La banda californiana Queens of the Stone Age editarán el 30 de octubre nuevo álbum de estudio titulado Perfecth, sucediendo a In times new roman... de hace tres años y que saldrá a través del sello Matador Records. Grabado entre New Orleans y Los Ángeles, Perfecth es una variación deliberadamente imperfecta de la palabra inglesa perfect (perfecto), acuñada por el líder del grupo Josh Homme. En declaraciones de Josh: "Nada en este mundo es perfecto, pero todo parece ser 'perfecth', y ese título resulta gracioso cuando estás en un grupo, pero no lo es tanto cuando estás solo".
Se dice que los nueve temas que componen el trabajo, abordan diversas formas de amor, tratando sobre "la familia, los amigos y otras personas, tanto importantes como insignificantes".
Hace un mes aproximadamente salió el primer single titulado Easy street, un medio tiempo de parte medio acústica al principio, hasta que entra una melodía de solo de guitarra que es sinuosa, curioso single este.
Como llevo diciendo desde principios del pasado mes de julio, Jim James, líder de My Morning Jacket, editará un disco en solitario el 28 de agosto titulado Wowed out, ocho años después de su anterior trabajo fuera de la banda, aquel Uniform distortion de 2018.
El propio Jim James ha declarado: "Cuando pienso en la creación de este álbum, casi siento que estaba en una especie de sueño y ahora intento recordar de qué se trataba, todo el proceso me brindó mucha alegría y consuelo mientras lo creaba, y espero que también les brinde un poco de alegría y consuelo a los demás".
Come again fue el primer adelanto, un medio tiempo con base electrónica y con ritmo intenso, mientras su voz era protagonista. Luego llegó el tema que da título al álbum, ese Wowed out, otro medio tiempo apacible donde un teclado marca la melodía a la que se unen la voz de Jim y los coros. Ahora llega el tercer adelanto titulado Lost child, otro medio tiempo (el tono del disco parece reposado) que transmite sosiego con coros y el estribillo que se repite.
Como llevo diciendo desde principios de abril, otro músico que anunciaba nuevo álbum para el pasado 24 de julio de este 2026, era Robyn Hitchcock, el veterano artista británico con el título de The Confuser, a través del sello Thiny Ghost Records. En este trabajo grabado en Nashville ha contado con la participación de Jeremy Fetzer a la guitarra, Todd Bolden al bajo, Erick Slick a la batería, además de Kimberly Rew a la guitarra eléctrica, antigua compañera de Robyn en The Soft Boys. Robyn se encuentra en un gran estado de forma compositivo y en este álbum lo vuelve a demostrar.
I am this thing fue el primer adelanto descrito como un himno propio, un gran single de melodía preciosa, que embelesa y con una letra sobre esos momentos donde te enteras que eres un inquilino en tu propio cuerpo. Luego llegó My dead astronaut donde volvía a aflorar la manera de componer de este gran músico y su gran estilo, en una melodía de acento pop-rock de gran calidad. También hablé de How to feel alright con un ritmo animado de guitarras y donde Robyn canta de lujo en un tema de buena melodía. Hice lo propio com Yesterday's rain, una animosa y divertida melodía con estribillo de los que engancha. Hice referencia a Building from the ruins un medio tiempo de muy buena factura donde guitarras, teclados, sección rítmica y la voz de Robyn forma un conjunto perfecto. Y ahora llega Wasted, tema que cierra el disco y que comienza con arpegios de guitarra, hasta que llega la melodía que es un medio tiempo que empieza de manera tranquila, pero que va cogiendo ese ritmo que va a más con su voz de protagonista.
