49 años de la muerte de Elvis Aaron Presley, El Rey del Rock.

Hoy hace 49 años nos dejaba Elvis Aaron Presley, el Rey del Rock. Mucho tiempo ha pasado ya, cuatro décadas y pico, casi cinco, desde que el chico de Tupelo nos dejara huérfanos, de todo lo que había significado para muchas generaciones, sus movimientos de caderas, rock en estado puro, su carisma, y su icono, el de un chico guapo y enorme cantante e intérprete, que supo tocar muchos palos y evolucionar, y que, cómo no, fue un fenómeno social que inundaba televisiones y radios de la época. Las peregrinaciones a Graceland se siguen produciendo, el museo que fue su casa donde está enterrado, de miles y miles de fans. Cuando alguien es tan imitado, recordado, venerado, etc., es que algo muy grande hizo, y es evidente que en este caso hablamos de un figura majestuosa, la del icono masculino americano más importante de la música del S. XX. 

Quisiera recordar que cuando leí la biografía de Bruce Springsteen, y contaba de manera peculiar cómo la aparición de Elvis en televisión fue todo un acontecimiento en su familia, algo que a él le marcó totalmente, y por otro lado mi amigo y compositor Julio César Sánchez recuerda siempre con atino que en España el régimen dictatorial le vetó en 1956, en sus inicios, tachándole de delincuente (nos robaba los corazones, sí), así su imagen en nuestro país siempre estuvo deteriorada y era ridiculizada.

Elvis no era un compositor refutado, le componían casi todos sus temas (la pareja Leiber/Stoller sobre todo) o hacía versiones de otros, pero su grandeza estaba en la manera en la que los interpretaba, abarcando un ramillete de estilos y una paleta de lo más variada, no sólo rock and roll, sino soul, blues, rancheras, tex-mex, etc. Así la cantidad de números 1 que alcanzó fue increíble, un intérprete sublime. Un tipo al que nunca le escuché irse de tono en una canción, ni siquiera en los ensayos.

A pesar de su triste final, sufrió un infarto agudo de miocardio por el abuso de pastillas que engordaron su figura y condenando su salud, su legado musical es inmenso, porque no dejaba de grabar y trabajar.

Hoy en homenaje me quedo con su interpretación en Las Vegas del Polk Salad Annie, versión de Tony Joe White, y que sale en el film EPiC de Baz Luhrmann de este 2026.

Jean-Michel Jarre - Magnetic Fields, Pt. 2 (1981)

En 1981 edita Magnetic Fields, en francés Les Chants Magnétiques, Campos Magnéticos en castellano. Hablamos de un disco que llegó al número 1 en Francia nada más publicarse, al igual que sus predecesores Equinoxe y Oxygene, también llegó al 4 en Austria, 5 en Holanda y 6 en Gran Bretaña, aunque ya no volvería a ser número 1 en Francia hasta 1986 con Rendez-Vous. Después del rotundo éxito de Oxygene que sorprendió a todo el mundo y de su continuación de gran calidad con Equinoxe, donde no había gran evolución pero si mucha calidad, aquí en este disco si habría novedades sobre todo por la irrupción, ya cambiando de década, de los sintetizadores digitales. Y la diferencia radicaba en lo siguiente, lo digital era más cómodo en muchos sentidos por resumir, mientras con los aparatos analógicos, si querías volver a utilizar un sonido tenías que recordar la configuración exacta de todos los parámetros de potenciómetros, knobs o cables en el momento de creación de cada timbre sonoro, para recuperarlo, no siempre era exacto por la extrema sensibilidad de los osciladores a las condiciones ambientales. Lo digital, daba la posibilidad de grabar cada sonido creado de forma que en cualquier momento podía ser recuperado exactamente igual y utilizado por el artista como quisiera, un avance sin duda. A esto hubo que unir la aparición del sampler, que modificaba cualquier ruido o sonido externo que el músico podía modificar, manipular, retorcer, repetir, voltear o lo que fuere con ese aparato. Uno de los primeros modelos de la marca Fairlight (australiana) fue a manos de Jarre quien le sacó mucho partido.

Magnetic Fields Pt. 2 fue el tema de presentación del disco, con esa percusión tan presente y quizás algo machacona pero con una melodía que enganchaba desde el inicio, y que desde luego ya se te quedaba para siempre en la cabeza.

Os dejo con el tema y vídeo de Magnetic Fields, Pt. 2.

