting the skeleton in the closet, a la venta en su bandcamp, pero que en formato físico no sale hasta este 2022. Siguen con su surf and roll, como ellos mismos lo definen, aunque ahí caben más cosas como el psychobilly con mucha psicodelia, música circense, jazz e influencias de música de los 60 y películas de serie B, etc...
Oleg Guitarkin (que ya parece que no lleva los pelos hacia abajo) toca guitarra y dirige sintetizadores con programaciones, con esa belleza llamada Zombierella (Svetlana Nagaeva) al bajo y voces, más un batería que les suele acompañar que suele ser Boris Israel Fernández siguen en buen estado de forma.
UFOnica era uno de los temas del trabajo, con su habitual destreza uniendo todo lo dicho antes en una canción instrumental cuyo vídeo no decepciona. Caravan from Mars también forma parte del trabajo con aire surfero, donde guitarra, batería y bajo se mezclan de manera genial.
Os dejo con Caravan from Mars en vivo este mismo año.
Como dije hace unos días, el 5 de agosto de este año saldrá a la venta un directo de Neil Young + Promise of the Real con el título de Noise and flowers y que contiene actuaciones de la gira europea de 2019. La edición va acompañada de una película que se incluye en la edición deluxe que lleva 2 LP's + CD + Blu-Ray del álbum, y como un disco Blu-Ray independiente.
La obra documenta una gira de nueve fechas que comenzó solo dos semanas después de que Elliot Roberts, amigo de toda la vida y mánager durante más de 50 años, falleciera a los 76 años. Young se acercaba a cada show como un servicio conmemorativo de celebración para honrar a su difunto amigo, esa caminata Neil la describía como maravillosa.
Musicalmente, el contenido del disco explora la extensa discografía del canadiense con clásicos de su etapa con Buffalo Springfield y de su larga etapa en solitario desde los 70 hasta los 90.
From Hank to Hendrix es uno de los temas incluidos, aquella canción del Harvest Moon de 1992. Ahora escuchamos Throw your hatred down, tema del magnífico Mirror ball, aquel disco que hiciera con Pearl Jam en 1995.
Como decía días atrás, a veces suceden cosas curiosas, tengo el nuevo disco de los suecos Diamond Dogs desde principios de año titulado Slap bang blue rendezvous, doble álbum de 24 canciones que tiene como leit motiv el rock and roll, si, ese que nos sigue haciendo vibrar a muchos en tiempos donde no es muy popular. Como muchas veces sucede, ahí lo tenía y no fue hasta hace poco que empecé a darle cancha ya que por diversas circunstancias se retrasó mi escucha, pero nunca es tarde si la dicha es buena dice el refrán y aquí diré algo sobre el disco. Aquí hay canciones honestas y que van directas a hacerte mover la pata, banda de garito y whisky, siguen en sus trece con su actitud que no se corrompe. Sulo Karlsson a la voz, Lars Karlsson a la guitarra y Henrik Widén a las teclas siguen siendo el núcleo duro acompañados de una sección rítmica muy solvente.
Alright brutus I'm on fue uno de los singles, y no decepcionaba, rock and roll directo a la yugular, con esa actitud indomable. You shouldn't be lonely on a saturday night es una canción a medio tiempo rockero, que habla de no estar solo los sábados por la noche, gran tema.
Os dejo con el tema y vídeo de You shouldn't be loney on a saturday night.
Siii, siii, amigos mis servicios vuelven a ser requeridos en Traveling Bar después de mi exitosas pinchadas de los pasados meses, otra pinchada más se avecina de Dj Savoy Truffle, vuestro humilde servidor de la noche. Vendré cargado de novedades de este año 2022, y por supuesto tocaré toda la amplia gama de mi paleta de estilos, es decir, rock, pop, powerpop, surf, soul, rockabilly, gotas de electrónica, etc., además de épocas desde los 50 hasta hoy. Ya sabéis que para afrontar este tremendo verano, debéis salir con los oídos bien afinados y menear el bullerengue como es debido.
La cita es este viernes 29 de Julio a partir de las 23:00h en Calle Olivar, 39, Metro Lavapiés.
Y como aperitivo un par de adelantos, primero con el Disappear de Inxs de 1990.
Y segundo Jack White con su impresionante Taking me back, aquí en vivo.