Como llevo diciendo estos días, la banda californiana Weezer vuelven a la carga con otro de sus álbumes homónimos cromáticos, ya hicieron el azul, el verde, el rojo, el blanco, el turquesa y el negro, pues bien el pasado viernes 21 de agosto salió a la luz el color oro, Gold album. Ha sido producido por Klas Ahlund y Kenneth Blume, el productor antes conocido como Kenny Beats, quien afirma en un comunicado de prensa que "quería crear el álbum más violento de Weezer hasta la fecha". No sé si este hombre habrá conseguido ese objetivo a estas alturas, lo que si está claro es que a tenor de los singles, sigue siendo la banda de siempre con guitarras presentes y melodías interesantes.
Say yes abre el trabajo con intro tranquila hasta que viene el cambio con guitarras furiosas, una buena piedra de toque, de la que dimos cuenta ayer. También hablé del tema que fue el primer single allá por abril, el Shine again, con riff imponente de guitarra desde el inicio, y un Rivers Cuomo siempre acertado en la interpretación, muy reconocibles en este tema los norteamericanos. Luego llegó The show must go on, un tema bastante rockero y salvaje en las guitarras con Rivers cantando sobre ellas de manera soberbia. Ahora hablo de Don't make it weird con ritmo guitarrero mandón y machacón hasta que entra la voz de Rivers y luego la sección rítmica.
Wolfmother, la banda australiana comandada por Andrew Stockdale, editó en 2005 su primer álbum homónimo. Con referentes claros en el rock de finales de los 60 y principios de los 70 y con bandas como Led Zeppelin sobre todo, Black Sabbath o Deep Purple, este trío donde Chris Ross tocaba bajo y teclados y Myles Heskett la batería, se marcó un gran primer trabajo de escucha agradable, que no inventaba nada nuevo, pero que traía de vuelta sonidos algo olvidados y que siempre conviene referenciar. Distorsión, potente blues-rock-lisérgico con textos épicos, mágicos y románticos que crean grandes atmósferas, todo ello fue denominado más adelante como stoner rock.
Apple tree fue otro de los singles de aquel gran trabajo, con un ritmo trepidante desde el inicio con la sección rítmica muy potente, Andrew brutal a la voz y con grandes cambios.
Wolfmother, la banda australiana comandada por Andrew Stockdale editó en 2014 su tercer trabajo discográfico titulado New Crown, 5 años después de aquel huevo cósmico, aunque Stockdale sacara entre medias su disco en solitario (Keep Moving del 2013). Por eso mismo les tenía algo perdidos en aquella época, y sin saber si seguían funcionando. Las influencias de Led Zeppelin y Black Sabbath siguen presentes, pero claro nunca se debe olvidar que su primer disco de 2005 es difícil de superar. A parte de todo esto, la sección rítmica del grupo ha sufrido cambios desde el final de la gira de aquel primer disco homónimo, y en ese baile sólo se mantiene Ian Peres al bajo, y por ahora Vin Steele a la batería.
El álbum suena compacto, sin fisuras, pero sin llegar a niveles de antaño. El rock pesado y fuerte domina el disco, como el tema inicial How many times, un pepinazo rockero de dimensiones siderales que sigue sonando de lujo.
Como llevo diciendo estos días, la banda californiana Weezer vuelven a la carga con otro de sus álbumes homónimos cromáticos, ya hicieron el azul, el verde, el rojo, el blanco, el turquesa y el negro, pues bien el pasado viernes 21 de agosto salió a la luz el color oro, Gold album. Ha sido producido por Klas Ahlund y Kenneth Blume, el productor antes conocido como Kenny Beats, quien afirma en un comunicado de prensa que "quería crear el álbum más violento de Weezer hasta la fecha". No sé si este hombre habrá conseguido ese objetivo a estas alturas, lo que si está claro es que a tenor de los singles, sigue siendo la banda de siempre con guitarras presentes y melodías interesantes.
Say yes abre el trabajo con intro tranquila hasta que viene el cambio con guitarras furiosas, una buena piedra de toque, de la que dimos cuenta ayer. Ayer hablé del tema que fue el primer single allá por abril, el Shine again, con riff imponente de guitarra desde el inicio, y un Rivers Cuomo siempre acertado en la interpretación, muy reconocibles en este tema los norteamericanos. Ahora llega The show must go on, un tema bastante rockero y salvaje en las guitarras con Rivers cantando sobre ellas de manera soberbia.