Jean-Michel Jarre - Zoolookologie (1984)

El músico francés Jean Michel Jarre editó en 1984 su disco Zoolook, que tenía varias novedades con respecto a sus anteriores trabajos, primero no era una sucesión de partes numeradas del título del disco, cada canción tenía su título, segundo había colaboraciones como la vocal de Lauire Anderson, Marcus Miller al bajo, Adrian Below a la guitarra, novedades patentes con respecto a discos anteriores. Lo que estaba claro es que el músico evolucionó en este álbum y es un disco sorprendente, fresco a día de hoy y muy actual. A partir de ahí llegaron los macroconciertos, rayos láser, teclados luminosos, etc.,

Zoolookologie me parece una pieza genial con mil detalles y esas voces de ordenador realmente brillantes.

Os dejo con el tema y vídeo de Zoolookologie (ochentero a más no poder).

Jean-Michel Jarre - Oxygene (Pt. 19) (2016)

Justo después de la publicación de Oxygene 7-13 en 1997, empezó un lento pero imparable descenso en la carrera de Jean Michel Jarre. El disco Metamorphoses (su título era indicativo) en el año 2000 ya denotaba un paso al pop y colaboraciones bastante insospechadas, pero en la gira de esa segunda parte de Oxygene ya había un paso hacia la música dance y los remixes que empezó a descolocar al personal. Teo & Tea para muchos ya fue el punto más bajo de todos en el año 2007. Ese mismo año editó el primer disco de Oxygene remasterizado para luego pasar ocho largos años hasta editar la primera parte de Electronica y al año siguiente la segunda parte de Electronica. Sin solución de continuidad el músico daba la sorpresa con la tercera parte de Oxygene, denominada 3 a secas que se editó en 2016, justo 40 años después de la publicación del Oxygene original, emparentándose con lo que hiciera Mike Oldfield con su Tubular Bells, así empataban a 3, je, je. Desde luego fue sorpresivo, viendo la deriva del músico en esos últimos años del nuevo siglo. La realización de esta tercera parte fue bastante casual, la compañía le había dejado caer de hacer algo especial por el 40 aniversario del disco, pero después de un período algo depresivo componiendo Electronica 2, material sobrante de ahí le abrió la puerta a nuevas composiciones, entonces a partir de la pieza que luego sería Oxygene 19, surgió para el artista la autoexigencia de encerrarse durante seis semanas y con recursos parecidos a los que tuvo en 1976, volviendo de nuevo atrás en el tiempo trabajando con un número reducido de elementos.

Esta tercera parte aparecía con la misma portada que la original, pero cambiando ligeramente el punto de vista, por lo que ahora el planeta con la calavera encerrada en su interior se ve desde otro ángulo, ocurriendo lo mismo con la música, otro punto de vista sobre las ideas originales.

Oxygene Pt. 19, el origen del disco, empieza con una secuencia que tiene algo de música de baile, es como poner al día las antiguas melodías, y parece estar construida para tener un momento de climax que no acaba de llegar y seguir con la melodía que viene desde el inicio, teniendo entre medias sus interludios.

Os dejo con Oxygene Pt. 19.

E interpretada en directo en la Catedral de Notre Dame de París.

Jean-Michel Jarre - Oxygene, Pt. 8 (1997)

Jean Michel Jarre en el año 1997 tiene varios frentes abiertos y es un momento en el que varias cosas cambiarán, primero la ruptura con Michel Geiss, su colaborador más estrecho, el segundo es que su matrimonio con Charlotte Rampling no pasaba por su mejor momento (acabarían divorciándose en 2002) y la tercera es que iba a cambiar de compañía de discos de Polydor a Sony. A la vez el músico tenía en mente volver a los sonidos analógicos con los que comenzó su carrera en los 70, alejándose de las nuevas tecnologías. El disco de debut del artista en Sony sería la segunda parte de Oxygene, al principio era Oxygene 2, pero finalmente sería Oxygene 7-13, ya que el mismo músico dijo en entrevistas que si Oxygene de 1976 tenía seis partes, este disco sería simplemente su continuación, es decir, las partes de la 7 a la 13, así se tituló Oxygene 7-13. Digamos que la experiencia de Jarre con los sintetizadores digitales no fue del todo fructífera, ya que se perdía ese espíritu investigador y experimental que les llevaba a exprimir las posibilidades de los sintetizadores analógicos.

