Muchos años después de que escuchase por primera vez su música, por fin pude ver en directo al genio francés de Lyon Jean-Michel Jarre en un show, en las Noches del Botánico de Madrid, un festival que si una cosa tiene es su amplia gama de estilos, aparte de la calidad. Y la verdad es que fue un espectáculo en todo el sentido de la palabra, ya que obviamente su carrera discográfica es enorme y material tiene para montar unos días seguidos sin que pare de sonar su música, pero hablamos de un hombre de 77 años camino de 78, que se mantiene en una forma estupenda y que nos brindó con su despliegue de teclados y sus imágenes, que dijo él mismo que había utilizado Inteligencia Artificial para generarlas (y que en el proceso se divirtió mucho), que nos llevó casi a una hora y cincuenta minutos de éxtasis electrónico.
En toda la mezcla de temas que escuchamos, hubo miradas al pasado y a sus discos más míticos setenteros y ochenteros, mucho también de su material más reciente de este siglo, e incluso remezclas propias, añadidos y fundidos de temas antiguos con otros más modernos, pero siempre manteniendo su estilo y siendo fiel a todo lo que él mismo ha ido creando. También hay que destacar su comunión con el público que fue muy especial, le acabamos vitoreando, fue una ovación de gala y la gente salió encantada. De hecho para aquellos que puedan repetir o quieran verle volverá el día 10 de julio al mismo escenario a deleitar al personal de nuevo, yo si pudiera volvería a ir.
En cuanto al tracklist, fue un repetorio amplio y muy jugoso, de sus clásicos sonaron Magnetic Fields de 1981, Part. 1 al inicio, y la Part. 2 como último bis, Oxygène Part. 2 y Part. 4 del mítico disco de 1976, y también la Part. 19 de 2016. Del Équinoxe de 1978 cayeron la Part. 4 y la Part. 7, también el Quatrième Rendez-Vous del disco de 1986. De discos más modernos hizo referencia a Oxymore de 2022 con Sex in the machine, Brutalism, Epica y la propia Oxymore. De Equinoxe infinity de 2018 escuchamos Robots don't cry (Movement 3) y The opening (Movement 8). The architect y Exit de Electronica 2: The heart of noise de 2016, recordó el Arpégiateur del Live in China, el Zookologie del Zoolook de 1984, El Révolution industrielle Part. 2 del Revolutions de 1988 o incluso el Zero Gravity que hizo con Tangerine Dream y el Stardust con Armin Van Buuren en el Electronica 1: The Time Machine de 2015.
En definitiva, para todo aquel que la música de este genio francés signifique algo, anoche fue un disfrute absoluto, y desde luego en mi caso particular un sueño cumplido.
Os dejo con dos momentos del concierto, el tema The opening primero.
Este pasado jueves la banda australiana The Stems, comandada por su capitán Dom Mariani, aterrizaban en la capital coincidiendo con el partido de la selección española de fútbol, quién iba a saber hace mes y medio cuando pillé la entrada tal concatenación de eventos. Pero a lo que vamos, el show tuvo de telonera a una banda brasileño-danesa, si, si, parece raro pero The Courettes, o The Fabulous Courettes como así rezaba su cartel como se ve en la foto, son un dúo formado por Flavia Couri (guitarra y voz) y el batería Martin Couri, que practican un garage-blues con toques de surf-rock y también rock and roll, con influencias setenteras, en particular por el universo Phil Spector, y las melodías de grupos de chicas como Ronettes, Marvelettes o Shagri-Las pero con actitud valiente e influencuas de Who, Kinks, Sonics, Link Wray, Ramones, Cramps, etc.,
Sonaron temas como You woo me, The boy I love, California, Until you're mine, Boom Boom Boom, Trash can honey, Tough like that, better without you, etc.,
The Stems, la mítica banda australiana cumplieron su 40 aniversario en 2024, y siguen rodando dos años después ya que siguen editando singles y no paran su actividad. The Stems dieron un show realmente sobrio, excelente de sonido (la sala ayuda) y una banda ya muy compactada. Dom Mariani a la voz y guitarra, Julian Matthews al bajo, Dave Shaw a la batería, estos tres miembros originales y el actual guitarrista Ashley Naylor dieron un recital de padre y muy señor mío, repasando la carrera de esta mítica formación de culto y que muchos veneramos. Si hay que poner algún pero en algunos temas eché en falta ese órgano de la primera época, pero no se puede tener todo.