Como llevo diciendo desde principios de este mes, la banda italiana Radio Days vuelven a la carga con nuevo álbum titulado Off the record y que saldrá a la luz el 4 de septiembre. La banda sigue estando formada por Dario Persi a la voz y guitarra, Mattia Baretta al bajo y coros, Paco Orsi a la batería y Massimiliano Raffa a la guitarra y coros (última incorporación). Esta banda sigue facturando un powerpop de muy buena calidad, suenan alegres, con buenas melodías y cuyo toque de esa guitarra crujiente Rickenbaker les confieren un sonido muy atractivo. Referentes en bandas como The Knack (sonido muy directo y potente), The Plimsouls (hay mucho de su primer disco en las melodías), The Rubinoos o incluso Big Star.
Han ido saliendo varios singles del disco durante este año, hace días hablé del que salió allá por junio One heart one love con sección rítmica potente, guitarras que corren y ese estribillo que engancha en una melodía muy marchosa. También hablé de otro titulado I've got a song, una balada de powerpop, con cosas de los Beatles, de Teenage Fanclub, incluso de Weezer, preciosa tonada. Hice referencia de I won't give up, tema que salió como single hace más de cuatro meses, allá por abril y que es un powerpop con toques beatles y una melodía que engancha mucho. Ahora ha salido otro single Another lonely night, muy rockerito y con estribillo que engancha muy adictivo.
Os dejo con el tema y vídeo de Another lonely night.
Como decía ayer, la banda californiana Weezer vuelven a la carga con otro de sus álbumes homónimos cromáticos, ya hicieron el azul, el verde, el rojo, el blanco, el turquesa y el negro, pues bien ayer 21 de agosto salió a la luz el color oro, Gold album. Ha sido producido por Klas Ahlund y Kenneth Blume, el productor antes conocido como Kenny Beats, quien afirma en un comunicado de prensa que "quería crear el álbum más violento de Weezer hasta la fecha". No sé si este hombre habrá conseguido ese objetivo a estas alturas, lo que si está claro es que a tenor de los singles, sigue siendo la banda de siempre con guitarras presentes y melodías interesantes.
Say yes abre el trabajo con intro tranquila hasta que viene el cambio con guitarras furiosas, una buena piedra de toque, de la que dimos cuenta ayer. Ahora hablo del tema que fue el primer single allá por abril, el Shine again, con riff imponente de guitarra desde el inicio, y un Rivers Cuomo siempre acertado en la interpretación, muy reconocibles en este tema los norteamericanos.
Como ya dije a principios del mes de abril, la banda neoyorkina The Strokes han editado nuevo álbum el 24 de julio titulado Reality Awaits y que ha sido producido por Rick Rubin, al igual que The new abnormal, el anterior trabajo de la banda de hace seis años, el trabajo sufrió un aplazamiento, ya que su fecha inicial de edición era el 26 de junio. Esta banda tiene la deuda pendiente de entregar un gran trabajo desde hace tiempo, esperemos que ahora lo hagan, este es sólo su séptimo álbum de estudio. El primer avance del trabajo se titulaba Going shopping y era un tema con un ritmo animado, mientras la voz de Julian Casablancas estaba tuneada y sonaba con efecto de ordenador, dentro de una canción de aire pop. El segundo adelanto se titulaba Falling out of love y era un medio tiempo donde la voz tuneada por ordenador del cantante es más acusada aún, siendo un tema que no acaba de arrancar y se alarga demasiado en minutaje. También hablé de Going to babble on, un tema de aire pop y buena melodía, de lo más salvable de un disco del que esperaba más, como me pasa con este grupo desde hace tiempo. Hice referencia a de Dine N'Dash, un medio tiempo de aire taciturno y que gana con las escuchas, buen tema. Ahora llega Lonely in the future con un ritmo furioso al inicio hasta que se establece una interesante melodía con la voz tuneada por ordenador de Julian Casablancas.
