En el año 1992 Manic Street Preachers, la banda galesa, editaba su primer disco largo "Generation Terrorists", después de un EP en 1990 New Art Riot (del que hablé aquí en su día). Aquí estaba la formación original, es decir, James Dean Bradfield a la voz y guitarra, Nick Wire al bajo y coros, Sean Moore a la batería y Richey James Edwards a la guitarra. Como es sabido, Richey desapareció en 1995 en un puente al ir a comprar tabaco y nada más se supo de él.
En este álbum inicial había temas de una factura neopunk e influencias artísticas y visuales de The Clash, pero también toques de hard-rock de la época y una oscuridad con onda post-punk que les hacía muy especiales, pero incluso con temas de factura pop, una paleta amplia que ya dejaba claro que no estábamos ante una banda cualquiera. Uno de esos temas que ya avanzaba la onda más pop y de arreglos era Little baby nothing, buen medio tiempo de aire pop y con apoyos corales femeninos.
Os dejo con el tema y vídeo de Little baby nothing.
El actual proyecto de un músico al que en este espacio tenemos en un pedestal, el australiano de Perth Dom Mariani, se llama Datura4, donde se reunió con gente curtida y que han estado en otras bandas como Greg Hitchcock (entre otros estuvo en You Am I o New Christs) a la guitarra y otra voz, Stu Loasby al bajo (compañero de Dom en The Majestic Kelp) y Warren Hall a la batería (componente de The Drones entre otros) y gestaron su primer álbum en 2015.
Buena calidad de este proyecto que ya tiene cuatro artefactos sonoros (hay un quinto en camino para el mes de julio Neanderthal Jam) y revisando el primero de ellos sigo confirmando el pelotazo, 11 temas llenos de psicodelia, blues, powerpop y hasta toques hard-rockeros con las guitarras furiosas cuando toca, delicadeza en otros momentos y preciosismo compositivo. El título del álbum era Demon Blues, y desde mi punto de vista es un disco excepcional que pasa muy bien el tiempo.
Pissin' up the wall era uno de los temas rockeros del disco con un riff de guitarra tremendo y ese estilazo sideral.
El álbum de debut de los alemanes Scorpions es Lonesome Crow y no tiene desperdicio alguno. La formación de quinteto era Klaus Meine a la voz, Rudolf Schenker a la guitarra rítmica, Michael Schenker a la guitarra solista, Wolfgang Dziony a la batería y Lothar Heimberg al bajo, que duraría poco ya que para el segundo disco Michael Schenker fue sustituido por Ulrich Roth y el bajista sería Francis Buchholz y el batería Jürgen Rosenthal. Evidentemente lo que hacían en este primer disco está muy alejado de lo que harían después en los siguientes trabajos, aquí hay rock progresivo y psicodélico con huellas de lisergia espacial de los años 60, el krautrock y bandas referentes como Black Sabbath. Conny Plank fue el productor, gurú del krautrock y del sonido electrónico de los 70 y lo grabaron en los míticos Star-Musik Studios de Hamburgo.
I'm going mad iniciaba el trabajo, donde esas características dichas están muy presentes, y cuyo vídeo no tiene desperdicio, con sus pintas, y esa zona elegida para la grabación por ahí perdidos en una zona escarpada.
El 22 de abril saldrá a la luz el tercer álbum de la banda de Dublin Fontaines D. C. titulado Skinty Fia, que según el bajista de la banda Conor Deegan III es una expresión del tipo "por el amor de Dios" representativa de su cultura. La formación de quinteto sigue inalterable con Grian Chatten que es el cantante, Carlos O'Connell toca la guitarra y hace coros, Conor Curley es guitarra y toca piano, más coros, Tom Coll es el batería y Conor Deegan III es el bajista y también hace coros. Su primer trabajo titulado Dogrel, ya dejaba claro que había una nueva banda de post-punk y tonos oscuros que salía a la palestra y de indudable calidad, cosa que corroboraron y mejoraron en su segundo trabajo, el magnífico A hero's death.
De este nuevo álbum tenemos un primer adelanto titulado Jackie down the line, con ese tono oscuro evidente y un estilo inconfundible, gran tema.