En cuanto al repertorio me pareció realmente deslumbrante, que empezaron con Leave you way behind del Heads up de 2007, del que también cayeron Get so bad, Sorround me, Get to know me y She sees everything, mezclada con Make you mine. Del mítico At first sight, Violets are blue de 1987 escuchamos la propia At first sight en los bises, Mr. Misery, For Always (fantástica) y Move me. De singles antiguos del principio tocaron la ya citada Make you mine en la triada, Just ain't enough y Tears me in two ya en los bises. En cuanto a los últimos singles cayeron ese gran tema Falling from the sky, el Deep freeze y el último de este año Your kinda love.
Os dejo con el tema For always tal y como sonó el jueves.
Como llevo diciendo desde principios de abril, otro músico que anunciaba nuevo álbum para el 24 de julio de este 2026, era Robyn Hitchcock, el veterano artista británico con el título de The Confuser, a través del sello Thiny Ghost Records. En este trabajo grabado en Nashville ha contado con la participación de Jeremy Fetzer a la guitarra, Todd Bolden al bajo, Erick Slick a la batería, además de Kimberly Rew a la guitarra eléctrica, antigua compañera de Robyn en The Soft Boys.
I am this thing fue el primer adelanto descrito como un himno propio, un gran single de melodía preciosa, que embelesa y con una letra sobre esos momentos donde te enteras que eres un inquilino en tu propio cuerpo. Luego llegó My dead astronaut donde volvía a aflorar la manera de componer de este gran músico y su gran estilo, en una melodía de acento pop-rock de gran calidad. Ahora llega How to feel alright con un ritmo animado de guitarras y donde Robyn canta de lujo en un tema de buena melodía.
El 3 de julio de 1971, el corazón de Jim Morrison, líder de The Doors, la banda de Los Ángeles, dejaba de latir en París, 55 años han pasado. Es evidente que la mitología alrededor de su muerte se hizo rápida, pero su vida excesiva en todo, castigando a su cuerpo, le pasó factura después de beberse y meterse de todo en 6 años (de 1966 a 1971). Un icono de una época, un cantante excepcional, que se autodefinía como poeta, pero no era el cantante de un grupo cualquiera, era el cantante de The Doors, una de las mejores bandas de la historia de la música, y eso es decir mucho.
Es más que evidente, que las circunstancias de su muerte no fueron muy claras. En un libro que se editó en 2007, escrito por Sam Bernett y publicado en Francia, relata que en realidad Jimbo murió de sobredosis de heroína en los baños del club parisino Rock and Roll Circus. Este hombre era periodista y gerente del club, y se encontró en los baños a Morrison inconsciente y con un cóctel explosivo de cerveza, vodka y heroína. Entre varias personas le llevaron a su casa y le metieron en la bañera con agua caliente intentando reanimarle, pero todo fue inútil, Pamela Courson, su novia, como estaba colocada, ni se enteró casi.
Pero musicalmente, que es la parte que más me interesa, Jim Morrison era un cantante genuino, auténtico, obsesionado con la muerte, pero un poeta que musicaba maravillosamente sus poemas y cuya actitud en el escenario no pasaba desapercibida para nadie. Con The Doors reinó en una época convulsa, tanto en Estados Unidos como en el mundo, pero el estilo del grupo era único, con los teclados de Ray Manzarek dando ese aire genuino, la guitarra de Robby Krieger bluesera espléndida y ese batería venido del jazz que era una delicia... John Densmore. Hace 13 años y casi 2 meses también desapareció Ray, pero ya mayor, Jim se fue antes de tiempo... ¿el poeta de la desilusión?
Muchos son los críticos con Jim Morrison, que si cualquiera podría haber cantado en ese grupo, que si no aportaba, que rompió a la banda... Bien, desde mi punto de vista he de decir que me parece una pieza básica y fundamental en todos sus discos, incluyendo sus subidas y bajadas, sus excesos, todo, y que por supuesto nadie es perfecto, pero así se hizo el mito. Recordemos que era un tipo muy inteligente, aunque a veces se empeñara en demostrar justo lo contrario.
Hoy en homenaje quiero recordar ese mítico Roadhouse blues de 1970, en la versión del disco de directo In concert con ese "From Los Angeles, California... The Doors..." del speaker al inicio, el riff de guitarra de Robbie Krieger y ese tema abrumador por excelencia que abría el disco Morrison Hotel.
