Siii, siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 346 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un especial dedicado a muchas de aquellas canciones que fueron maltratadas por emisoras de radio y cadenas de televisión, una undécima parte.
Suenan por orden Elvis Presley, Scott Mackenzie, Boston, Kansas, Tequila, Pino D'Angio, Depeche Mode, The Pointer Sisters, Mink Deville, Billy Ocean, Wax, The Communards, Pixies, The Farm, Rammstein, Bon Jovi y Loquillo y Trogloditas.
Os dejo con el programa y espero que os guste tanto como a mí grabarlo.
Elton John y Leon Russell editaron un disco colaborativo en 2010 titulado The Union. En 2008 Elton John fue invitado a participar en el show televisivo de Elvis Costello, y al hacer un viaje por su carrera Elton habló acerca de su trayectoria y experiencia de vida y también sobre su amistad y admiración por Leon Russell, contaba que Russell le ayudó mucho en sus primeras giras norteamericanas y también que su estilo sureño en el piano le había influido a la hora de componer.
Leon Russell, que nos dejó en 2016, era un auténtico mito de la historia del rock. Era multiinstrumentista, arreglista, compositor, productor y hasta ejecutivo que montó dos sellos discográficos. Su aspecto con larga barba, melena blanca y semblante de película no ocultaba a un genio asombroso. Natural de Oklahoma, desarrolló su carrera en California y tocó con mucha gente, desde Phil Spector a John Lennon, acompañó a Joe Cocker, estuvo en el concierto por Bangladesh junto a George Harrison, etc., tocando blues, rock, soul, country, pop...
Para Elton John fue un lujazo hacer un disco con él, y este The Union es una pasada con un aire al delta del blues portentoso, pero también con evidentes evocaciones a los setenta. La mayoría de las composiciones eran del mítico dúo Taupin-John, con quienes Russell colaboraba. También para Russell, este disco supuso una vuelta al panorama musical de nivel, ya que estaba algo retirado. T-Bone Burnett fue el productor y los grabó en vivo a ambos tocando a cuatro manos con sus pianos, mítico es poco.
If it wasn't for bad era el tema que abría el disco y compuesta por Russell, una maravilla, como el resto del trabajo, que quizás no tuvo un hit, ni falta que le hacía.
Os dejo con If it wasn't for bad en directo en el Beacon Theatre de New York.
Como decía días atrás, el pasado 13 de enero la banda escocesa Belle & Sebastian editó nuevo álbum de estudio titulado Late developers con el que el grupo da continuidad solo ocho meses después a A bit of previous, de hecho se grabó en Glasgow en las mismas sesiones de estudio, y también sale a través de Matador Records. Quizás en este caso las canciones son más modernillas y con ritmos más bailables como demostraba su primer single I don't know what you see in me, con una agradable melodía y un ritmo animado. Luego tuvimos el tema When we were very young, una buena pieza pop donde la voz del cantante y sus teclados dominan la canción. Y más tarde llegó So in the moment con un riff de guitarra inicial acelerado, para que entre la melodía pop, las voces y esa gran mezcla se convierta en un gran tema. También hablé del tema que da título al álbum, ese Late developers, animada tonada donde a un ritmo interesante le dan empaque la mezcla de voces masculina del cantante y las coristas. Y ahora viene Juliet naked con un riff de guitarra interesante para desarrollar un buen tema pop.
Como decía hace unos días, Doctor Divago, la querida banda valenciana, vuelven con nuevo álbum, el decimotercero de su carrera musical titulado La tierra prometida, y que da el relevo cinco años después a Complejo Alquería Frailes, 13. La formación sigue siendo estable desde 2003 con Manolo Bertrán a la voz y guitarra, Antonio Chumillas a la armónica, Edu Cerdá al bajo, Asensio Ros "Wally" a la batería y David Vie a la guitarra.
Mi entrada en el mundo musical de esta banda fue algo tardía, y eso que los vi hace muchos años en vivo en un concierto en Madrid junto a Sexy Sadie en la Sala Arena (año 2000 creo recordar), y me costó pillarles el punto, lógicamente, era mi primer acercamiento sin tener ningún disco de ellos. No fue hasta que empecé a tener mi conexión blogero-valenciana y cuando les volví a ver en vivo en La Boca del Lobo de Madrid cuando comencé a sumergirme en su música, mucha culpa de ello la tiene el bajista de Los Radiadores, Perrín Muchacho Bass, que supo darme las claves para entenderles. A partir de ahí me fui haciendo con sus discos, y comprendiendo el buen hacer y el estilo de un grupo que desde luego es único en su especie, y practica un pop-rock que poca gente, o casi nadie hace en este país. A día de hoy es una alegría enorme cualquier artefacto sonoro nuevo de ellos, y éste no es una excepción. 33 años de actividad de una formación que sigue siendo muy honesta y con un Manolo Bertrán sembrado en sus composiciones. Por los adelantos que han ido saliendo suenan más que nunca a ellos mismos, y la verdad es que me encantan los singles.
Uno de los singles de adelanto fue Ojos de serrín que salió a finales del año pasado, buena melodía emotiva letra y gran canción. Ahora vamos con otro de esos adelantos que salió a finales del año pasado, titulado De puntillas (mejor dicho, levitando) una canción rockera donde se olvidan de la gravedad y se evaden a su manera con un solo de guitarra que me recuerda a Paul McCartney no sé porqué.
Os dejo con el tema y vídeo de De puntillas (mejor dicho, levitando).