Os dejo con el tema Jackie down the line interpretado en el programa de Jimmy Fallon.
The Byrds iniciaron su andadura musical con Mr. Tambourine Man en 1965, donde había unas cuantas versiones de Bob Dylan, pero también canciones propias con las que en su conjunto deslumbraron y asentó las bases del folk-rock y un primigenio jangle pop. En este disco debut ofrecen muchas versiones pero impregnadas de su característico estilo que las hicieron tan propias, ya que su omnipresente guitarreo con el particular sonido reverberado de la Rickenbacker de 12 cuerdas que tocaba Roger McGuinn era único unido al sentido de las armonías vocales del grupo herencia de The Beatles.
The Byrds escucharon la primera maqueta de Mr. Tambourine Man de Bob Dylan (en acetato en el verano de 1964 en plan acústico instigados por Terry Melcher cuando aún se llamaban Jet Set) y de ahí sacaron su idea y su versión eléctrica (que llegó al número 1) y dejó con la boca abierta al propio Zimmerman, lo que provocó que el de Duluth acabara adoptando la electricidad ante el descontento de sus seguidores más folk. Ambas curiosamente salieron casi a la vez... pero los Byrds estaban lleno de dudas sobre si ese era el camino correcto...
Os dejo con Mr. Tambourine Man en vivo en el programa de Ed Sullivan.
El grupo norteamericano Eagles editó su primer disco homónimo en 1972, con evidente tono country, pero lleno de grandes temas sin duda. Glen Frey, Don Henley, Jackson Browne (que compuso Take it easy a medias con Frey y se piró), Bernie Leadon y Randy Meisner era un grupo vocalmente excepcional y con un muy buen acople instrumental. Este disco tuvo tres singles que auparon al trabajo a puestos importantes en las listas, el mencionado Take it easy, Witchy woman y Peaceful easy feeling. Hoy me centro en este último tema, un medio tiempo delicioso cantado por Glen Frey de manera sublime y que estaba compuesto por un músico de Ohio llamado Jack Tempchin que colaboraba con el grupo, con sobre todo su amigo Glen Frey.
Os dejo con Peaceful easy feeling en vivo en 1974.
Después de ejercer de banda de acompañamiento de Bob Dylan durante su gira eléctrica del disco Highway 61 Revisited, The Hawks (el grupo predecesor de The Band) quedaron como banda en el limbo ya que perdieron a Levon Helm y su guitarrista Robbie Robertson se fue a hacer su vida por su cuenta con su esposa Dominique Bourgeois. Eso hizo que los otros tres músicos, Rick Danko, Richard Manuel y Garth Hudson se fueran a una casa ubicada en West Saugerties (New York), cuyo pseudónimo era Big Pink, allí fue donde se formó la génesis de The Band, grabando en el sótano de esa casa. Se reincorporan Helm y Robertson y así el grupo canadiense The Band edita su primer disco Music from the Big Pink en 1968, un disco cuya amalgama musical es de gran nivel. A diferencia de otras agrupaciones de la época que tenían el country-rock como leit-motiv, ellos no se limitaron a ese estilo, si no que absorbieron todas las músicas estadounidenses norteamericanas con una sensibilidad fresca y nueva. Pero también era versátil, ya que aquí hay gospel, hillbilly, country, dixieland, rock and roll, soul, rhythm and blues y gotas de psicodelia que adornan un gran y bello disco.
The weight es un tema espectacular, un clásico instantáneo y algo así como un tema que es patrimonio de la humanidad. Muchas veces versionado, ha sido utilizada en muchas bandas sonoras originales de series y películas como Easy Rider, o El amanecer del Planeta de los Simios (que vi hace poco y ese momento es brutal).