Jean-Michel Jarre es un músico francés hijo del también músico Maurice Jarre (compositor de grandes bandas sonoras) y Francette Pejot, que inició su carrera discográfica en 1973 con dos trabajos de escasa repercusión, pero fue en 1976 con Oxygène, editado en Francia en diciembre de ese año, con el que consigue ponerse en el mapa. Todo cambia cuando él se monta su propio estudio musical en la cocina de su propio apartamento, con más teclados y equipo electrónico, todo analógico lo que le lleva a hacer este trabajo como quería, un álbum referente de la música electrónica que fue vanguardia en su momento, siendo pionero e influenciando a muchos artistas. Pero si digo que este álbum pone a Jarre en boca de todos, es porque tiene un gran éxito comercial, es número 1 en Francia, número 2 en Gran Bretaña, número 3 en Suecia y número 3 en Nueva Zelanda y número 4 en Holanda, teniendo unas ventas extraordinarias.
Oxygène es un homenaje a la vida y a la naturaleza de nuestro planeta, donde el músico quiere concienciar a la gente de que la Tierra es un ser vivo que late y siente, de ahí esa mítica portada en la que salía el Planeta Tierra despellejándose y mostrando una calavera en su interior, símbolo de vida y de muerte a la vez.
Oxygéne Pt. 4 pasa por ser la parte más conocida y que más se escuchó en su momento del disco, una melodía que me sigue pareciendo brutal.
Como llevo diciendo desde mediados de marzo, la banda británica Muse editó nuevo álbum, el décimo, el pasado 26 de junio con el título de The wow! Signal, que da el relevo cuatro años después a Will of the people. El título del disco toma su nombre de la señal Wow!, una señal de radio de banda estrecha detectada en 1977 que sugería la existencia de inteligencia extraterrestre. El año pasado la banda ya adelantó un primer single llamado Unravelling, pero allá por febrero se estrenó Be with you, el segundo, una suerte de tema de pop electrónico que contiene bastante épica y con un crescendo tremendo que va de menos a más y con ausencia guitarrera. También hablé de aquel primer single Unravelling, que salió en junio del año pasado, un tremendo tema de inicio electrónico y con voces sincopadas mientras que canta Matt Bellamy, hasta que se rockeriza y tiene un crescendo que acaba en un rock muy duro con el riff de guitarra mandando. Luego llegó el tercer adelanto Cryogen, con un aparente tono pop en el inicio que luego se vuelve bastante rockero en el puente y estribillo, manteniendo el estilo de siempre del trío. Hice referencia a Hexagons, con un inicio de riffs apabullantes que hacen de intro, hasta que se aclara la melodía y llega la parte más épica con subidas y bajadas. También hablé de Nightshift superstar, un tema con aire de pop electrónica y donde la guitarra de Bellamy pasa a un segundo plano, predominando la línea de bajo y los teclados. También lo hice de The Dark Forest con una mezcla de rock y orquesta bastante interesante y que tiene el estilo de siempre del grupo orquestado y con coros casi barrocos, hasta que explota la parte guitarrera. Ahora llega Hush con la colaboración vocal de la voz femenina de Elli Goulding, en un buen tema rockero y con la escencia habitual del combo.
Otra banda que editará nuevo álbum el 28 de agosto son los bostonianos Dinosaur Jr. con el título de There near, dando el relevo cinco años después a aquel Sweep it into space y lo hará a través del sello independiente Jagjaguwar. La nota de prensa promocional nos dice que el disco fue registrado en breves sesiones a lo largo de un año en el estudio Bisquitten de Amherst, además del trío sempiterno formado por J Mascis, Lou Barlow y Murph, también ha colaborado Ken Mauri al piano y órgano. Acerca del sonido, la misma fuente cita que la guitarra de Mascis es "más visceral de lo habitual" cosa que es probable que tenga que ver con el amplificador Mesa Boogie MK 1 de los 70 que Mascis adquirió recientemente: "Compré el mismo amplificador que tenía Chris Dixon cuando grabamos nuestro primer disco, Chris nos grabó en su casa con su amplificador. Tiene un sonido realmente interesante que no había conseguido en mucho tiempo, y es algo que intentaba recuperar en este disco, Los Stones empezaron a usar Mesa Boogies en los 70 después de escuchar a Santana tocar con ellos, luego The Clash copiaron a los Stones, etc., con el paso de los años y la llegada del MK 2 y otros, el Boogie se volvió más metalero, pero el MK 1 tiene un sonido Fender potenciado. Siempre se oye cómo Rick Rubin hace que las bandas que produce se sienten a escuchar su primer disco y digan: 'Vamos a recuperar ese sonido', así que simplemente seguí su consejo".
Several got away es el primer single de adelanto, en el estilo habitual del combo con la guitarra presente y la sección rítmica a tono, con un vídeo dirigido por Guy Kozak.