Oxygene 8 fue el single promocional del trabajo con una intro típica de Jarre, breve introducción de cuerdas con el viejo sabor del órgano Eminent y ese conocido pulso que sonaba en Oxygene 4 veinte años atrás, que es el preludio de un estallido rítmico con una secuencia rápida y una melodía muy techno, que era comercial.

Os dejo con el tema y vídeo de Oxygene 8.

The Strokes - Dine N'Dash (2026)

Como ya dije a principios del mes de abril, la banda neoyorkina The Strokes han editado nuevo álbum el 24 de julio titulado Reality Awaits y que ha sido producido por Rick Rubin, al igual que The new abnormal, el anterior trabajo de la banda de hace seis años, el trabajo sufrió un aplazamiento, ya que su fecha inicial de edición era el 26 de junio. Esta banda tiene la deuda pendiente de entregar un gran trabajo desde hace tiempo, esperemos que ahora lo hagan, este es sólo su séptimo álbum de estudio. El primer avance del trabajo se titulaba Going shopping y era un tema con un ritmo animado, mientras la voz de Julian Casablancas estaba tuneada y sonaba con efecto de ordenador, dentro de una canción de aire pop. El segundo adelanto se titulaba Falling out of love y era un medio tiempo donde la voz tuneada por ordenador del cantante es más acusada aún, siendo un tema que no acaba de arrancar y se alarga demasiado en minutaje. También hablé de Going to babble on, un tema de aire pop y buena melodía, de lo más salvable de un disco del que esperaba más, como me pasa con este grupo desde hace tiempo. Ahora llega Dine N'Dash, un medio tiempo de aire taciturno y que gana con las escuchas, buen tema.

Os dejo con Dine N'Dash.

Whitesnake - Still of the night (1987)

La banda británica de Middlesborough, Whitesnake, es la formación que fundó David Coverdale después de salir de Deep Purple, cuyos comienzos iban muy en onda setentera y bluesera, pero luego fueron evolucionando hacia un glam-rock más comercial. Sus primeros discos tuvieron éxito en Gran Bretaña, pero les costaba triunfar al otro lado del charco. Fue ya con su firma con Geffen Records cuando asaltaron el mercado norteamericano, sobre todo gracias al disco homónimo de 1987. La formación que lo grabó fue David Coverdale a la voz, John Skyes a la guitarra y coros, Neil Murray al bajo y Aynsley Dunbar a la batería. En ese disco estaba incluida una canción titulada Here I go again que fue número 1 en EEUU y Canadá, abriendo todas las puertas. Pero esta canción tiene su historia, ya que inicialmente es una canción original del disco Saints & Sinners de 1982, pero esa primer grabación estaba grabada en un estilo musical más setentero, que luego modificaron en la regrabación posterior cinco años más tarde, dándole un toque mucho más comercial y rockero. Hubo varios singles de mucho éxito del disco, y cómo no, estaba un baladón, que en este caso era Is this love, una canción que en su origen era un encargo para Tina Turner, pero Coverdale pensó que le había quedado muy bien y se la quedó. Otro de los singles era Still of the night que además empezaba el trabajo (en la edición europea), en el lado más rockero y duro del combo con claras influencias zeppelianas, y en cuyo vídeo salía la protagonista femenina que era la modelo Tawny Kitaen junto a Mr. Coverdale, de hecho ambos se casarían dos años después...

Os dejo con el tema y vídeo de Still of the night.

Electric Light Orchestra - Latitude 88 North (1977-2007)

Electric Light Orchestra editó Out of the blue en 1977, un disco doble en el momento del auge tremendo del punk, movimiento reaccionario no sólo en lo social, si no en lo musical, que iba curiosamente contra discos como éste, de Genesis, Yes o Pink Floyd. Jeff Lynne y su cuadrilla fueron ambiciosos ya que su anterior álbum, un año anterior, fue el primero en conseguir el número 1 de ventas, en concreto en Suecia y Australia, llegando al 2 en Holanda y al 6 en su tierra Gran Bretaña, ya no sería hasta Discovery en 1979 que volverían al puesto más alto. 

Aquí seguía habiendo orquestas, sintetizadores a la vieja usanza, desarrollos instrumentales, pero sobre todo una esencia pop en las composiciones de Lynne, que por momentos con sus adornos era más pop barroco que rock sinfónico. Este álbum se componía en su vinilo doble de la época de 17 temas (que venía acompañado incluso de un sencillo montable de cartulina que emulaba la nave espacial con el logo que se había convertido en la poderosa imagen del grupo), que quizás si Jeff hubiera sido más duro a la hora de la elección y hubiera quitado unas cinco canciones, hablaríamos sin duda de una joya atemporal. Aún así el disco era muy bueno, y marcó claramente ese año, yo de hecho recuerdo que gente más mayor que yo, tienen este disco como un referente absoluto de la segunda mitad de los 70 y por supuesto del 77.