Como dije aquí allá por el mes de octubre del año pasado, a tenor de su single Taking me back, se barruntaba nuevo trabajo de Jack White, pero no será solo uno si no dos, el 8 de abril saldrá Fear of the dawn (donde estará aquel single Taking me back) y el 22 de julio verá la luz el segundo con el título de Entering Heaven alive, ambos saldrán en su sello Third Man Records. Al parecer cada uno tendrá personalidades definidas por "diferentes inspiraciones, temáticas y estados de ánimo" según la nota de prensa. Taking me back era un tema realmente llamativo, con tintes futuristas, muy rockero, con un constante golpeteo de batería, riffs de guitarra duros y sobre saturados, además de un arreglo musical intergaláctico (me recuerda algo a Muse), en definitiva toda una experiencia sonora, hipnótica y electrizante, algo bastante lógico en un musicazo como este. Ahora este nuevo single titulado Love is selfish, nos muestra el lado más acústico del genio de Detroit, así que toca disfrutarlo.
Como decía hace unos días, Alan Parsons era un ingeniero de sonido ya de un alto nivel a mediados de los años 70, antes había empezado como operador de cinta en 1969 en el Let it be de The Beatles, luego ya fue Ingeniero aprendiz en Abbey Road, para ser Ingeniero Jefe de sonido en The Dark Side of the Moon de Pink Floyd en 1973 y por si fuera poco produce en 1976 el Year of the cat de Al Stewart. Conoce a Eric Woolfson, un gran compositor y pianista que llamó su atención, ya que además tenía en su currículum haber trabajado con Jimmy Page o John Paul Jones. Para su primer álbum escogieron una serie de relatos de terror del escritor Edgar Alan Poe, cuyo conjunto llamaron Historias de Misterio e Imaginación (Tales of Mystery and Imagination), un disco poco entendido por el público en su día, pero alabado por la crítica que le consideraba "esencial y excelente". Contaron con la voz de Orson Welles acompañadas de un dron misterioso. Andrew Powell era el tercer miembro estable de la formación, encargado de los arreglos orquestales.
Otro de mis temas favoritos y punto álgido del disco es The tell-tale heart, canción basada en El Corazón Acusador, de Edgar Allan Poe, obviamente. Es un tema poderoso, que ruge, con mucha energía cuya voz de Arthur Brown algo ronca y distintiva más el riff de guitarra, se mezclaba de manera perfecta con el intermedio orquestal pausado, enormes cambios en esta pieza.
Os dejo con The tell-tale heart en la versión remasterizada de 1987.
Muse, la banda británica de Devon tiene nuevo single titulado Won't stand down, y todo hace parecer que a lo largo de este año saldrá nuevo álbum, la continuación de Simulation Theory que data de 2018. Es un tema que llama la atención por su parte metalera, aunque el principio y las uniones llevan el corte clásico del grupo. Caos controlado, fuertes guitarras y esa épica habitual en ellos dominan la canción, aunque la parte central me cuesta todavía.
Según Matt Bellamy, "Won't stand down es una canción que trata de mantenerse firme ante los acosadores, ya sea en el patio de recreo, en el trabajo o en cualquier lugar. Es por ello que hay que protegerse de la coerción y la manipulación sociopática y enfrentarse a la adversidad con fuerza, confianza y agresión". Al parecer también ha declarado que empezó a componer nuevos temas allá por el verano de 2020, después del confinamiento.
Johnny Marr se encuentra en un momento muy dulce, editará en breve en el mes de febrero su cuarto álbum en solitario, disco doble lleno de grandes temas que han ido saliendo en Ep's de cuatro temas. Además se le nota muy a gusto con su banda actual y eso se nota cuando en el mes de noviembre reversionaron un clásico de su banda madre, The Smiths, el mítico How soon is now?, tema psicodélico, oscuro, y que fue un single de 1985, una canción cuyo ritmo de guitarra hace estremecer, e incluso Marr se atreve a cantar llegando a niveles parecidos a los de Morrissey, me encanta esta versión de un tema compuesto en su día por ambos.
Os dejo con How soon is now en vivo en The Crazy Face Factory.