Como dije hace ya más de cuatro meses, la banda británica Def Leppard han editado nuevo disco de estudio 27 de mayo titulado Diamond star halos, el que es su duodécimo álbum de estudio, siete años después de su disco homónimo en el sello Universal Music. Ha sido grabado en tres países diferentes con el cantante Joe Elliot en Irlanda, el bajista Rick Savage en Inglaterra y los guitarras Phil Collen y Vivian Campbell más el batería Rick Allen en Estados Unidos. Son 15 nuevos temas, más dos bonus tracks en la edición extendida, y que incluye influencias glam de T-Rex o David Bowie, incluso Mott the Hoople. Hay colaboraciones en el trabajo de gente de la talla de Alison Krauss en dos temas y Mike Garson en otros dos.
El primer single se titulaba Kick, y era un tema rockero donde las guitarras mandan, mientras tiene estribillo coreable y muy adictivo. Luego llegó Take what you want con un inicio más a medio tiempo para luego rockear sin compasión, enorme tema. Y hace unos días puse Fire it up, tema muy reconocible de su estilo con estribillo potente y coreable. Ayer llegó U Rok mi, que empieza a medio tiempo para luego acelerarse para convertirse en un tema rockero con estribillo coreable. Más tarde hablé de Lifeless, un medio tiempo rockero de preciosa factura y en plan balada, que una banda de este calibre siempre hace bien. Luego vino Open your eyes, un medio tiempo que me recuerda a bandas americanas de los 90 como Foo Fighters por ejemplo, y que si no fuera por la voz de su cantante y los coros, no me parece para nada un tema de su factoría, aunque el bajo está realmente tremendo. También hablé de Gimme a kiss, tema muy rockero de factura que me recuerda la época gloriosa ochentera y noventera del grupo. Ahora tenemos uno de los dos temas en los que colabora Alison Krauss, quién pensaría que esta banda rockera y la cantante de bluegrass podrían congeniar, pues lo hacen y de maravilla, This guitar suena como una balada a medio tiempo y sus voces empastan perfectamente.
Como dije hace unos tres meses, otra formación que anunció nuevo álbum para el pasado 15 de julio son los neoyorkinos Interpol, con el título de The other side of make-believe, continuación de Marauder de 2018. La banda ha descrito este nuevo trabajo como "imbuido de anhelo personal y gracia recién descubierta", referido a trabajar de manera aislada y por temas de la pandemia desde 2020. El estilo del grupo liderado por Paul Banks sigue inconfundible, con ese aire post-punk tan característico y sus melodías oscuras pero atrayentes, como demostraba Toni, su primer adelanto del trabajo, con un ritmo cambiante que se pausa y acelera, pero de muy buen tono. Luego tuvimos el segundo Something changed con un inicio lento y bastante triste con piano, para luego cambiar y encauzar la melodía de manera tremenda en este medio tiempo de tono oscuro. Más tarde llegó el tema Fables (fábulas), un medio tiempo de buena factura con su estilo imperturbable. Hace unos días hablaba de Gran Hotel, también un medio tiempo de buena factura en el estilo inconfundible del grupo. Más tarde vino Big shot city, otro buen medio tiempo con desarrollo muy destacable en su estilo clásico. Ayer hablaba de Into the night, insistiendo en el ritmo que domina el trabajo, los medios tiempos a su estilo, creando melodías atrayentes y oscuras. Hoy le toca a Mr. Credit, buena e interesante canción con las guitarras de las más incisivas del disco.
Como he ido diciendo en este último mes, el 10 de junio de este 2022 salió a la luz el nuevo álbum de la banda británica Kula Shaker, comandada por Crispian Mills, con el título de 1st congregational church of eternal love and free hugs, seis años después de su anterior buen álbum, aquel K 2.0. Se trata de 15 nuevos temas, que la banda define de esta manera: "Han pasado tantas cosas desde la última vez que el Rey se despertó y salió a luchar contra las fuerzas de la oscuridad suprema y este mundo nuestro parece casi irreconocible. Si 2021 era algo por lo que pasar, 2022 promete un gran viaje. Abróchate el cinturón para un momento de cambio masivo, agitación global y renovación del alma, qué decir de un nuevo álbum de Kula Shaker, conciertos emocionantes y un gran hosanna para empezar".
Recordemos que Crispian se quedó muy marcado por aquel viaje a la India que hizo en los 90 y hay cosas que ya las tiene para siempre, y su rock psicodélico sesentero sigue vigente.