Como llevo diciendo desde mediados de mayo, la banda británica Temples editaron el pasado 26 de junio su quinto álbum de estudio titulado Bliss, y que da el relevo a Exotica de 2023. Ha sido producido por el propio grupo y sale a través del sello V2 Records. Una formación esta que no para de evolucionar e innovar y es algo que han hecho en todos sus trabajos. Aquí eso se nota ya desde su primer single, ese Jet stream heart que tenía un ritmo sampleado rimbonbante y divertido en una onda Justice o Daft Punk que la verdad es que les queda fenomenal mezclando con su base que tienen desde el principio con esa psicodelia pop. También hablé de Vendetta, segundo single, donde esa "euforia melancólica" que según los miembros del grupo domina el trabajo se nota bastante con inspiración de la escena ibicenca y la electrónica europea, con referentes en Faithless, o Underworld, buen tema que tiene un estribillo adictivo. Hice referencia a Blue flame, un tema más a medio tiempo y no tan bailable pero con buena melodía y atractivo. Hablé de Glimmer con inicio de un ritmo interesante donde el bajo lo marca, hasta que llega la melodía y surge ese estilo de la banda de sus inicios con esta nueva fachada sonora más electrónica. Ahora llega Revelations con un inicio de coros de monjes (en onda a aquel proyecto de éxito noventero llamado Enigma), hasta que llega una melodía donde los teclados mandan y bastante luminosa, hasta que en otro interludio vuelven los coros de monjes y vuelta a empezar.
Siii, siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 524 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un programa dedicado a una selección de canciones que solo comparten el título, siendo temas completamente diferentes, una selección selecta, una cuarta parte.
Suenan por orden Buffalo Springfield, Placebo, Creedence Clearwater Revival, Rush, Rainbow, Rage Against the Machine, Kiss, Lenny Kravitz, Talk Talk, Iggy Pop (Feat. Kate Pierson), The Go-Go's, Tears for Fears, R.E.M., Cracker, U2, The Cure, The Datsuns y Robert Jon & The Wreck.
Os dejo con el programa y espero que os guste tanto como a mí grabarlo.
Como decía días atrás, este pasado 12 de junio el querido músico norteamericano Jesse Welles ha editado su nuevo álbum Masks off. Recordemos que es de Ozark, Arkansas, y comenzó allá por 2012 y con tan solo 17 años su carrera musical. Ha tenido desde entonces varios nombres artísticos en sus trabajos como Jeh Sea Wells, como Welles a secas y ya como Jesse Welles justo desde el año pasado. Su música va por terrenos cercanos al folk-rock y tiene en gente como Dylan, Tom Petty o ya más modernos como Ryan Adams (me refiero al Ryan pata negra) como referentes o digamos patrones estilísticos a partir de los cuales surge su música. Todos estos años ha ido haciendo sus discos, colgándolos en internet. El año pasado hablé bastante de él ya que editó hasta cuatro discos, tres de estudio Middle, Pilgrim y Devil's den además de el directo With the devil. Pues bien, desde entonces ha seguido sacando singles, muy comprometidos muchos de ellos, en lucha constante contra las políticas de Trump, ha colaborado con muchos artistas como Margo Price o compartiendo escenario con Joan Baez, etc.,
En este nuevo disco el compromiso social es evidente, y el folk combativo del que hace gala sigue a un nivel muy alto con temas de mucho calado.
The ballad of big balls era uno de ellos donde arremete contra la Asociación Nacional del Rifle y el uso de armas, un tema de folk de clase bestial y con su voz rota característica. Algo que ya recordaba Michael Moore en su película Bowling for Columbine, este tema de las armas. Bien, ayer tocó hablar de Everything must die, tema brutal donde viraba hacia el pop con guitarras presentes y una letra donde hablaba de las diversas rutas a tomar en la vida. Ahora lo hago de Siddhartha, una maravilla de tema en onda folk, tema intronspectivo que canta de lujo Jesse y al que en la parte final le ayuda la sección rítmica.
Os dejo con la versión de estudio de Siddhartha.
Y ya sabéis que a este artista le gusta interpretar sus temas en medio del campo, por ahí... en esta ocasión lo hace en medio de la nada, una locura.