Como dije hace ya unos meses, Placebo, la banda inglesa lideraba por Brian Molko tienen nuevo disco después de 8 años y saldrá el 25 de marzo de 2022 con el título de Never let me go. Después de varios retrasos ya que el disco estaba proyectado antes de la pandemia, y por diversas circunstancias en el proceso de grabación que se cambió, ellos mismos han dicho que lo han hecho "al revés". El primer single de lo que será el nuevo disco, se titulaba Beautiful James, canción de tono oscuro con mucho sintetizador que acompañan la voz de Molko. La letra era un mensaje acertado sobre el amor y las relaciones humanas sin importar el género, gran reivindicación para poner algo de cordura en un mundo tan polarizado como el que tenemos actualmente. Luego tuvimos el segundo single de adelanto titulado Surrounded by spies, un medio tiempo en la onda clásica del grupo. Y ahora viene el tercero, Try better next time, que me recuerda por momentos a la banda de los años 90 y principios de siglo que encandiló a muchos.
Siii, siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 291 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un programa dedicado a rescatar discos que merecen la pena y deben quedarse en el tintero de los años 1966, 1976, 1986, 1996, 2006 y 2016.
Suenan por orden Aretha Franklin, Nina Simone, The Alan Parsons Project, Scorpions, Kraftwerk, New Order, Duran Duran, Nick Cave & The Bad Seeds y PJ Harvey, Mark Knoplfer, Rage Againste the Machine, Audioslave, Ben Harper, J.J. Cale & Eric Clapton, Lori Meyers, The I Don't Cares, Car Seat Headrest, Pixies, The Coral y The Wave Pictures.
Os dejo con el programa y espero que os guste tanto como a mí grabarlo.
Como dije hace ya hace meses, Johnny Marr, el que fuera guitarrista de The Smiths, editó nuevo Ep el 15 de octubre de 2021 titulado Fever Dreams Pt.1. Al parecer en esta ocasión, lo que sería su nuevo álbum será repartido en cuatro Ep's, empezando por esta primera parte ese mes de octubre, como es lógico si lo hubiera sacado en álbum sería un disco doble, de hecho lo es. Spirit power and soul fue el primer adelanto de esa primera parte compuesta por cuatro canciones, con mucho sonido Manchester, parece como si hubiera estado en la discoteca The Factory, pero con su sello personal, y le quedó un tema muy bailongo. También en el ritmo hay una reminiscencia del tema Love song de Simple Minds de 1981. Además escuchamos All these days, buen medio tiempo de toque más oscuro. Hace dos meses tuvimos ya un adelanto del Ep que era la parte 2, otros cuatro temas que salieron el 17 de diciembre, aunque hasta el 25 de febrero no se completarán todas las partes. Tenement time era un tema alegre y rítmico, que habla de sus recuerdos de infancia. Luego llegó Sensory street muy en la onda del primer single Spirit power and soul de la primera parte, con mucho sintetizador, y el propio músico la define como "la historia de 48 horas surrealistas en la Inglaterra subterránea". Más tarde hablé de Lightning people un medio tiempo con cierto aire nostálgico e incluso con gotas atmosféricas, buen tema.
Y ahora tenemos un nuevo adelanto, Night and day de lo que será ya el disco que saldrá el 25 de febrero, un muy buen tema de pop con melodía atractiva. Según el propio Marr "hay un conjunto de influencias y un sonido muy amplio que he estado desarrollando, realmente desde que salí de The Smiths hasta ahora, y lo escucho en este disco". Lo que es cierto es que todos los adelantos son de mucho nivel, apunta alto el álbum.
David Bowie hubiese cumplido 75 años el pasado sábado 8 de enero y con ese motivo ha salido a la luz el disco inédito Toy, disponible en una caja de 3Cd's y en una caja de 6 vinilos de 10". Toy es un álbum que fue grabado después de la actuación triunfal de David Bowie en Glastonbury en junio del año 2000. Bowie entró al estudio con su banda, es decir, Mark Plati y Earl Slick a las guitarras, Sterling Campbell a la batería, Gail Ann Dorsey al bajo, Mike Garson al piano, Holly Palmer y Emm Gryner a los coros más Tony Visconti a los arreglos de cuerda y coproducido por el propio Bowie y Mark Plati, con el fin de grabar nuevas interpretaciones de canciones grabadas por primera vez entre 1964 y 1971. La idea del maestro era grabar el disco a la vieja usanza, con la banda tocando en vivo, elegir las mejores tomas y luego lanzarlo lo más rápidamente posible. Pero en 2001, ese concepto de álbum por sorpresa y la tecnología que los respaldara no estaban aún al alcance, lo que hizo imposible publicar el álbum de esa manera. Todo quedó archivado ya que en ese período hubo una divergencia entre Bowie y su casa de discos EMI/Virgin. Pero Bowie no paró e hizo lo que mejor sabía, se embarcó en otro nuevo proyecto, que comenzó con temas nuevos en las mismas sesiones que acabaron formando Heathen, lanzado en 2002 y un disco capital desde mi punto de vista.