En la reedición del disco en 2007 había tres pistas extra, una de ellas titulada Latitude 88 North, una canción que se quedó fuera del disco (me parece increíble), un medio tiempo de una clase brutal con una melodía preciosa y la manera de cantar de Jeff bestial y un cambio para el estribillo fantástico.

Os dejo con Latitude 88 North.

Radio Days - I've got a song (2026)

Como decía el otro día, la banda italiana Radio Days vuelven a la carga con nuevo álbum titulado Off the record y que saldrá a la luz el 4 de septiembre. La banda sigue estando formada por Dario Persi a la voz y guitarra, Mattia Baretta al bajo y coros, Paco Orsi a la batería y Massimiliano Raffa a la guitarra y coros (última incorporación). Esta banda sigue facturando un powerpop de muy buena calidad, suenan alegres, con buenas melodías y cuyo toque de esa guitarra crujiente Rickenbaker les confieren un sonido muy atractivo. Referentes en bandas como The Knack (sonido muy directo y potente), The Plimsouls (hay mucho de su primer disco en las melodías), The Rubinoos o incluso Big Star.

Han ido saliendo varios singles del disco durante este años, hace días hablé del que salió allá por junio One heart one love con sección rítmica potente, guitarras que corren y ese estribillo que engancha en una melodía muy marchosa. Ahora vamos con otro titulado I've got a song, una balada de powerpop, con cosas de los Beatles, de Teenage Fanclub, incluso de Weezer, preciosa tonada.

Os dejo con el tema y vídeo de I've got a song.

Pink Floyd - Eclipse (1973)

Pink Floyd, la banda británica, editó en 1973 The dark side of the moon, obra magna, atemporal y simplemente maravillosa. Fue editado en Estados Unidos el 1 de marzo de 1973 y el 24 de marzo del mismo año en Reino Unido.

Se trata de un disco conceptual, y está construido a partir de las ideas que Pink Floyd había explorado en sus conciertos y anteriores grabaciones.  La temática del álbum incluye el conflicto, la avaricia (Money), el envejecimiento (Time) y la enfermedad mental (por el deterioro de Syd Barret, antíguo miembro de la banda).

Un tal Alan Parsons era el ingeniero de sonido de este disco, y se nota en los temas más electrónicos como los del principio del disco, utilizándose sintetizadores analógicos.

Pero ante todo el disco suena de lujo, tiene una portada mítica, Gilmour estaba en estado de gracia con la voz y a la guitarra, Waters soberbio al bajo y voces, Wright deslumbrante a los teclados, y Mason lo bordaba a la batería. Hablamos de un disco que estuvo 17 años (889 semanas) entre los discos más vendidos, que se dice pronto.

Eclipse era el tema del cierre del trabajo, un cierre glorioso, con una letra mítica cuando dice: "There's no dark side of the moon really. Matter of fact, it's all dark" ("No hay lado oscuro en la Luna, en realidad toda la Luna es oscura"), mientras se escuchan los latidos del corazón en el final.

Os dejo con Eclipse en el día que habrá uno y total.

Mark Knopfler cumple hoy 77 años.

El escocés Mark Knopfler cumple hoy 77 años, y tanto su trayectoria al frente de Dire Straits, como su carrera en solitario, incluso como compositor de bandas sonoras originales y editando álbumes de estudio, es ejemplar, una carrera memorable. Ni que decir tiene, que su manera de tocar la guitarra es algo ya que forma parte de la historia de la música, esa forma de pulsar las cuerdas sin púa, lo que le hizo poseedor de un estilo genuino y auténtico.

Con su banda, Dire Straits, hizo una carrera brutal, y se separaron en uno de los momentos más altos, siendo honestos, y dejando un legado musical excepcional.
Por otro lado tenemos, la ya también extensa carrera de Mark en solitario, que se compone no sólo de álbumes en solitario donde ha ido tirando más al country-rock, pero con mucho folk-rock y también música celta, pero compuesta por discos realmente buenos, y su otra faceta de bandas sonoras, que ya iniciara en 1983 con su grupo, en aquella película Local Hero y que sigue haciendo aún a día de hoy.