The once and future king fue el primer single de adelanto, que se inicia lento y acústico que tiene crescendos, su momento guitarrero y su onda hindú como no podía ser menos. Luego tuvimos la pieza After the fall, Part. 2 & 3, una composición tremenda con cambios de ritmo, arreglos brutales y un desarrollo magnífico y cierto tinte western. Más tarde llegó Burning down, que empieza tranquilo para luego ir a más con un riff potente de guitarra destacado. Más tarde vino Hometown, con tintes beatles y una melodía muy atractiva, muy buen tema. Luego vino el turno de Gingerbread man, otro buen tema en el mejor estilo de la banda, siguen siendo muy buenos en lo suyo y cuyo título se refiere a la galleta de navidad que tiene forma de hombre muy típica en norteamérica. Más tarde llegó otro de los singles, Whatever it is (I'm against it), pieza que me recuerda mucho al estilo guitarrero de la banda en los años 90. Ahora escuchamos Farewell beautiful dreamer, con fanfarria y vientos, coros y varias voces.
Como dije hace unos tres meses, otra formación que anunció nuevo álbum para el pasado 15 de julio son los neoyorkinos Interpol, con el título de The other side of make-believe, continuación de Marauder de 2018. La banda ha descrito este nuevo trabajo como "imbuido de anhelo personal y gracia recién descubierta", referido a trabajar de manera aislada y por temas de la pandemia desde 2020. El estilo del grupo liderado por Paul Banks sigue inconfundible, con ese aire post-punk tan característico y sus melodías oscuras pero atrayentes, como demostraba Toni, su primer adelanto del trabajo, con un ritmo cambiante que se pausa y acelera, pero de muy buen tono. Luego tuvimos el segundo Something changed con un inicio lento y bastante triste con piano, para luego cambiar y encauzar la melodía de manera tremenda en este medio tiempo de tono oscuro. Más tarde llegó el tema Fables (fábulas), un medio tiempo de buena factura con su estilo imperturbable. Hace unos días hablaba de Gran Hotel, también un medio tiempo de buena factura en el estilo inconfundible del grupo. Más tarde vino Big shot city, otro buen medio tiempo con desarrollo muy destacable en su estilo clásico. Y ahora Into the night, insistiendo en el ritmo que domina el trabajo, los medios tiempos a su estilo, creando melodías atrayentes y oscuras.
Como decía hace un par de días, el pasado viernes 22 de julio salió el segundo disco de este año de Jack White, titulado Entering heaven alive. Y evidentemente este trabajo tiene otro aire, las canciones están más desnudas, esos efectos y ruiditos del otro disco como fachada sonora aquí no están ya que se trata de un trabajo más acústico de base, menos eléctrico. Eso no quiere decir que el trabajo sea menor, ni mucho menos, a mí particularmente es el que más me gusta, es puro White en todo su minutaje, y se aprecian detalles más profundos de composición, se trata de un absoluto deleite cada canción. Un disco cuidado al máximo y que demuestra que la genialidad de este músico es muy grande. tenemos guitarras acústicas, cellos, teclados tranquilos, etc., Aquí hay ecos de Neil Young, en algún momento algún toque dylaniano, porque el disco respira folk por los cuatro costados y sin perder el toque zeppeliano de siempre.
A Madman from Manhattan tiene un inicio de bossanova fantástico y esa guitarra acústica a la Caetano Veloso realmente brutal, pieza algo surrealista y en cuya letra retrata a un tipo "con odio de hombre y una alfombra hecha de satín". El día 22 de junio la interpretó entre otras en Union Chapel, y en esa iglesia suena de vicio, qué pasada.
Os dejo con A Madman from Manhattan en vivo en Union Chapel.
Siii, siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 319 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un especial dedicado a muchas de aquellas canciones que fueron maltratadas por emisoras de radio y cadenas de televisión, una octava parte.
Suenan por orden The Mamas & The Papas, The Archies, Led Zeppelin, ABBA, Rocky Sharpe & The Replays, Lipps Inc, Willie Nelson, Los Secretos, F. R. David, Christopher Cross, Opus, Simple Minds, Inxs, Texas, Bloodhound Gang, Robbie Williams, Gnarls Barkley y The Killers.
Os dejo con el programa y espero que os guste tanto como a mí grabarlo.
Mick Jagger cumple hoy 79 años, y ahí le tienen como una rosa, hecho un chaval, y eso que hace poco más de tres años le operaron del corazón, y nada ahí sigue incombustible. Debe ser por aquello de su tremendo apetito sexual y todas las miles de relaciones que ha tenido en su vida (más de 4000 dicen) que hace que tenga esa salud de hierro, de hecho fue padre por octava vez a principios de 2017... con una mujer de 30 años (osea él es 44 años mayor). Implacable hombre de negocios, muy promiscuo, bailongo...