Mark Plati dice acerca de Toy: "Es como un momento capturado en el tiempo en un ámbar de alegría, fuego y energía. Es el sonido que desprende la gente feliz al tocar música. David volvió a visitar y examinar en profundidad su trabajo de décadas anteriores a través de una nueva mirada experimentada y una nueva perspectiva, algo parecido me sucede a mí cuando lo reviso veinte años después."
Uno de los temas revisados era el Can't help thinking about me, un single de 1966 puesto al día de manera tremenda.
Os dejo con Can't help thinking about me en vivo en Elysée Montmartre en 1999, muy parecido al concepto que luego traslado en Toy.
El tiempo es inexorable, tal día como hoy en España hace seis años llegaba la noticia de la muerte de David Bowie. Nos había mantenido oculto con su maestría habitual su enfermedad, un cáncer de hígado que le estaba devorando, y cuyas secuelas eran visibles en el vídeo de Blackstar, tema que daba título a su último álbum de estudio, otra vuelta de tuerca más en un artista que no paraba de evolucionar. Free-jazz al estilo Bowie, una locura podía parecer, pero a mi el trabajo que salió a la luz el 8 de enero de 2016 me gustaba y me sigue gustando, dos días después fallecía y se descubría el pastel, se estaba despidiendo, cómo no, a lo grande.
Curiosamente el tema Blackstar tenía un contenido religioso en la letra, donde se hablaba del nacimiento de un líder (Estrella Negra) el día de la muerte del anterior que pide que sigan los demás habitantes de Ormen (supuesto planeta), pero que se da cuenta que al final terminará siendo ejecutado mientras las mujeres se arrodillan y sonríen. Musicalmente un tema tétrico en su inicio con ritmo de tambor y teclados, pero cuya segunda parte después de una transición, tenía un tono más alegre con arpa y sección rítmica.
Como es sabido, Bowie no fue sólo músico en toda la extensión de la palabra, es decir, compositor, intérprete, productor, etc., sino también actor y ocasionalmente pintor. Pero en el terreno musical su peso ha sido enorme, y siendo tan diferente, genuino y auténtico, realmente ha sido una figura inigualable, también incluso en los momentos menos álgidos, que algunos tuvo. Su imagen cambiaba en cada álbum, eso siempre lo cuidaba, pero a la vez lo hacía su música. Por si fuera poco, hablamos de una carrera musical de 51 años, aunque de 2004 a 2009 estuvo algo retirado, bien es cierto, después de su operación de corazón. En todo ese tiempo, una vida entera casi, tocó todos los palos imaginables, pero a la vez inventaba y se reinventaba a si mismo, como siguió demostrando hasta el final de sus días.
Mucha gente consideró que todo lo que tenía que decir acabó a principios de los 80, y yo digo que no, que mucho de lo que hizo en los 90 y en este siglo, es de un nivel superlativo, pero que había que entender por donde iba. Cada uno tendrá su época favorita del camaleón, y casi todos coincidiremos en los 70, pero creo que es un artista que siempre tuvo una capacidad de regeneración como pocos, cosa que parece fácil y no lo es. ¿Cuántos músicos han intentado regenerarse y salir de su apatía y falta de actividad compositiva e ideas y no han podido? Os aseguro que muchos, pero Bowie no era de esos.
Suele suceder que una vez desapareces se te empiezan a reconocer tus méritos, si es que en vida no lo habían hecho, pero sucede que cuando mueres a una cierta edad, ese reconocimiento no es tan exagerado, pero negar la importancia de este genio, es bastante absurdo.