Recordemos también sus discos colaborativos con The Notting Hillbillies, Chet Atkins o Emmylou Harris, realmente excepcionales. Es un músico excepcional, con su voz nasal y su manera de componer de mucha clase. Mark se retiró de los escenarios, después de la gira de su anterior álbum de estudio Down the road wherever. Además ha colaborado en discos de homenaje a muchos artistas por los que siente veneración, The Shadows, J.J. Cale o B.B. King, incluso tocando con ellos en esos trabajos.

Hoy en homenaje a Mark quería recordar el tema que hacía a dúo con Van Morrison en el año 2000 para el disco Sailing to Philadelphia, el tema The last laugh.

Programa Número 530 de Dj Savoy Truffle en Música Sideral. Bandas sonoras de películas y series, Part. 9.

Siii, siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 530 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un programa dedicado a las bandas sonoras de películas y series de TV, una mítica serie que llega ya a su novena parte.

Suenan por orden Maurice Jarre, John Williams, Ryuichi Sakamoto, David Byrne, Angelo Badalamenti, The Smashing Pumpkins, Marilyn Manson, Hans Zimmer, Dany Elfman, Alan Silvestri, Thomas Newman, Elvis Presley y Ludwig Göransson.

Os dejo con el programa y espero que os guste tanto como a mí grabarlo.

Interpol - Malfeasance (2014-2018)

La banda neoyorkina Interpol editó en el año 2014 El pintor, un muy buen trabajo en el que recuperaron mucho brío, pero lo más importante es que el disco estaba lleno de grandes temas, en su línea oscura y épica, pero con mucha fuerza y momentos realmente destacables. Habían pasado de cuarteto a trío después de la baja del bajista Carlos Dengler que había participado en los cuatro primeros discos. Este álbum tenía singles brutales como My desire, All the rage back home o Everything is wrong. En el año 2018 salieron tres temas que iban en las ediciones deluxe del trabajo, juntadas en un Ep llamado "El Pintor Bonus Tracks", uno de esos temas es Malfaesance, con muy buen ritmo y que desde mi punto de vista podría haber entrado en la tirada original.

Os dejo con Malfaesance.

Whitesnake - Here I go again (1982)

La banda británica Whitesnake editaron Saints & Sinners en 1982, quinto álbum de estudio y producidos como siempre por Martin Birch. Repiten alineación con respecto al disco anterior así, tenemos a David Coverdale estaba a la voz, Micky Moody y Bernie Mardsen a las guitarras y coros, Neil Murray al bajo, Jon Lord a los teclados e Ian Paice a la batería. Este trabajo consiguió llegar al número 9 en Gran Bretaña y al 7 en Finlandia. Aquí había temas de celebración y amor, pero también sobre el dolor y la pérdida, con elegante hard-rock y blues-rock.

Here I go again fue single y ya era una canción brutal con su estribillo demoledor, recordemos que este tema y Cryin' in the rain serían regrabadas para el disco 1987 siendo más comerciales, dentro de un disco que fue superventas.

Os dejo con el tema y vídeo de Here I go again.

Neil Young & The Chrome Hearts - Second song (2026)

El 18 de septiembre saldrá a la luz el nuevo disco del canadiense Neil Young con The Chrome Hearts, segundo álbum con esa formación y titulado Second song. Ha sido producido por Lou Adler y The Volume Dealers, siendo Anthony LoGerfo y Manny Adler co-productores, y ha sido grabado en los estudios Shangri-La de Malibú, con ingeniería de sonido y mezcla a cargo de John Hanlon. Trabajo de siete temas, todos ellos compuestos por Young, cinco inéditos y dos son versiones no publicadas anteriormente de 'Casting me away from you' y 'I will love you forever'. El tono del álbum es de aire semiacústico y nos remonta a discos antiguos como Comes a time, por ejemplo. Guitarras acústicas, armónica y letras que nos muestran a un artista que contempla ya mayor el pasado, el presente y el futuro de manera distinta.

Second song da título al disco, un tema tranquilo de once minutos y medio y donde la guitarra y la armónica acompañan a la voz de Neil.

Os dejo con Second song.

The Red Clay Strays - Revival (2026)

Como llevo diciendo desde mediados de julio, la banda de Mobile, Alabama, The Red Clay Strays han editado el 5 de junio su nuevo álbum titulado Grateful. Este tercer disco de estudio del grupo tenía la difícil misión de dar relevo a su exitoso Made by these moments de hace dos años y para ello han repetido con el productor de moda Dave Cobb. El quinteto norteamericano han firmado un disco sólido, de los que llegan a erizar la piel pero a la vez con ambición. Con temáticas que van desde la redención, a encuentros en iglesias baptistas, gasolina y carretera, noches interminables en carreteras secundarias, etc., el trabajo tiene rock sureño, soul, góspel y country a su manera, un country algo polvoriento.