Pero bueno, centrémonos en su carrera musical, que comenzara allá por 1962 con The Rolling Stones, una banda que al principio estaba muy influida por el blues muy negro, y que en los primeros años tenía a Jagger y Richards como principales compositores, pero también a Brian Jones, hasta la muerte de éste en 1969. Como he dicho alguna vez, la época dorada a mi juicio de los Stones, comprende los años en los que Mick Taylor formó parte de la banda, es decir, de 1969 a 1974. En cuanto a álbumes, mis favoritos siempre han sido, la trilogía Let it bleed, Sticky fingers y Exile on Main Street, más el Some girls de 1978 y Beegars Banquet de 1968.
En cuanto a su carrera en solitario, está compuesta por cuatro trabajos, aquel magnífico Wandering spirit de 1993, es para mí el mejor hecho por él, y después el Goddess in the doorway de 2001, siendo sus dos trabajos ochenteros de menos calidad general (She's the boss de 1985 y Primitive Cool de 1987). También participó en el proyecto Superheavy, junto con el guitarrista de Eurythmics Dave Stewart, que de heavy tenía muy poquito, aquello tiraba más al reggae que otra cosa.
Como todo el mundo sabe el año pasado nos dejó Charlie Watts, pero Mick, Keith Richards y Ron Wood siguen con la maquinaria dando conciertos hasta que el cuerpo aguante.
En homenaje a Mick os dejo con su interpretación en febrero de 2012 en la Casa Blanca del Miss You de 1978 perteneciente al Some girls, pero él en solitario con su banda, sin los Stones.
Y el pasado viernes 22 de julio salió el segundo disco de este año de Jack White, titulado Entering heaven alive. Y evidentemente este trabajo tiene otro aire, las canciones están más desnudas, esos efectos y ruiditos del otro disco como fachada sonora aquí no están ya que se trata de un trabajo más acústico de base, menos eléctrico. Eso no quiere decir que el trabajo sea menor, ni mucho menos, a mí particularmente es el que más me gusta, es puro White en todo su minutaje, y se aprecian detalles más profundos de composición, se trata de un absoluto deleite cada canción. Un disco cuidado al máximo y que demuestra que la genialidad de este músico es muy grande. tenemos guitarras acústicas, cellos, teclados tranquilos, etc., Aquí hay ecos de Neil Young, en algún momento algún toque dylaniano, porque el disco respira folk por los cuatro costados, y sin perder el toque zeppeliano de siempre.
A tip from you to me es el tema que inicia el disco, una absoluta obra maestra de tono acústico magníficamente producida y con un ritmo acertadísimo a medio tiempo, y unos ecos a Neil Young tremendos (al del Harvest). All along the way comienza de forma sensible y delicada para luego ir transformándose en un tema con cierto tono oscuro y espeluznante, qué gran canción. Help me along tiene un inicio casi de banda sonora con esos violines, para que luego entre el teclado y cuadre la melodía, y en cuya letra confiesa que viajaría "hasta los confines de la tierra" por su ser amado. Love is selfish fue el primer tema que conocimos de este trabajo muy a principios de año, de tono muy acústico y desarrollo fantástico y en cuya letra reflexiona y dice "voy en un tren pero no puedo descansar sobre él, voy en un tren pero no me quedaré en los rieles". I've got you surrounded (with my love) demuestra el lado bluesero de White, y quizás sea el tema más eléctrico de este trabajo y el que se emparenta con su disco gemelo de este año, canción experimental y curiosa, íntima pero también inquietante y con esa guitarra maravillosa. Queen of the bees cierra la primera cara del vinilo, una suerte de swing realmente atractivo, con una letra divertida donde dice "demos un paseo hacia el final de la calle, mete tu mano en mi bolsillo para que los vecinos lo vean". La cara B comienza con A tree on fire from within es un medio tiempo delicioso donde el teclado destaca, pero la pieza tiene un bajo precioso que hace añadidos fuera de la melodía mientras Mr. White desarrolla la letra, enorme tema. If I die tomorrow quizás sea la joya de la corona de este trabajo bastante tétrico en el título, pero de una belleza tremenda, un medio tiempo adornado de maravilla y de bella melodía en cuya letra reflexiona sobre su muerte prematura y pide ayuda para cuidar a su madre, temazo sideral. Please God, don't tell anyone es quizás el tema de más puro folk (aquí está el toque dylaniano que decía, leve) una bonita tonada de desarrollo a medio tiempo y en cuya letra le pide a Dios que su padre no se entere de sus pecados. A Madman from Manhattan tiene un inicio de bossanova fantástico y esa guitarra acústica a la Caetano Veloso realmente brutal, pieza algo surrealista y en cuya letra retrata a un tipo "con odio de hombre y una alfombra hecha de satín". Taking me back (Gently) es como la versión folk-country del tema eléctrico incluido en Fear of the dawn, estas son las cosas de este genio, aquí la muestra en modo Unplugged despojándola de la fachada sonora, y es realmente excepcional, una gozada.