En 1977 su productividad fue frenética, hizo dos discos Low y Heroes que iniciaban su trilogía berlinesa, además compuso y produjo The Idiot y Lust for life de su amigo Iggy Pop con el que vivía en Berlín en ese año. Heroes es un disco rompedor en muchos sentidos junto a Brian Eno y Robert Fripp tiene momentos sublimes como el tema Blackout, que me sigue pareciendo excelente.
Después de un magnífico debut en 1992 con su disco homónimo, tuvimos que esperar cuatro largos años a la segunda entrega, este Evil empire, cuyo título ya decía mucho de por donde iban sus proclamas políticas, cuyo activismo seguía muy presente (recordemos que Evil Empire es como los EEUU llamaban a los países del bloque comunista durante la Guerra Fría). No llegaron a las cotas de su primer álbum, pero no deja de ser un gran trabajo este segundo, aquí pierden el factor sorpresa obviamente, pero su mezcla de rock, metal y rap seguía siendo muy buena. Cierto es que algún sector de la prensa mediática quiso desacreditar a la banda, pero el grupo demostró que lo suyo iba mucho más allá de la pose, y fieles a sus principios desarrollaron un buen disco.
Bulls on parade fue uno de los singles, un gran tema donde Zack de la Rocha nos taladra el cerebro con su manera de frasear (como si estuviera dando un speech), mientras Tom Morello hace literalmente lo que quiere con la guitarra y la sección rítmica martillea sin descanso.
Nick Cave & The Bad Seeds editaron Muder Ballads en 1996, un disco muy especial en el que el artista australiano recopila populares historias criminales, en cuyas letras nada más y nada menos que 65 personas ficticias pierden la vida a lo largo de casi una hora que dura el disco, musicado hacia el pop, pero un pop oscuro, macabro y sórdido. Este álbum muestra a un artista que es como un crooner atormentado y pasional, que se va poniendo en el lugar de los asesinos de las historias que va narrando. Sus cómplices en este viaje fueron evidentemente su banda The Bad Seeds, implacables desarrollando ese set de baladas, precisos en cada arreglo, mientras Cave es el absoluto protagonista y contó también con colaboraciones femeninas como PJ Harvey, Kylie Minogue y Anita Lane, aportando el toque femenino a la odisea sonora.
Henry Lee es el tema que hicieron juntos Cave y Harvey, que tiene algo especial, recordemos que en esa época eran pareja, dos años duró el romance, que el propio Nick llegó a decir que fue ella quien lo cortó.
Kraftwerk, la formación alemana, después de Computer World en 1981, en pleno estallido de lo que ellos mismos habían provocado, y sentando cátedra, dejaron pasar 5 años hasta que el grupo sacara siguiente disco, y el tiempo transcurrido evidenciaba el incipiente mal rollo entre los 4 miembros clásicos e históricos del grupo. No se puede obviar que entre medias se anotaron el clásico que fue esa banda sonora creada para el Tour de Francia. También es importante recalcar que la gira de Computer world fue muy larga y dejó a la banda muy cansada.
El nombre de este disco es Electric Café, aunque luego fue renombrado como Techno-pop, pero tiene su explicación, ya que sus obras solían tener un concepto temático, lírico y musical que impregnaba sus trabajos de arriba a abajo, acercándose o alejándose cuando les convenía de la idea de origen. Aquí lo que pasaba es que había dos mundos distintos, el de la Cara A del vinilo y el de la Cara B, como dos Ep's que se juntaron en el mismo trabajo. La Cara A de tres temas sería esa de Techno-pop (de ahí su renombramiento) y la B de dos temas la de Electric Café.
Musique Non-Stop era potente y rotunda con esos sintetizadores atmosféricos pero a la vez contundentes.
Siii, siii, amigos mis servicios vuelven a ser requeridos en Traveling Bar después de mi exitosas pinchadas de los dos pasados meses, otra pinchada más se avecina de Dj Savoy Truffle, vuestro humilde servidor de la noche. Vendré cargado de novedades de este recién acabado 2021, y por supuesto tocaré toda la amplia gama de mi paleta de estilos, es decir, rock, pop, powerpop, surf, soul, rockabilly, gotas de electrónica, etc., además de épocas desde los 50 hasta hoy. Ya sabéis que para afrontar este invierno, debéis salir con los oídos bien afinados y menear el bullerengue como es debido.