La banda californiana Weezer vuelven a la carga con otro de sus álbumes homónimos cromáticos, ya hicieron el azul, el verde, el rojo, el blanco, el turquesa y el negro, pues bien hoy sale a la luz el color oro, Gold album. Ha sido producido por Klas Ahlund y Kenneth Blume, el productor antes conocido como Kenny Beats, quien afirma en un comunicado de prensa que "quería crear el álbum más violento de Weezer hasta la fecha".
No sé si este hombre habrá conseguido ese objetivo a estas alturas, lo que si está claro es que a tenor de los singles, sigue siendo la banda de siempre con guitarras presentes y melodías interesantes.
Say yes abre el trabajo con intro tranquila hasta que viene el cambio con guitarras furiosas, una buena piedra de toque.
Como llevo diciendo desde principios de este mes, la banda italiana Radio Days vuelven a la carga con nuevo álbum titulado Off the record y que saldrá a la luz el 4 de septiembre. La banda sigue estando formada por Dario Persi a la voz y guitarra, Mattia Baretta al bajo y coros, Paco Orsi a la batería y Massimiliano Raffa a la guitarra y coros (última incorporación). Esta banda sigue facturando un powerpop de muy buena calidad, suenan alegres, con buenas melodías y cuyo toque de esa guitarra crujiente Rickenbaker les confieren un sonido muy atractivo. Referentes en bandas como The Knack (sonido muy directo y potente), The Plimsouls (hay mucho de su primer disco en las melodías), The Rubinoos o incluso Big Star.
Han ido saliendo varios singles del disco durante este año, hace días hablé del que salió allá por junio One heart one love con sección rítmica potente, guitarras que corren y ese estribillo que engancha en una melodía muy marchosa. También hablé de otro titulado I've got a song, una balada de powerpop, con cosas de los Beatles, de Teenage Fanclub, incluso de Weezer, preciosa tonada. Ahora hablo de I won't give up, tema que salió como single hace más de cuatro meses, allá por abril y que es un powerpop con toques beatles y una melodía que engancha mucho.
La banda británica de Middlesborough, Whitesnake, es la formación que fundó David Coverdale después de salir de Deep Purple, cuyos comienzos iban muy en onda setentera y bluesera, pero luego fueron evolucionando hacia un glam-rock más comercial. Sus primeros discos tuvieron éxito en Gran Bretaña, pero les costaba triunfar al otro lado del charco. Fue ya con su firma con Geffen Records cuando asaltaron el mercado norteamericano, sobre todo gracias al disco homónimo de 1987. La formación que lo grabó fue David Coverdale a la voz, John Skyes a la guitarra y coros, Neil Murray al bajo y Aynsley Dunbar a la batería. En ese disco estaba incluida una canción titulada Here I go again que fue número 1 en EEUU y Canadá, abriendo todas las puertas. Pero esta canción tiene su historia, ya que inicialmente es una canción original del disco Saints & Sinners de 1982, pero esa primer grabación estaba grabada en un estilo musical más setentero, que luego modificaron en la regrabación posterior cinco años más tarde, dándole un toque mucho más comercial y rockero. Hubo varios singles de mucho éxito del disco, y cómo no, estaba un baladón, que en este caso era Is this love, una canción que en su origen era un encargo para Tina Turner, pero Coverdale pensó que le había quedado muy bien y se la quedó.
Give me all your love fue otro de los singles, tema rockero con tintes comerciales y teclados ochenteros (se notaba que Jon Lord ya no estaba en la formación).
Os dejo con el tema y vídeo de Give me all your love.