La banda siguen siendo Brandon Coleman a la voz principal y guitarra, Drew Nix a la guitarra, voz y armónica, Zach Rischel a la guitarra eléctrica, Andrew Bishop al bajo y John Hall a la batería.

Demons in your choir ha sido uno de los singles, un tema que tira claramente al góspel, como casi todo el disco con esos coros de iglesia y la voz de Brandon que destaca y mucho, abrazando su identidad sureña y espiritual. Otro single fue If I didn't know you, un country-rock de preciosa melodía y un desarrollo perfecto con la voz de Brandon muy destacada. Otro tema que ha salido de single es Do today, un medio tiempo con coros góspel y que tiene su parte rock con un solo precioso de guitarra. Pero el primer single a finales del año pasado fue People hatin' y desde luego en ese tema estaba el lado más rockero del grupo y el que se emparentaba con su disco anterior, tema de gran factura con la voz de Brandon muy destacada. También hablé de Can't fix you, un medio tiempo que recarga energías antes del final del trabajo, myy disfrutable para momentos de reflexión. Ahora llega Revival, un medio tiempo en clave de country-rock donde la voz de Brandon sigue siendo tremenda y sus coros góspel son fantásticos.

Os dejo con Revival.

Radio Days - One heart one love (2026)

La banda italiana Radio Days vuelven a la carga con nuevo álbum titulado Off the record y que saldrá a la luz el 4 de septiembre. La banda sigue estando formada por Dario Persi a la voz y guitarra, Mattia Baretta al bajo y coros, Paco Orsi a la batería y Massimiliano Raffa a la guitarra y coros (última incorporación). Esta banda sigue facturando un powerpop de muy buena calidad, suenan alegres, con buenas melodías y cuyo toque de esa guitarra crujiente Rickenbaker les confieren un sonido muy atractivo. Referentes en bandas como The Knack (sonido muy directo y potente), The Plimsouls (hay mucho de su primer disco en las melodías), The Rubinoos o incluso Big Star.

Han ido saliendo varios singles del disco durante este años, hoy me quedo con el que salió allá por junio One heart one love con sección rítmica potente, guitarras que corren y ese estribillo que engancha en una melodía muy marchosa.

Os dejo con el tema y vídeo de One heart one love.

Airbourne - Gutsy (2026)

Como llevo diciendo desde mediados del mes de julio, la banda australiana de Warrnambool, Victoria, Airbourne, editarán su sexto álbum de estudio de título homómino el 28 de agosto, casi siete años después de aquel buen Boneshaker, a través del sello Spinefarm. El vocalista y guitarrista del combo Joel O'Keeffe ha explicado el proceso de creación del disco en una carta dirigida al fallecido Lemmy Kilmister, en dicha carta, el músico recuerda los consejos del líder de la banda británica Motörhead que les dio en sus inicios, como centrarse en su camino y no prestar atención a la industría musical, además de componer temas para su entorno más cercano.

Un extracto de la carta reza así: "Tío, lo hicimos, hace seis años cerramos las puertas a todo el mundo y nos pusimos a trabajar en canciones para este disco, pasando muchas horas, días, semanas, meses y años escribiendo, descartando ideas y empezando de nuevo, siempre buscando dar con lo mejor". Mutt Lange y Bryan Adams han colaborado en el disco incluso co-escribiendo algunos temas.

Por los adelantos que han ido saliendo, desde luego el grupo mantiene su estilo de una manera fiel quizás con un sonido aún más rocoso, como lo demostraba el single Alive after death (Last plane out), una descarga guitarrera de alto voltaje y con las sección rítmica a mil por hora. Otro tema que salió de adelanto fue Kid in a candy store, quizás el que bebe más de AC/DC de una manera clara, con Joel en un tono a lo Brian Johnson, esos coros, y la guitarra muy Angus. También hablé de Here she comes, con un riff de guitarra acedeciano llamativo y un estribillo coreable con coros. Ahora lo hago del que fue el primer adelanto hace casi un año, Gutsy, y que ya tocaban en directo por ejemplo en el Hellfest de 2025, un trepidante tema de rock and roll con estilo acedeciano claro y un estribillo coreable y pegadizo.