Como decía días atrás, este pasado 12 de junio el querido músico norteamericano Jesse Welles ha editado su nuevo álbum Masks off. Recordemos que es de Ozark, Arkansas, y comenzó allá por 2012 y con tan solo 17 años su carrera musical. Ha tenido desde entonces varios nombres artísticos en sus trabajos como Jeh Sea Wells, como Welles a secas y ya como Jesse Welles justo desde el año pasado. Su música va por terrenos cercanos al folk-rock y tiene en gente como Dylan, Tom Petty o ya más modernos como Ryan Adams (me refiero al Ryan pata negra) como referentes o digamos patrones estilísticos a partir de los cuales surge su música. Todos estos años ha ido haciendo sus discos, colgándolos en internet. El año pasado hablé bastante de él ya que editó hasta cuatro discos, tres de estudio Middle, Pilgrim y Devil's den además de el directo With the devil. Pues bien, desde entonces ha seguido sacando singles, muy comprometidos muchos de ellos, en lucha constante contra las políticas de Trump, ha colaborado con muchos artistas como Margo Price o compartiendo escenario con Joan Baez, etc.,
En este nuevo disco el compromiso social es evidente, y el folk combativo del que hace gala sigue a un nivel muy alto con temas de mucho calado.
The ballad of big balls era uno de ellos donde arremete contra la Asociación Nacional del Rifle y el uso de armas, un tema de folk de clase bestial y con su voz rota característica. Algo que ya recordaba Michael Moore en su película Bowling for Columbine, este tema de las armas. Bien hoy toca hablar de Everything must die, tema brutal donde vira hacia el pop con guitarras presentes y una letra donde habla de las diversas rutas a tomar en la vida.
Como llevo diciendo desde mediados del mes de mayo, The Coral han editado su decimotercer disco de estudio titulado 388, pero su edición no ha sido al uso y la vamos a explicar. El pasado 7 de mayo cinco copias de un nuevo disco de The Coral aparecieron sin previo aviso en una selección de tiendas de discos independientes del Reino Unido. Pero no había ni comunicado de prensa, ni publicación en redes sociales, ni un mensaje de la propia banda reconociendo que el disco es real. Obviamente se agotó en un suspiro. Cuando la noticia empezó a correr, el álbum ya era imposible de conseguir para la mayoría, pero esa exactamente era la idea. En declaraciones de la banda no ha sido un capricho, ni una jugada de marketing disfrazada de anti-marketing, es una declaración de principios de cómo se hace música ahora cuando ya llevas mucho tiempo en esto, y no quieres ser determinadas cosas, una manera de alejarse de la IA.
El título hace referencia a la Tascam 388, grabadora de cinta analógica de los años 70 que la banda utilizó para capturar el disco en los Kempston Street Studios de Liverpool (el estudio que el propio líder del grupo James Skelly y el productor Chris Taylor construyeron tras el cierre de los míticos Parr Street Studios), al igual que hicieron DeWolff en 2020 con su disco Tascam Tapes. Dos o tres tomas por canción, incluyendo errores y realidad, pura realidad, lo que se graba en la cinta se queda.
Uno de los temas del disco era Let the music play, con un sonido muy Shadows, preciosos coros y unos vientos perfectos. Luego llegó Shame, un medio tiempo delicioso de una melodía preciosa y con estribillo repetitivo que engancha. Luego hablé de You and me (and the beautiful sea), deliciosa tonada con base acústica y armonías vocales de onda beatle, una pasada. También hice referencia a Ride that train con una melodía alegre donde la guitarra repiquetea con sus arpegios y es la base de esa melodía a la que luego se le añade el órgano delicioso y la voz de James Skelly siempre brutal. También hablé de Spirit catcher con ese comienzo del bajo hasta que entra la guitarra acústica y el teclado que llevan la melodía, mientras la voz de James y los coros completan todo. Ahora llega Leave it in the past, un tema en tono reggae de precioso ritmo y melodía con estribillo que engancha y coros fantásticos.
Os dejo con el tema y vídeo de Leave it in the past.
La banda británica The Cure editaron en 1996 Wild mood swings, un disco que fue vapuleado en su día por la crítica e incluso fans, aunque no tuvo malas ventas, fue número 2 en Suecia y número 9 en Gran Bretaña. Tenía la difícil misión de dar relevo al exitoso Wish de 1992, un disco que les colocó en la cima de nuevo, pero a este trabajo se le acusó de comercial, vacío, etc., y es que Robert Smith sacó una sonrisa en este trabajo, con varias canciones alegres en las que incluso jugueteaba con otros estilos musicales, pero hay un problema y es que los iconos de la tristeza y la melancolía no tienen derecho a ser felices, o eso pareció. Tampoco favoreció mucho que el primer single fuera The 13th, esa extraña carta de presentación (en aquella época era diferente, el single de presentación salía tres o cuatro meses antes y no había nada más hasta que salía el disco, no como ahora que salen tres o cuatro singles en youtube y te vas haciendo una idea clara del trabajo), y claro un tema donde sonaban trompetas e incorporaba ritmos latinos y su letra alegre, dejó con una cara de póker al personal bastante impactante.