En definitiva Entering heaven alive es uno de los discos del año sin ningún lugar a la duda, en el que Jack White demuestra una versatilidad exhuberante, y donde la calidad manda por encima de todo.
Os dejo con If I die tomorrow en vivo en el Late Show de Stephen Colbert.
Creo que es el momento adecuado para diseccionar los dos trabajos que ha editado el genio Jack White en este 2022, primero lo hizo con Fear of the dawn que salió el 8 de abril en su sello Third Man Records. En octubre del año pasado salió su primer single Taking me back, y ya pudimos ver que era un tema realmente llamativo, con tintes futuristas, muy rockero, con un constante golpeteo de batería, riffs de guitarra duros y sobre saturados, además de un arreglo musical intergaláctico (me recuerda algo a Muse), en definitiva toda una experiencia sonora, hipnótica y electrizante, algo bastante lógico en un musicazo como este. Todo lo que ha hecho este artista tanto con The White Stripes, The Raconteurs, The Dead Weather y en solitario me gusta y con una nota bastante alta, por lo que cuatro años de espera y dos discos de una tacada merecen mucha atención.
Según decía la nota de prensa entonces, este disco y el otro que ha salido este pasado viernes 22 de julio Entering heaven alive, tienen personalidades definidas por "diferentes inspiraciones, temáticas y estados de ánimo". Eso se nota rápidamente, digamos que este trabajo es la evolución vamos a decir coherente o que va en una línea parecida con su anterior álbum de 2018 Boarding House Reach. Yo, como siempre hago, me escucho los discos y voy a la esencia de las canciones, que en este caso la hay a borbotones.
Taking me back, ese primer single, es el que inicia el trabajo, y francamente me parece un tema 100% Jack White, una batería que marca el ritmo con su golpeteo, sus riffs incendiarios y duros de guitarra que marcan el paso en un tema agresivo, con tintes futuristas (esos ruiditos), muy rockero, una joya de tema. Fear of the dawn es un tema que va a mil por hora desde el principio, desarrollo rockero con guitarra y sección rítmica rebosantes, un auténtico pepinazo sideral. The white raven tiene un teclado distorsionado increíble y un ritmo también muy rockero con muchos efectos, el bajo distorsionado y un solo de guitarra espectacular además de esos coros que vienen del averno, me parece un tema superlativo. Hi-De-Ho es el tema colaborativo con el artista de rap y hip-hop Q-Tip, con un inicio de tintes arabescos, para que luego un bajo conduzca al ritmo real del tema donde se mezclan el rock y el rap, donde hay un sampler de Cab Calloway incluido. Eosophobia es uno de esos temas donde la experimentación y la mezcla de diferentes tipos de sonidos, voces dobladas y su guitarra produce un gran tema. Into the twilight incluye dos samplers, uno de William S. Burroughs del tema Origin and theory of the tape cut-ups y otro de la banda The Manhattan Transfer del tema Another night in Tunisia produciendo un tema bastante experimental con efectos y mezclas.
Dusk inicia la segunda cara del vinilo, una pieza de medio minuto que es un interludio. What's the trick? nos devuelve al Jack White del inicio del trabajo, riff monstruoso de guitarra que inicia una canción soberbia con esos ruidos y efectos donde White se siente muy cómodo. That was then, this is now es otra de esas canciones de riff de guitarra junto a base rítmica que definen la melodía, en un tema muy rítmico y atractivo, tiene momentos brutales. El Reprise de Esophobia es eso, un reprise del tema que va en la primera cara, una variación para gusto y deleite de su compositor que se monta un solo de guitarra bestial. Morning, noon and night es un medio tiempo muy gracioso y agradable con un teclado fantástico y juguetón y un ritmo tremendo. Shedding my velvet termina el álbum un medio tiempo de una dulce melodía y tono algo crepuscular.