Como dije en su día, hay discos que por una razón u otra pasan a engrosar de manera ya perpetua tu colección de álbumes imborrables, que bien te llevarías sin dudarlo a una isla desierta o en un viaje sideral a otro planeta, ese el caso de Behind the music, tercer disco de los suecos The Soundtrack of Our Lives que es una obra maestra, un trabajo que se escucha del tirón y que tiene momentos en su audición realmente alucinantes. Ebbot Lundberg con su personal voz, esas guitarras de Ian Person y Mattias Bärjed (que sustituyó en 1997 al primer guitarrista Björn Olsson), Martin Hederos a los teclados, Kalle Gustafsson al bajo y Fredrik Sandsten a la batería era un sexteto de mucho empaque, y en este trabajo lo bordaron.
The Soundtrack of Our Lives quizás sea uno de esos casos más claros de una banda descomunal que pasó desapercibida y sin pena ni gloria en sus 17 años de existencia, y la verdad es que resulta difícil de entender, dentro de la invasión escandinava donde formaciones como The Hellacopters, The Hives, etc., se llevaron la palma. Banda sueca, cuyo período de actividad abarcó desde 1995 hasta 2012 y que se despidieron con un recopilatorio doble en 2014 (Rest in peace). Sus influencias eran claras, por un lado los Beatles de la segunda época, por otro también The Kinks en algunas letras, pero la parte psicodélica tipo Love también la tenían. Por momentos hay gotas de los Stones de Brian Jones, la energía de los Who, The Doors, incluso los primeros Pink Floyd más MC5 son otros referentes, toda una coctelera de cuya mezcla no puede salir nada malo. Es un disco atemporal, magnífico y con pocas pegas que ponerle y cuya época para disfrutarlo más para mi es el verano, aunque vale cualquier estación.
Independent luxury vuelve al toque stoniano inicial con ese guiño al Sympathy for the devil, para luego desarrollar un rock psicodélico enorme que suena también muy sesentero y que gana en intensidad escucha a escucha.
Como ya dije a mediados de julio, la banda escoces Teenage Fanclub anuncian nuevo álbum titulado Do not dare to dream para el 9 de octubre del presente año 2026, a través del sello Merge Records. Norman Blake acerca del significado del título dijo: "los sentimientos de 'atraverse a soñar' son un tanto ridículos y el mundo no funciona así", por su lado Raymond McGinley señaló que: "aún se puede ser optimista a pesar de que las cosas no vayan del todo bien". Norman a la voz y guitarra y Raymond a la voz y guitarra solista siguen llevando la manija del grupo, junto a Euros Childs a los teclados y coros, Francis Macdonald a la batería y David McGowan al bajo. El disco mantiene esa calidez melódica del disco anterior, el aclamado Nothing lasts forever y el dominio de las guitarras cristalinas que llevan haciendo más de treinta años.
Day in the sun fue el primer adelanto, un clásico de esta banda, con su sello inconfundible, bonita melodía, armonías vocales preciosas y maestría compositiva. Ahora llega There was you, otra arrebatadora melodía que parte de guitarras acústicas y con voces fantásticas.
Siii, siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 531 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un especial acerca de bandas y artistas que han estado tocando por Madrid en los meses de julio y agosto.
Suenan por orden The Courettes con temas de sus discos Here are The Courettes (2015), We are The Courettes (2018) y The Soul of... The Fabulous Courettes (2024), de The Stems un single de 1986, tema del disco At first dight violets are blue (1987), tema del disco Headsup (2007) y single de 2025, de Jean Michel Jarre de sus discos Oxygene (1976), Oxygene 7-13 (1997), Oxygene 3 (2016), Magnetic Fields (1981), Zoolook (1984), Rendez-Vous (1986) y Chronologie (1993), de Morrissey temas de su disco Viva Hate (1988), You are the Quarry (2004), Ringleader of the Tormentors (2006) y Make-up is a lie (2026) y de The Peawees temas de Movin Target (2018) y One Ride (2024).
Os dejo con el programa y espero que os guste tanto como a mí grabarlo.