Lo bueno del tiempo es que pone todo en su sitio y si se revisa bien el disco, es un álbum bastante bueno y tiene por decirlo así una mezcla de los Cure de siempre con esos nuevos que Robert quería sacar a la luz, de todas formas en aquella época (y yo en parte me incluyo) la apertura de mente musical costaba, pero es que el título del disco ya daba pistas "Salvajes cambios de ánimo" y resumía muy bien que había en el disco, pero sobre todo rezumaba optimismo (que ya lo había en Wish).
La formación que graba el disco es Robert Smith a la voz, guitarra, bajo de seis cuerdas, arreglos de cuerda y producción, Perry Bamonte a la guitarra y bajo de seis cuerdas, Jason Cooper a la batería, Simon Gallup al bajo y Roger O'Donnell a los teclados.
Numb es un tema de un inicio con aires hindús hasta que entre la melodía de un medio tiempo de base acústica, con la voz de Robert Smith a la que se le unen unos vientos árabes y esa orquestación, interesante tonada.
La banda irlandesa U2 a principios de la década de los 90 editó su magnífico Achtung baby en 1991, cuya gira denominada ZOO TV fue exitosa y larga, de hecho la gira norteamericana finalizó en noviembre de 1992 y la etapa al aire libre en Europa no empezaba hasta mayo de 1993. Fue en ese espacio de tiempo en el que podían descansar, pero también hablaron de material que habían dejado pendiente y la posibilidad de hacer un EP, pero el mismo Bono dijo de dar un empujón más y no quedarse en un disco corto si no hacer uno largo. Realmente disponían de doce semanas y una parte del material era sobrante de Achtung baby y tenían a Flood y Brian Eno tocando teclados y a la producción, a la que se añadió el guitarrista The Edge. Numb fue el primer single, una canción que originalmente era el acompañamiento instrumental de un tema totalmente diferente, con la novedad de que la cantaba The Edge, una canción rara, fuera del estilo habitual del grupo, experimental con ruidos la voz plana del guitarrista y unos teclados muy presentes.
Hablamos de un disco denostado y que pienso que siendo inferior a su antecesor, tenía momentos bastante interesantes y consiguió colarse con varios temas en la siguiente parte de la gira.
Como llevo diciendo desde primeros de mayo, The Rolling Stones editarán el 10 de julio su álbum número 25 de estudio titulado Foreign tongues, con una portada realmente fantástica con la mezcla de la cara de los tres músicos, sucesor de Hackney diamonds de 2023 y producido al igual que aquel por Andrew Watt. Catorce nuevas canciones de Sus Satánicas Majestades, que tuvieron en el mes de abril un primer adelanto con el tema Rough and twisted y que sacaron en vinilo de edición limitadísima como The Cockroaches (pseudónimo utilizado por ellos hace años). La canción era un blues-rock de una clase realmente extraordinaria donde guitarras, armónica y la voz de Jagger destacan.
Hay colaboraciones de Paul McCartney. Steve Winwood, Robert Smith y Chad Smith.
Los miembros de la mítica banda han comentado al respecto, Mick Jagger ha dicho: "Me encanta grabar en Londres, en Metropolis, fueron unas semanas muy intensas grabando Foreign Tongues. Teníamos 14 grandes canciones y fuimos tan rápido como pudimos, me gusta esa sala porque no es demasiado grande y puedes sentir en el ambiente, la pasión de todo el mundo".
Keith Richards añadió: "El álbum 'Foreign Tongues' tiene una continuidad con 'Hackney diamonds' y fue genial volver a trabajar en Londres, con ese ambiente tan propio de la ciudad a nuestro alrededor, fue un mes de intensidad concentrada. Para mí, se trata siempre de disfrutarlo, me siento afortunado de poder hacer esto y ojalá dure mucho tiempo".
Ron Wood dijo: "La atmósfera en el estudio era muy creativa y toda la banda estuvo en plena forma durante todo el proceso. Muchas veces lo conseguimos a la primera toma, espero que a todo el mundo le encante".
In the stars fue el segundo adelanto del trabajo, un tema de rock clásico de los Stones pero con ese toque comercial que tan bien les queda y donde los coros molan. También hablé del tercer single titulado Jealous lover, una balada en el estilo clásico de los Stones donde Mick Jagger a la voz es protagonista total, con buenos coros y momento álgido en el puente y estribillo. Ahora llega Divine intervention, un tema rockero y de ritmo trepidante donde Sus Satánicas Majestades demuestran estar más vivos que nunca, con un precioso solo de guitarra de Keith Richards.