En definitiva Fear of the dawn no te deja indiferente, un disco soberbio (quizás me sobra la colaboración de Q-Tip) en el que Jack White ha vuelto a demostrar su talento a la composición, un sonido producido de lujo y momentos de un disfrute espectacular.
Os dejo con What's the trick? interpretado en vivo en el Late Show de Stephen Colbert.
Seguimos con esta sección ya mítica de canciones maltratadas, por eso seguimos adelante y hoy lo hacemos con otros tres temas muy machacados y maltratados. Empezamos con una canción de una banda norteamericana que a finales de la década de los sesenta lo petó literalmente con una canción que no dejaba de sonar una y otra vez, luego damos paso a otra banda norteamericana que mezclaba el funky y la música disco y reventaron las discotecas a finales de los setenta y por último vamos con un tunecino de nacimiento y de origen francés que arrasó con un single a principios de los años ochenta.
The Archies - Sugar Sugar (1969)
Hay canciones muy machacadas, pero desde luego el single de The Archies Sugar Sugar de 1969, es posible que esté en el olimpo de las muy muy maltratadas. A finales de la década de los sesenta se puso de moda la música Bubblegum pop, un subgénero musical de la música pop que tenía entre sus características el carácter melódico y ritmos animados con bastante toque comercial para atraer a la muchachada y chavalada de la época (mayormente adolescentes) donde se encuadraban grupos como The Banana Splits, The Partridge Family o The Ohio Express, pero los que realmente arrasaron fueron The Archies, cuyo tema Sugar Sugar sirvió para resaltar a los personajes de dibujos animados de la serie The Archie, que era muy exitosa emitido los sábados por la mañana.
The Archies se formaron en 1968 en Riverdale, EEUU, con la influencia de haber visto a The Monkees decidieron formar un grupo, encabezado por el guitarrista y cantante principal Archie Andrews. Después de un par de temas de éxito nacional, sería con Sugar Sugar en 1969 con la canción con la que su éxito sería mundial, dulce, acaramelada y muy comercial canción que además salió a principios de verano, para disfrute de la juventud que está normalmente de vacaciones, pero además encantaba a los mayores, un número 1 de libro, que hasta Wilson Pickett versionó.
Os dejo con el Sugar Sugar de The Archies.
Lipps Inc - Funkytown (1979)
La banda norteamericana de Minneapolis Lipps Inc, editaron su primer disco de estudio Mouth to mouth en 1979, que incluía el tema Funkytown. Se trataba de una formación compuesta por el productor, compositor y arreglista Steven Greenberg y la vocalista Cynthia Johnson, rodeados de músicos de estudio que practicaban una mezcla realmente impactante de música funky y música disco. De hecho este primer álbum, experimentaba mucho y solo tenía cuatro temas, dos por cara, siendo su duración mínima de seis minutos. La canción Funkytown que ya saldría como single en 1980 (fue el segundo, el primero fue Rock it) y con minutaje reducido en torno a los cuatro minutos para ponerlo en radios, fue número 1 en al menos 6 países y vendiendo millones de copias, fue disco de plata.
Os dejo con Funkytown.
F.R. David - Words (1982)
Cerramos esta terna con F.R. David, nacido con el nombre de Eli Robert Fitoussi David el 1 de enero de 1947 en la localidad tunecina de Menzel Bourguiba, cuando Túnez era aún colonia gala. A principios de los años setenta comenzó en la música como guitarrista acompañante del griego Vangelis y también como integrante de la banda francesa Les Variations, de aire rockero. Les Variations se disolvieron, y David se fue a Estados Unidos trabajando al lado de artistas como The Dooby Brothers, Richie Evans o Toto, curtiéndose. Pero en 1982 decide lanzarse en solitario con su primer álbum titulado Words, del que se extraía el primer single homónimo que llegó a vender más de ocho millones de copias, y cimentando su fama con apariciones en prestigiosos programas de la BBC. Lo curioso de este artista, es que dado el uso unisex de su nombre y sus tonos agudos, se produjo la situación de que le confundían con una mujer en algunas emisoras de radio, cosa que no impedía que sonara muucho.
Como llevo diciendo mucho tiempo,hay muchas más canciones maltratadas de las que se podría pensar, y en esta sección nos hacemos eco de ello, por eso seguimos adelante y hoy lo hacemos con otros tres temas muy machacados y maltratados. Empezamos con una canción de una mítica banda norteamericana que a mitad de los años sesenta fue muy escuchada, además de luego versionada y demás, luego vamos con un tema de otro artista norteamericano que fue un hit total en el principio de los años ochenta y por último una banda austriaca que quedó marcada para siempre por una canción, el típico One hit wonder.