La banda californiana The Beach Boys editaron 15 Big ones en el año 1976. Aquñi había canciones compuestas por Brian Wilson, otras por sus hermanos Carl y Dennis, otras con Mike Love y alguna por Al Jardine, además de tener versiones de Chuck Berry, Ed Wells, Chuck Barris o Fred Parris. Tres años habían pasado de Holland, aquel disco grabado en Holanda y cuyo proceso no acabó de convencer a Brian.
it's ok es de las canciones más alegres y bonitas del disco, compuesta por Brian y su primo Mike Love aunque Brian le dejó a su hermano Dennis que la cantara, absoluta maravilla con unas armonías vocales de caerse de espaldas.
Rory Gallagher, el excepcional guitarrista irlandés, editó en 1978 Photo Finish. Se trata de un trabajo que quizás no tenga el renombre o la energía de otros míticos discos como Tattoo o su debut, incluso Deuce, pero desde luego es un muy buen disco, con temas excepcionales y muy variados. Es una piedra de toque muy buena si te metes a fondo con este artista de primeras, y es una buena muestra de lo que era capaz. Un tipo que mezclaba rock y blues de manera bestial, y que sobre todo anteponía las canciones a él mismo, en ese sentido se diferenciaba de muchos otros, es decir los temas están pensados para que sean buenos, y no sólo para su exclusivo lucimiento personal, del que por cierto, tocando la guitarra iba muy sobrado.
El álbum fue grabado en Alemania con Chrysalis Records, compañía británica y tenía a Gerry McAvoy al bajo, a Ted Mckenna a la batería y el gran Rory tocando guitarra, cantando, y tocando armónica y mandolina, ahí es nada.
Shin kicker empezaba el disco con un riff de guitarra muy destacadao en el inicio, junto a la base rítmica a la vez que Rory canta un rock and roll de base clásica.
Hoy hace 49 años nos dejaba Elvis Aaron Presley, el Rey del Rock. Mucho tiempo ha pasado ya, cuatro décadas y pico, casi cinco, desde que el chico de Tupelo nos dejara huérfanos, de todo lo que había significado para muchas generaciones, sus movimientos de caderas, rock en estado puro, su carisma, y su icono, el de un chico guapo y enorme cantante e intérprete, que supo tocar muchos palos y evolucionar, y que, cómo no, fue un fenómeno social que inundaba televisiones y radios de la época. Las peregrinaciones a Graceland se siguen produciendo, el museo que fue su casa donde está enterrado, de miles y miles de fans. Cuando alguien es tan imitado, recordado, venerado, etc., es que algo muy grande hizo, y es evidente que en este caso hablamos de un figura majestuosa, la del icono masculino americano más importante de la música del S. XX.
Quisiera recordar que cuando leí la biografía de Bruce Springsteen, y contaba de manera peculiar cómo la aparición de Elvis en televisión fue todo un acontecimiento en su familia, algo que a él le marcó totalmente, y por otro lado mi amigo y compositor Julio César Sánchez recuerda siempre con atino que en España el régimen dictatorial le vetó en 1956, en sus inicios, tachándole de delincuente (nos robaba los corazones, sí), así su imagen en nuestro país siempre estuvo deteriorada y era ridiculizada.
Elvis no era un compositor refutado, le componían casi todos sus temas (la pareja Leiber/Stoller sobre todo) o hacía versiones de otros, pero su grandeza estaba en la manera en la que los interpretaba, abarcando un ramillete de estilos y una paleta de lo más variada, no sólo rock and roll, sino soul, blues, rancheras, tex-mex, etc. Así la cantidad de números 1 que alcanzó fue increíble, un intérprete sublime. Un tipo al que nunca le escuché irse de tono en una canción, ni siquiera en los ensayos.
A pesar de su triste final, sufrió un infarto agudo de miocardio por el abuso de pastillas que engordaron su figura y condenando su salud, su legado musical es inmenso, porque no dejaba de grabar y trabajar.