Como llevo diciendo desde mediados de mayo, la banda británica Temples editaron ayer 26 de junio su quinto álbum de estudio titulado Bliss, y que da el relevo a Exotica de 2023. Ha sido producido por el propio grupo y salió a través del sello V2 Records. Una formación esta que no para de evolucionar e innovar y es algo que han hecho en todos sus trabajos. Aquí eso se nota ya desde su primer single, ese Jet stream heart que tiene un ritmo sampleado rimbonbante y divertido en una onda Justice o Daft Punk que la verdad es que les queda fenomenal mezclando con su base que tienen desde el principio con esa psicodelia pop. También hablé de Vendetta, segundo single, donde esa "euforia melancólica" que según los miembros del grupo domina el trabajo se nota bastante con inspiración de la escena ibicenca y la electrónica europea, con referentes en Faithless, o Underworld, buen tema que tiene un estribillo adictivo. Hice referencia a Blue flame, un tema más a medio tiempo y no tan bailable pero con buena melodía y atractivo. Ahora llega Glimmer con inicio de un ritmo interesante donde el bajo lo marca, hasta que llega la melodía y surge ese estilo de la banda de sus inicios con esta nueva fachada sonora más electrónica.
Como llevo diciendo desde primeros de mayo, The Rolling Stones editarán el 10 de julio su álbum número 25 de estudio titulado Foreign tongues, con una portada realmente fantástica con la mezcla de la cara de los tres músicos, sucesor de Hackney diamonds de 2023 y producido al igual que aquel por Andrew Watt. Catorce nuevas canciones de Sus Satánicas Majestades, que tuvieron en el mes de abril un primer adelanto con el tema Rough and twisted y que sacaron en vinilo de edición limitadísima como The Cockroaches (pseudónimo utilizado por ellos hace años). La canción era un blues-rock de una clase realmente extraordinaria donde guitarras, armónica y la voz de Jagger destacan.
Hay colaboraciones de Paul McCartney. Steve Winwood, Robert Smith y Chad Smith.
Los miembros de la mítica banda han comentado al respecto, Mick Jagger ha dicho: "Me encanta grabar en Londres, en Metropolis, fueron unas semanas muy intensas grabando Foreign Tongues. Teníamos 14 grandes canciones y fuimos tan rápido como pudimos, me gusta esa sala porque no es demasiado grande y puedes sentir en el ambiente, la pasión de todo el mundo".
Keith Richards añadió: "El álbum 'Foreign Tongues' tiene una continuidad con 'Hackney diamonds' y fue genial volver a trabajar en Londres, con ese ambiente tan propio de la ciudad a nuestro alrededor, fue un mes de intensidad concentrada. Para mí, se trata siempre de disfrutarlo, me siento afortunado de poder hacer esto y ojalá dure mucho tiempo".
Ron Wood dijo: "La atmósfera en el estudio era muy creativa y toda la banda estuvo en plena forma durante todo el proceso. Muchas veces lo conseguimos a la primera toma, espero que a todo el mundo le encante".
In the stars fue el segundo adelanto del trabajo, un tema de rock clásico de los Stones pero con ese toque comercial que tan bien les queda y donde los coros molan. Ahora llega el tercer single titulado Jealous lover, una balada en el estilo clásico de los Stones donde Mick Jagger a la voz es protagonista total, con buenos coros y momento álgido en el puente y estribillo.
Como llevo diciendo desde mediados de marzo, la banda británica Muse edita nuevo álbum, el décimo, hoy 26 de junio con el título de The wow! Signal, que da el relevo cuatro años después a Will of the people. El título del disco toma su nombre de la señal Wow!, una señal de radio de banda estrecha detectada en 1977 que sugería la existencia de inteligencia extraterrestre. El año pasado la banda ya adelantó un primer single llamado Unravelling, pero hace un mes se estrenó Be with you, el segundo, una suerte de tema de pop electrónico que contiene bastante épica y con un crescendo tremendo que va de menos a más y con ausencia guitarrera. También hablé de aquel primer single Unravelling, que salió en junio del año pasado, un tremendo tema de inicio electrónico y con voces sincopadas mientras que canta Matt Bellamy, hasta que se rockeriza y tiene un crescendo que acaba en un rock muy duro con el riff de guitarra mandando. Luego llegó el tercer adelanto Cryogen, con un aparente tono pop en el inicio que luego se vuelve bastante rockero en el puente y estribillo, manteniendo el estilo de siempre del trío. Hice referencia a Hexagons, con un inicio de riffs apabullantes que hacen de intro, hasta que se aclara la melodía y llega la parte más épica con subidas y bajadas. También hablé de Nightshift superstar, un tema con aire de pop electrónica y donde la guitarra de Bellamy pasa a un segundo plano, predominando la línea de bajo y los teclados. Ahora lo hago de The Dark Forest con una mezcla de rock y orquesta bastante interesante y que tiene el estilo de siempre del grupo orquestado y con coros casi barrocos, hasta que explota la parte guitarrera.