The Mamas and The Papas - California Dreamin' (1965)
The Mamas and The Papas tuvieron su época de esplendor desde 1965 a 1968, en dos años y medio cual estrella fugaz hicieron una carrera meteórica que dejó una profunda huella materializada en canciones de melodías tremendas, sustentadas en armonías vocales primorosas y gracias a los arreglos ingeniosos del no siempre reconocido John Phillips, su miembro fundador y líder. La banda la conformaban dos hombres y dos mujeres, el citado John Phillips, Denny Doherty, Cass Elliot y Michelle Phillips. Entre ellos The Beach Boys y The Byrds daban respuesta a la British Invasion que lideraban The Beatles, con ese sonido creado en California.
En 1965 editaron su segundo single California dreamin' (el primero fue Go where you wanna go) que para muchos es un himno generacional y abrió las puertas a la psicodelia, fue su primer éxito, pero como toda mítica canción tiene su historia. Primero fue grabada por el cantante Barry McGuire, amigo de Cass Elliot y John Phillips, quien antes de que lanzaran su carrera a nivel mundial los contrató a los cuatro como su acompañamiento vocal. La autoría está acreditada a John y Michelle Phillips que ya la habían parido en 1963, y era una referencia a la época en la que Michelle moría de aburrimiento en la ciudad de New York y era invadida por sus ganas de regresar a California. Para cuando el cuarteto lanza a finales de 1965 su versión, en diferencia a la versión de McGuire solo se removió su voz, quedando la sección rítmica (arreglos incluidos) a los que se añadió nuevas pistas de voces. Allí estaban Hal Blaine a la batería o Joe Osborn al bajo de la Wrecking Crew, ayudando en la sombra. El tema iría incluido en 1966 en el primer disco de la banda titulado If you can believe your eyes and ears.
California dreamin' no llegó curiosamente al número 1, pero estuvo en la lista de las 10 mejores por muuchas semanas. Luego con el paso del tiempo ha sonado hasta en la sopa, radios, televisiones, garitos, ha tenido múltiples versiones, etc...
Os dejo con California Dreamin' por The Mamas and The Papas.
Christopher Cross - All right (1983)
Tres años después de su aclamado disco de debut, el cantante y compositor norteamericano de San Antonio, Texas, Christopher Cross editó su segundo álbum de estudio en 1983 titulado Another page. Allí había una canción llamada All right, que estaba incluida en la banda sonora de la película Arthur de 1981 y dirigida por Steve Gordon, recibiendo el Oscar a mejor canción original. El tema es indudablemente comercial (muy ochentera con los teclados) y muy animosa con una letra para esos momentos malos en los que hay que ser positivos para salir adelante. El propio Christopher lo pasó mal por el Covid-19 y ha estado un tiempo tratando de recuperarse de las consecuencias que le dejó con problemas musculares y demás, así que seguro que se apoyó en su propia canción. Tema muy pinchable, éxito asegurado en cualquier sesión.
Os dejo con All right.
Opus - Live is life (1984)
Y ahora vamos con una de esas canciones que marcan la carrera de un grupo, en concreto, el de la banda austriaca Opus, formada en la localidad de Judendorf, en la región de Estiria, de apenas 5.000 habitantes. Se trata de un grupo activo desde 1973, que editaron su primer disco en 1980 y que está conformada por el vocalista Herwig Rüdisser, el guitarrista Ewald Pfleger, el bajista Niki Gruber, el teclista Kurt-Rene Plisnier y el batería Günter Grasmuck. Actualmente siguen en activo, su último disco de estudio data de 2020, y tienen editados en total 11, más cuatro en vivo y varios discos recopilatorios.
La canción Live is life salió por primer vez en su primer disco de directo de 1984 con el mismo nombre, y era un tema compuesto por el guitarrista de la banda Ewald "Sunny" Pfleger, a quien la idea se le ocurrió en una playa de Ibiza. Antes de este éxito la banda solo había tenido popularidad en Austria, por ejemplo su tema Eleven de 1982 había vendido 25.000 ejemplares, siendo disco de oro. El tema Live is life realmente fue creada para celebrar el undécimo aniversario del grupo en un concierto el 2 de septiembre de 1984 en la localidad de Oberwart, en la región de Burgenland. Por supuesto el concierto fue grabado para editar ese citado disco en vivo, pero la anécdota radica en que mientras cantaban Live is life la grabación falló y tuvo que repetirse, volviéndose a interpretar. Esto al final fue un punto de fortuna, ya que el público en la primera vez no la conocía, pero a la segunda ya se la había aprendido, y tal vez por eso, cantó con más ganas como se aprecia en dicha grabación. Este álbum vendió dos millones de copias y el single 15 millones, siendo número 1 hasta en veinte países y los hizo muy famosos.