La cita es este sábado 8 de Enero a partir de las 23:00h en Calle Olivar, 39, Metro Lavapiés.
Como aperitivos un par de temas, primero el Hideaway girl de Johnny Marr.
Y segundo The Sonics y su versión del Have love will travel, en vivo en 2016.
Alan Parsons era un ingeniero de sonido ya de un alto nivel a mediados de los años 70, antes había empezado como operador de cinta en 1969 en el Let it be de The Beatles, luego ya fue Ingeniero aprendiz en Abbey Road, para ser Ingeniero Jefe de sonido en The Dark Side of the Moon de Pink Floyd en 1973 y por si fuera poco produce en 1976 el Year of the cat de Al Stewart. Conoce a Eric Woolfson, un gran compositor y pianista que llamó su atención, ya que además tenía en su currículum haber trabajado con Jimmy Page o John Paul Jones. Para su primer álbum escogieron una serie de relatos de terror del escritor Edgar Alan Poe, cuyo conjunto llamaron Historias de Misterio e Imaginación (Tales of Mystery and Imagination), un disco poco entendido por el público en su día, pero alabado por la crítica que le consideraba "esencial y excelente". Contaron con la voz de Orson Welles acompañadas de un dron misterioso.
The Raven es uno de mis temas preferidos, cantada en parte a través de un vocoder por el propio Alan Parsons y seguido de la cristalina voz de Leonard Whiting (esta será otra de las características del grupo a lo largo de su carrera, la utilización de diferentes cantantes en los discos), pero también gracias al Projectron, un teclado analógico similar al Mellotron, y que funcionaba como aquel a base de cintas magnetofónicas, que imitaba el sonido de cobres orquestales. Andrew Powell era el tercer miembro estable de la formación, encargado de los arreglos orquestales.
Portada alternativa desechada
Os dejo con The Raven, en la remasterización de 1987, que francamente en sonido no aportaba mucho, ya que el disco original sonaba realmente bien, pero si en los extras.
Una nueva banda surge llamada The Smile, y es una de esas formaciones curiosas que sale de la escisión de una gran banda, Radiohead con su líder Thom Yorke y su guitarrista Jonny Greenwood que se han unido al batería Tom Skinner de la banda Sons of Kemet. Han ido adelantando algunos temas en actuaciones en directo, aunque su álbum de debut está en proceso final de creación (andan liados con el orden de los temas y tal), pero ya tenemos un primer single de adelanto titulado You will never work in television again con producción de Nigel Godrich y francamente es lo más guitarrero en mucho tiempo que hemos oído a cualquier miembro de Radiohead, y es evidente que son los propios músicos los que deciden como suenan sus temas, tengan un productor u otro.
Os dejo con You will never work in television again.
Nina Simone edita tres trabajos en 1966, Nina Simone with strings, Let it all out y Wild is the wind, el primero una serie de temas que no se habían editado y temas con instrumentos de cuerda, el segundo con temas en vivo y en estudio, y el tercero solo de estudio. Hablamos de una artista norteamericana de familia muy humilde que desde pequeñita, a los 4 años, ya demostraba su talento al piano y dio su primer recital con 10. A los 17 años se mudó a Pensilvania (era nacida en Tryon, Carolina del Norte), y ahí se mantuvo dando clases de piano y colaborando con otros cantantes. Retomó sus estudios propios de piano en la Escuela Juilliard de New York, pero por falta de recursos no los pudo acabar, pero se inscribe en el instituto Curtis, aunque es rechazada por ser negra.