Hoy en homenaje me quedo con su interpretación en Las Vegas del Polk Salad Annie, versión de Tony Joe White, y que sale en el film EPiC de Baz Luhrmann de este 2026.
En 1981 edita Magnetic Fields, en francés Les Chants Magnétiques, Campos Magnéticos en castellano. Hablamos de un disco que llegó al número 1 en Francia nada más publicarse, al igual que sus predecesores Equinoxe y Oxygene, también llegó al 4 en Austria, 5 en Holanda y 6 en Gran Bretaña, aunque ya no volvería a ser número 1 en Francia hasta 1986 con Rendez-Vous. Después del rotundo éxito de Oxygene que sorprendió a todo el mundo y de su continuación de gran calidad con Equinoxe, donde no había gran evolución pero si mucha calidad, aquí en este disco si habría novedades sobre todo por la irrupción, ya cambiando de década, de los sintetizadores digitales. Y la diferencia radicaba en lo siguiente, lo digital era más cómodo en muchos sentidos por resumir, mientras con los aparatos analógicos, si querías volver a utilizar un sonido tenías que recordar la configuración exacta de todos los parámetros de potenciómetros, knobs o cables en el momento de creación de cada timbre sonoro, para recuperarlo, no siempre era exacto por la extrema sensibilidad de los osciladores a las condiciones ambientales. Lo digital, daba la posibilidad de grabar cada sonido creado de forma que en cualquier momento podía ser recuperado exactamente igual y utilizado por el artista como quisiera, un avance sin duda. A esto hubo que unir la aparición del sampler, que modificaba cualquier ruido o sonido externo que el músico podía modificar, manipular, retorcer, repetir, voltear o lo que fuere con ese aparato. Uno de los primeros modelos de la marca Fairlight (australiana) fue a manos de Jarre quien le sacó mucho partido.
Magnetic Fields Pt. 2 fue el tema de presentación del disco, con esa percusión tan presente y quizás algo machacona pero con una melodía que enganchaba desde el inicio, y que desde luego ya se te quedaba para siempre en la cabeza.
Os dejo con el tema y vídeo de Magnetic Fields, Pt. 2.
El músico francés Jean Michel Jarre editó en 1984 su disco Zoolook, que tenía varias novedades con respecto a sus anteriores trabajos, primero no era una sucesión de partes numeradas del título del disco, cada canción tenía su título, segundo había colaboraciones como la vocal de Lauire Anderson, Marcus Miller al bajo, Adrian Below a la guitarra, novedades patentes con respecto a discos anteriores. Lo que estaba claro es que el músico evolucionó en este álbum y es un disco sorprendente, fresco a día de hoy y muy actual. A partir de ahí llegaron los macroconciertos, rayos láser, teclados luminosos, etc.,
Zoolookologie me parece una pieza genial con mil detalles y esas voces de ordenador realmente brillantes.
Os dejo con el tema y vídeo de Zoolookologie (ochentero a más no poder).
Justo después de la publicación de Oxygene 7-13 en 1997, empezó un lento pero imparable descenso en la carrera de Jean Michel Jarre. El disco Metamorphoses (su título era indicativo) en el año 2000 ya denotaba un paso al pop y colaboraciones bastante insospechadas, pero en la gira de esa segunda parte de Oxygene ya había un paso hacia la música dance y los remixes que empezó a descolocar al personal. Teo & Tea para muchos ya fue el punto más bajo de todos en el año 2007. Ese mismo año editó el primer disco de Oxygene remasterizado para luego pasar ocho largos años hasta editar la primera parte de Electronica y al año siguiente la segunda parte de Electronica. Sin solución de continuidad el músico daba la sorpresa con la tercera parte de Oxygene, denominada 3 a secas que se editó en 2016, justo 40 años después de la publicación del Oxygene original, emparentándose con lo que hiciera Mike Oldfield con su Tubular Bells, así empataban a 3, je, je. Desde luego fue sorpresivo, viendo la deriva del músico en esos últimos años del nuevo siglo. La realización de esta tercera parte fue bastante casual, la compañía le había dejado caer de hacer algo especial por el 40 aniversario del disco, pero después de un período algo depresivo componiendo Electronica 2, material sobrante de ahí le abrió la puerta a nuevas composiciones, entonces a partir de la pieza que luego sería Oxygene 19, surgió para el artista la autoexigencia de encerrarse durante seis semanas y con recursos parecidos a los que tuvo en 1976, volviendo de nuevo atrás en el tiempo trabajando con un número reducido de elementos.