Como dije hace dos meses aproximadamente, ayer 22 de julio la banda tejana ZZ Top editaban Raw, su nuevo trabajo. Este disco se grabó en Gruene Hall, el salón de baile más antiguo de EEUU que data de 1878 en New Braunfels, Texas. La sesión de grabación se realizó sin complejos, parafernalias y demás y orientada a buscar el sonido crudo ("raw") y de raíz con el que comenzó el grupo a principios de los 70. De eso precisamente trata el documental nominado a los Premios Grammy "ZZ Top: That little Ol' Band from Texas" dirigido por Sam Dunn donde se relata la historia de la formación que componen Billy Gibbons a la voz y guitarra, Frank Bear a la batería y el añorado Dusty Hill al bajo. Todos los temas componen la banda sonora del documental y están varios de los viejos éxitos del grupo, incluso dos temas del primer disco Brown Sugar y Certified blues. El single de partida fue Tube snake boogie, tema de 1981 del disco El Loco, una de las canciones favoritas de la banda y clásico en sus directos. Luego tuvimos un tema infeccioso de su cuatro álbum de 1975 Fandango! y que es el mítico Heard it on the X, que cantan a dos voces Billy Gibbons y el desaparecido Dusty Hill. Ahora llega I'm bad I'm nationwide, canción del disco Degüello de 1979, donde suena el grupo en su esencia máxima, extraordinaria revisión.
Os dejo con el tema y vídeo de I'm bad I'm nationwide.
En 1998 y con su disco This is my truth tell me yours, los galeses Manic Street Preachers alcanzaron su techo a nivel comercial, con un buen disco donde se tiraron más hacia los arreglos orquestales y pulieron ese lado de punk-pop, con muy buenas canciones claro está. Para demostrar que todavía tenían vena agresiva, punk y rockera editaron en el año 2000 el Ep Masses against the classes, previo al lanzamiento de Know your enemy, en 2001, un trabajo extraordinario, con muchos más matices que el anterior e infravalorado de manera asombrosa, para mí, sin duda, uno de los mejores discos de su trayectoria.
Hablo de un disco diverso, intenso, con bastante carga política (algo común en la banda), dónde hay piezas de garaje-rock, pop-rock, punk-pop, coqueteos simpáticos con la música de baile, y un sinfín de géneros bien mezclados, en un trabajo de largo minutaje que para nada se hace denso, sino muy disfrutable. Pero ante todo tenemos canciones de un nivel muy alto, composiciones donde si es necesario meter trompetas y vientos, se hace adecuadamente, y en esto seguramente habrá que dar su justo valor a la producción de Dave Eringa. No olvidar, que después de la extraña desaparición de Richey James en 1995, la banda seguía siendo un trío.
La obra pintada por el artista Neal Howells para la portada de Know Your Enemy (sobre un cartel electoral de los Tory) causaba todo un revuelo en su Gales natal y como no, en toda Gran Bretaña.
El 9 de septiembre saldrá la versión expandida de Know your enemy, que uno de estos días antes anunciaban con algo de misterio en redes sociales. Se trata de una versión deluxe de una manera diferente, que se compone de tres discos, primero partido en dos discos titulados Solidarity y Door to the river mostrando respectivamente, su distintivo de rock más duro y su lado más acústico y experimental. Aquí hay dos piezas que no se incluyeron en su día en el disco y quedaron descartadas, llamadas Rosebud y Studies in Paralysis que según Nick Wire bajista de la banda nadie ha escuchado antes, además de incluir todas las caras B de los singles, hay también otra versión de Let Robeson Sing completamente diferente hecha solo por James Dean Bradfield. Precisamente esas demos conforman el tercer cd de la caja, de lo que fueron las canciones que finalmente conformaron el disco en 2001.
El tema Rosebud es una maravilla de tono rockero, con muchos cambios de ritmo y una guitarra insinuante en todo el minutaje. Sinceramente no entiendo como no la incluyeron en el disco.
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