Os dejo con Gutsy.

Pokey LaFarge - Hambone (2026)

Como ya dije a mediados de mayo, el querido músico norteamericano Pokey LaFarge está de lo más activo, además de haber sido padre en abril y ya editó un Ep el pasado 23 de enero titulado Travelin' with Pokey Lafarge: Voice and guitar Vol. 1, del que dimos cuenta aquí. Pues bien, el 11 de septiembre editará un segundo disco de este año titulado Rent money, este ya con once temas nuevos donde su mujer colabora en varios de ellos en la composición. Pokey ha querido volver a lo esencial en este trabajo y la música sebía sonar simple y directa al estilo de aquellas viejas grabaciones de gente como Howlin' Wolf y Chuck Berry en Chess Records, lográndolo de sobra. En el disco las letras abordan la lamantable situación de Estados Unidos y el destino del ciudadano común, víctima de ella, con ritmos que van desde el country al góspel, del rock and roll al blues o el soul, todo mezclado en la coctelera de este gran artista.

El tema que da título al disco era el primer adelanto y nos mostraba al siempre inquieto Pokey manejando la guitarra eléctrica en un tema de aire country-rock en momentos, otros con algo de boogie, buen ritmo y gran desarrollo y un estribillo directo. Luego llegó el segundo adelanto titulado The thing, un medio tiempo de ritmo contagioso donde los arpegios de guitarra y su voz son los que mandan, en un buen tema que va a más. Y ahora llega el tercero titulado Hambone con un ritmo muy animado, un estribillo adictivo y donde Pokey con la guitarra eléctrica lleva el mando junto a su voz.

Os dejo con el tema y vídeo de Hambone.

DropkicK - Side note (2026)

La querida banda escocesa DropkicK edita rán nuevo álbum el 16 de octubre titulado Throughlines y que dará continuidad un año y medio después a Primary colours. Este disco nos devuelve a una formación liderada a las composiciones por Andrew Taylor, que junto con sus compañeros son una fábrica inagotable de melodías que son puro caramelo, y perpetran joya tras joya. La banda sigue estando formada por Andrew Taylor a la voz, guitarra y batería, Ian Grier al órgano, piano y bajo, y Alan Shields a la voz y guitarra, mientras que Mike Foy ha causado baja ya hace más de 4 años. Siguen teniendo influencias de Jayhawks, Wilco e incluso Tom Petty, sin olvidar que sus paisanos Teenage Fanclub son un referente fijo.

Side note es el primer adelanto, un medio tiempo de una clase y una categoría bestiales que me tiene enganchado, melodía presciosa y desarrollo magnífico.

Os dejo con Side note.

Whitesnake - Love ain't no stranger (1984)

La banda británica Whitesnake editaron en 1984 su sexto álbum de estudio titulado Slide it in que llegó al número 9 en las listas de Gran Bretaña y al 4 en Finlandia y empezando a tener ya un nivel de ventas bastante alto. Seguían siendo producidos por Martin Birch finalmente y la banda sufría ya alguna modificación, seguía comandada por David Coverdale estaba a la voz, Micky Moody y Mel Galley a las guitarras y coros (que entró por Bernie Mardsen), Neil Murray al bajo, Jon Lord a los teclados y entraría Cozy Powell (que también formó parte de Rainbow) a la batería por Ian Paice.  Pero hubo polémica en su día ya que Coverdale quería tener más presencia en el mercado norteamericano, por lo que ideó la posibilidad de publicar dos versiones diferentes del mismo álbum, una para EEUU y otra para Europa, cosa que no sentó muy bien a los fans acérrimos que tenían que comprar los dos, con el coste obligado, ya que no eran el mismo disco en realidad, si no diferentes.

Aquí la banda va abandonando la onda setentera y bluesera para irse hacia un glam-rock más comercial. Eso se nota por ejemplo en uno de los singles, Love ain't no stranger con ese inicio de teclados ochenteros y la voz de David hasta que rompe la melodía rockera con el estribillo y unas guitarras muy protagonistas.

Os dejo con el tema y vídeo de Love ain't no stranger.