Comienza a trabajar en bares nocturnos, y conoce el blues y el jazz y en 1954 adopta su nombre artístico, apodo que viene de la conjunción de Nina (apelativo que le decía su novio) y el apellido en honor a la actriz francesa "Simone" Signoret. En 1958 graba su primer tema (que aparece en un disco de Billie Holiday) y se hace conocida lo que le permite grabar su primer disco ese mismo año "Little girl blue" bajo el sello Bethlehem Records. Después de varios discos en estudio y en directo (demandados por el público) incluido un homenaje a Duke Ellington en 1962, se involucra al Movimiento por los Derechos Civiles, debido a que había sufrido racismo en sus carnes. En 1964 cambió de compañía a Dutch Phillips, variando su abanico musical, hasta entonces sus temas hablaban de sus orígenes afro-americanos, pero con su primer disco para esta compañía "Nina Simone In Concert" (1964), canta canciones de protesta sobre las desigualdades sociales y el racismo que imperaba en esa época en Estados Unidos. Sus discos de 1965 me parecen muy importantes, tanto I put a spell on you como Pastle blues y llegamos a los referidos en 1966, ya cambiaría de compañía de nuevo en 1967 a RCA Victor.
Pero nos centramos en su disco de 1966 Wild is the wind donde estaba el tema compuesto por ella Four women, en el que convierte su cuerpo en fragmentos de memorias, cicatrices que remiten a todo un mundo de circunstancias vinculadas a su condición de mujer afroamericana, convirtiéndole en un vehículo, la voz de cuatro mujeres en tantos cuerpos étnicos y socio-culturales.
Os dejo con el tema Four women interpretado en vivo en 1969.
Como dije aquí hace aproximadamente dos meses, Mark Oliver Everett y su proyecto Eels vuelve a dar rienda suelta a su prolífico talento y editará nuevo trabajo de estudio el 28 de enero de este 2022 con el título de Extreme Witchcraft, será año y pocos meses de su anterior y magnífico Earth to Dora que salió a finales de octubre de 2020. Por lo escuchado en su primer adelanto en su día, parece que vuelve a sonar más rockero en sus siempre atrayentes melodías, y el nuevo álbum ha sido producido por John Parish (viejo conocido de PJ Harvey). Good night on earth fue ese primer adelanto, tema de bastante aire rock y lleno de múltiples detalles. Luego tuvimos un segundo tema titulado Steam engine, en el que nos habla de los motores a vapor de los trenes en un aire bastante rockero también. Más tarde el tercero titulado The magic, quizás el más rockero de todos, con un gran ritmo, muy incisivo. Y ahora tenemos un cuarto titulado Amateur hour, también con guitarras rockeras, una buena canción con buenos cambios y un estribillo pegadizo.
Como dije en su día,Neil Young & Crazy Horse editaron nuevo trabajo discográfico el día 10 de diciembre de 2021 titulado Barn. El canadiense publica dos años después de aquel buen disco Colorado, su continuación con el propio Young a la voz, guitarra y armónica y haciendo labores de producción junto a Niko Bolas, mientras que Nils Lofgren está a las guitarras, acordeón y coros, Billy Talbot al bajo y coros y Ralph Molina a la batería. Song of the seasons fue el primer tema que conocimos del trabajo y iba en onda acústica y tranquila, mientras que el tema siguiente del trabajo ruge como ya lo hizo el anterior, en Heading west había electricidad y el viejo sonido de Young con su banda. Luego en el tercer adelanto Welcome back, escuchamos una pieza tranquila en tono rock que se va animando muy poco a poco, y donde Young saca a relucir su Old black, aunque el tono general es reposado. Y más tarde llegó un cuarto tema del álbum, Shape of you es un tema de country-rock donde la armónica tiene bastante protagonismo, un buen medio tiempo. Hace ya un tiempo hablé de Human race, uno de mis temas favoritos, donde el rock and roll aparece de manera natural y bestial a la vez, buena pieza en estilo más característico del combo comandado por el canadiense. Más tarde llegó They might be lost, un medio tiempo tranquilo, donde guitarra acústica y armónica, junto a la voz de Young vuelven a destacar. Es un disco que suena ya sin sorpresas, pero los que estamos acostumbrados a escuchar a este portento de la música, entendemos cada disco que hace como otra proeza, aunque no descubra algo nuevo. Por eso el tema del que hablo hoy, Tumblin' thru the years, con un piano de protagonista junto a la quebrada voz de Young, es muy elocuente de lo que digo ya que la canción no sorprende, pero si se entiende enseguida.
Os dejo con el tema y vídeo de Tumblin' thru the years.