Esta tercera parte aparecía con la misma portada que la original, pero cambiando ligeramente el punto de vista, por lo que ahora el planeta con la calavera encerrada en su interior se ve desde otro ángulo, ocurriendo lo mismo con la música, otro punto de vista sobre las ideas originales.
Oxygene Pt. 19, el origen del disco, empieza con una secuencia que tiene algo de música de baile, es como poner al día las antiguas melodías, y parece estar construida para tener un momento de climax que no acaba de llegar y seguir con la melodía que viene desde el inicio, teniendo entre medias sus interludios.
Os dejo con Oxygene Pt. 19.
E interpretada en directo en la Catedral de Notre Dame de París.
Jean Michel Jarre en el año 1997 tiene varios frentes abiertos y es un momento en el que varias cosas cambiarán, primero la ruptura con Michel Geiss, su colaborador más estrecho, el segundo es que su matrimonio con Charlotte Rampling no pasaba por su mejor momento (acabarían divorciándose en 2002) y la tercera es que iba a cambiar de compañía de discos de Polydor a Sony. A la vez el músico tenía en mente volver a los sonidos analógicos con los que comenzó su carrera en los 70, alejándose de las nuevas tecnologías. El disco de debut del artista en Sony sería la segunda parte de Oxygene, al principio era Oxygene 2, pero finalmente sería Oxygene 7-13, ya que el mismo músico dijo en entrevistas que si Oxygene de 1976 tenía seis partes, este disco sería simplemente su continuación, es decir, las partes de la 7 a la 13, así se tituló Oxygene 7-13. Digamos que la experiencia de Jarre con los sintetizadores digitales no fue del todo fructífera, ya que se perdía ese espíritu investigador y experimental que les llevaba a exprimir las posibilidades de los sintetizadores analógicos.
Oxygene 8 fue el single promocional del trabajo con una intro típica de Jarre, breve introducción de cuerdas con el viejo sabor del órgano Eminent y ese conocido pulso que sonaba en Oxygene 4 veinte años atrás, que es el preludio de un estallido rítmico con una secuencia rápida y una melodía muy techno, que era comercial.
Como ya dije a principios del mes de abril, la banda neoyorkina The Strokes han editado nuevo álbum el 24 de julio titulado Reality Awaits y que ha sido producido por Rick Rubin, al igual que The new abnormal, el anterior trabajo de la banda de hace seis años, el trabajo sufrió un aplazamiento, ya que su fecha inicial de edición era el 26 de junio. Esta banda tiene la deuda pendiente de entregar un gran trabajo desde hace tiempo, esperemos que ahora lo hagan, este es sólo su séptimo álbum de estudio. El primer avance del trabajo se titulaba Going shopping y era un tema con un ritmo animado, mientras la voz de Julian Casablancas estaba tuneada y sonaba con efecto de ordenador, dentro de una canción de aire pop. El segundo adelanto se titulaba Falling out of love y era un medio tiempo donde la voz tuneada por ordenador del cantante es más acusada aún, siendo un tema que no acaba de arrancar y se alarga demasiado en minutaje. También hablé de Going to babble on, un tema de aire pop y buena melodía, de lo más salvable de un disco del que esperaba más, como me pasa con este grupo desde hace tiempo. Ahora llega Dine N'Dash, un medio tiempo de aire taciturno y que gana con las escuchas, buen tema.
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