Deep Purple - Into the fire (1970)

El 5 de junio de 1970 Deep Purple editan su cuarto disco de estudio titulado Deep Purple in Rock. Este es el disco que inicia la segunda etapa de la banda y donde hay un cambio de estilo también propiciado por cambio de músicos que entran y otros que se van. Aquí entran el bajista Roger Glover y el cantante Ian Gillan que se unen a Jon Lord a los teclados, Ritchie Blackmore a la guitarra e Ian Paice a la batería que seguían como núcleo duro. Esta formación será la más exitosa del grupo (llamada Mark II). Este disco tuvo muy buenas ventas y críticas, de hecho fue número 1 en Australia, Austria, Alemania y Noruega. En este álbum el giro hacia el heavy desde el rock duro les hará cambiar el estilo y ser referentes dentro de ese estilo. Prueba de ello son varios temas como Speed king, tema agresivo y acelerado que abre el trabajo o la pieza de diez minutos Child in time, donde Guillan con su registro vocal se convierte en auténtico protagonista además de los solos de guitarra de Blackmore. Otro tema muy favorito mío es Into the fire con Guillan con sus potentes registros vocales brutales, en un tema con un ritmo alucinante desde el inicio que es un himno.

Os dejo con Into the fire en vivo en 1971 en la televisión alemana.

The Waterboys - The man with the wind at his heels (2026)

Como decía ayer, el pasado 17 de julio salió editado el disco Atlantic rain: The lost Fisherman's Blues Recordings con las sesiones de grabación del álbum "Fisherman's blues" revisadas para crear una caja recopilatoria, que ha salido editada en formatos de 3 Cd's y 3 Lp's de vinilo que incluyen grabaciones inéditas.

Aquel mítico disco de 1988 tuvo sesiones desde 1986 a ese 1988, en las que se registaron cerca de 400 cintas multipista, sumando un total de 150 horas de música, entre ellas había 80 cintas sin títulos de canciones, que solo contenían anotaciones informales de canciones como 'jam' o 'desconocido'. En 2024 Mike Scott, líder sempiterno del grupo revisó todo ese material, descubriendo docenas de temas que el grupo había olvidado. Grabaciones perdidas, algunas improvisadas, otras trabajadas al milímetro., etc

Mike Scott ha comentado al respecto: "Hicimos tanta música en aquella época, con cientos y cientos de grabaciones individuales, que todavía sigo descubriendo cosas mágicas, este conjunto de temas contiene lo mejor que he encontrado hasta ahora".

Uno de esos temas era Come back to Galway, delicioso medio tiempo donde saxo y violín destacan dentro de una gran melodía. Otro es el maravilloso The man with the wind at his heels, un tema que se emparenta perfectamente con lo que la banda editaría en Fisherman's blues, una delicia de canción donde Mike despacha la letra, mientras el violín de Steve Wickman es una absoluta locura haciendo florituras espectaculares.

Os dejo con The man with the wind at his heels.

Concierto The Peawees, Madrid, Sala Fun House, 2-8-2026.

La estupenda banda de rock and roll italiana The Peawees regresaban a la capital de España casi dos años después de su actuación en la Sala El Sol, para regalarnos una doble sesión en la Sala Fan House, yo pude asistir a la segunda. La banda italiana de La Spezia, The Peawees, que lanzaron allá por el mes de septiembre de 2024 su último disco titulado One ride, donde hay enormes canciones y en el que despachan un rock and roll de aire clásico con toques punk y otros más garage, con muy buen nivel y que fue número 1 en este espacio fue reivindicado de nuevo. Como es lógico repasaron también canciones de toda su carrera y demostraron ser un grupo que está muy vivo, que tienen verdaderos himnos y que se encuentran en un estado de forma tremendo. Hervé Peroncini a la voz y guitarra solista, Dario Persi a la guitarra y coros, Fabio Clemente al bajo y coros y Tommy Gonzalez a la batería es su formación actual.

En cuanto al tracklist fue rotundo, así de su último disco One ride cayeron, Banana tree, Drive, The wolf, Plastic bullets (¡qué temazo!) y You'll never be mine again (interpretada solo por Hervé). También escuchamos Ready to go, Cause, you don't know me, Road to rock and roll y By my side de Dead end city de 2001, Wild about you y Bleeding for you de Walking the walk de 2008, Memories are gone, Don't knock at my door y Food for my soul del disco Leave it behind de 2011, Walking through my hell, Justify y Christine de su disco Moving target de 2018 y en cuanto a las versiones sonaron varias, el Leaving here de Eddie Holland y el Da Doo Ron Ron (When he walked me home) de The Crystals.

Noche veraniega estupenda con amigos y rock and roll, qué más se puede pedir.

Os dejo con dos temas del concierto, primero el Memories are gone.

Y también el By my side.