Este pasado 12 de junio el querido músico norteamericano Jesse Welles ha editado su nuevo álbum Masks off. Recordemos que es de Ozark, Arkansas, y comenzó allá por 2012 y con tan solo 17 años su carrera musical. Ha tenido desde entonces varios nombres artísticos en sus trabajos como Jeh Sea Wells, como Welles a secas y ya como Jesse Welles justo desde el año pasado. Su música va por terrenos cercanos al folk-rock y tiene en gente como Dylan, Tom Petty o ya más modernos como Ryan Adams (me refiero al Ryan pata negra) como referentes o digamos patrones estilísticos a partir de los cuales surge su música. Todos estos años ha ido haciendo sus discos, colgándolos en internet. El año pasado hablé bastante de él ya que editó hasta cuatro discos, tres de estudio Middle, Pilgrim y Devil's den además de el directo With the devil. Pues bien, desde entonces ha seguido sacando singles, muy comprometidos muchos de ellos, en lucha constante contra las políticas de Trump, ha colaborado con muchos artistas como Margo Price o compartiendo escenario con Joan Baez, etc.,
En este nuevo disco el compromiso social es evidente, y el folk combativo del que hace gala sigue a un nivel muy alto con temas de mucho calado.
The ballad of big balls es uno de ellos donde arremete contra la Asociación Nacional del Rifle y el uso de armas, un tema de folk de clase bestial y con su voz rota característica. Algo que ya recordaba Michael Moore en su película Bowling for Columbine, este tema de las armas.
Os dejo con el tema y vídeo de The ballad of big balls.
Como dije a mediados de mayo, el querido músico norteamericano Pokey LaFarge está de lo más activo, además de haber sido padre en abril y ya editó un Ep el pasado 23 de enero titulado Travelin' with Pokey Lafarge: Voice and guitar Vol. 1, del que dimos cuenta aquí. Pues bien, el 11 de septiembre editará un segundo disco titulado Rent money, este ya con once temas nuevos donde su mujer colabora en varios de ellos en la composición.
El tema que da título al disco era el primer adelanto y nos mostraba al siempre inquieto Pokey manejando la guitarra eléctrica en un tema de aire country-rock en momentos, otros con algo de boogie, buen ritmo y gran desarrollo y un estribillo directo. Ahora llega el segundo adelanto titulado The thing, un medio tiempo de ritmo contagioso donde los arpegios de guitarra y su voz son los que mandan, en un buen tema que va a más.
Como llevo diciendo desde principios de junio, este pasado 29 de mayo Violet Grohl ha editado su álbum de debut titulado Be sweet to me. Su apellido la delata, obviamente, es la hija de Dave Grohl, ex-batería de Nirvana y líder de Foo Fighters, pero ella sigue las directrices musicales de finales de los 90 (cuando tiene 19 años, es decir nació en 2005) con un disco de rock alternativo con actitud y una voz que no está nada mal.
Sinceramente fuera aparte de su apellido, los adelantos que han ido saliendo del trabajo suenan muy bien y creo que será un disco a tener muy en cuenta.
Bug in the cake era uno de esos singles, un tema de rock desenfadado desde el inicio con guitarras y donde su voz te entra con facilidad, y en cuyo vídeo sale Nina Hartley, la actriz más longeva para cine de adultos. Otro single era Cool buzz con ritmo desenfrenado y guitarrero desde el inicio (influencias de Sonic Youth) y un desarrollo muy compacto, buen tema. THUM era otro tema del disco que ha sido single, quizás la canción que me recuerda más a Hole, la banda de la que fuera mujer de Kurt Cobain, Courtney Love, un rock urgente y alternativo de muy buena factura. Y ahora hablo de otro de los singles 595, que quizás sea el tema donde más noventera se muestra y en una onda muy guitarrera, que se desata en la segunda parte de la canción, ya que en la primera parte ella canta y el riff de guitarra anuncia lo que vendrá después.
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