Depeche Mode en 1989 era una banda que con aquel directo llamado 101 cerraron una etapa, la ochentera, pero abrieron otra, la de los años 90 que empezarían a todo trapo con el disco que les deparó éxito mundial a raudales, Violator. Mucho había cambiado la banda desde su estreno en 1981 (Speak and spell) hasta 1987 (Music for the Masses), pero aquí la evolución va a ir más allá y sobre todo porque en este disco habrá singles demoledores que marcarían un antes y un después. Si el anterior álbum les había abierto las puertas del difícil mercado estadounidense, el séptimo álbum de estudio les seguiría abriendo las puertas de cualquier lado, mercado o estadio sólo que de forma aún más mediática. Pero se planteaba en el seno de la banda de Basildon una duda existencial, ya que era una banda que tiraba de manera fuerte al rock, pero ellos se resistían, querían seguir siendo un grupo de electrónica que utilizaba guitarras. Hay que tener claras las influencias de la banda, Kraftwerk sobre todo y su lado más punk, los primeros singles de The Human League y la parte más glam de Roxy Music.
Es ahí donde el grupo decide reducir el peso de las guitarras, y darle al disco un enfoque más electrónico, pero lo que sin duda alguna había eran grandes temas, que fuesen interpretados de una manera u otra, iban a marcar un devenir distinto, algunos de esos temas pasarían a formar parte ineludible del repertorio de directo.
La producción corrió a cargo de Mark Ellis “Flood”, acompañado por el propio grupo. Y de la mezcla se encargó François Kevorkian (salvo de Enjoy the Silence, a cargo de Miller y Flood), ya que Flood no estaba en ese momento disponible y confió en Kevorkian, reconocido DJ, y productor francés, muy meticuloso y especial, que había mezclado cuatro años antes el Electric Café (1986), de Kraftwerk. Si buscaban un sonido oscuro, el fichaje de Flood era más que propicio ya que el inglés se había curtido en la generación del post-punk, algo que al grupo le atraía de manera brutal. Pero Flood también les dijo una cosa muy clara acerca del uso de guitarras, ya que decía que si hay que usarlas se usan, desterrando así el concepto primigenio de los Depeche, algo arcaico según el productor. En la primera edición del disco, y esto es muy importante, las atmósferas son oscuras donde la programación y los sintetizadores distorsionados dominan los temas, pero las guitarras están sumergidas, lo que hace que el concepto sea distinto. Esto cambia con la publicación en 2006 de la edición coleccionista, donde las canciones gozan de más arreglos y la adaptación a las capacidades del Dolby Digital 5.1, que es la que un servidor posee como definitiva. Otro dato clave, todos los temas son compuestos por Martin L.Gore, el líder sin tapujos de la banda en el estudio.
Halo sin temor a equivocarme es de las canciones que ganan más con las escuchas, melodía excelente, tema épico con un inicio lento para coger ritmo y desarrollar un juego intenso de sonidos electrónicos, para mi un éxtasis para todo aquel que adore a este grupo.
Seguimos de manera incansable en busca de canciones maltratadas one more time, y ya llegamos el capítulo 37, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero con un artista norteamericano que tuvo un hit en su primer disco justo en la explosión de los hippies y la generación de las flores que él concentró en una ciudad, luego tenemos a otra banda cuyo nombre del grupo pertenecía al estado del que eran originarios y que tuvieron un hit a finales de la década de los 70 realmente espectacular, y por un último un italiano que lo petó con un single a principio de la década de los ochenta sobre todo en España.
Scott McKenzie - San Francisco (Be sure to wear some flowers in your hair) (1967)
Scott McKenzie, cantautor norteamericano originario de Jacksonville, interpretó en su primer disco de 1967 The voice of Scott McKenzie un tema compuesto por su amigo John Phillips titulado San Francisco (Be sure to wear some flowers in your hair) que fue un éxito mundial, y curiosamente alcanzó el número 1 en Gran Bretaña, mientras en Estados Unidos llegó al 4.
1967 supuso, en muchos aspectos, el inicio de un gran cambio cultural a gran escala. La juventud a partir de aquel año comenzó a marcar y cambiar definitivamente el pulso de las tendencias sociales, por lo que ya no imitarían los cánones de los mayores, si no que la tendencia iría al contrario en el futuro, pero no sucedió de la noche a la mañana, fue algo evolutivo que explotó en ese año.
El movimiento hippie dejó de ser marginal para atraer a mucha más gente, se puso de moda obviamente, y mezclado con el odio a las guerras (en Estados Unidos contra la Guerra de Vietnam) millones de chicos y chicas protestaban, en las facultades de occidente se producían altercados por protestas políticas y antibelicistas. Es así como San Francisco tomaba el relevo a Londres en el pulso cultural y musical, sería la meca del hippismo, el ácido, la marihuana y llevar flores en la cabeza. Un himno que quedó ya fijado desde entonces, Paz y amor hermanos y no os olvidéis de llevar flores en la cabeza...
Os dejo con San Francisco (Be sure to wear some flowers in your hair).
Kansas - Dust in the wind (1977)
La banda Kansas, originaria de Topeka en el estado de Kansas, editaron Point of no return en 1977, su quinto álbum de estudio, y en el que se incluyó el tema Dust in the wind, quizás su tema de mayor éxito y desde luego la más radiada y puesta en todos sitios. Lo curioso es que este tema fue incluido en la selección del disco casi a última hora, fueron los productores los que dieron el empujón para que el tema fuera metido en el disco. Los primeros acordes del tema fueron escritos por Kerry Livgren, guitarrista del grupo que también tocaba pianos y sintetizadores, que estaba haciendo un ejercicio para aprender a tocar una técnica Fingerpicking, tocar sin púa, melodía que escuchó su mujer y le resultaba muy agradable, por lo que se animó a ponerle letra a la canción. El asunto estaba en que Livgren no estaba convencido de que esta canción fuera del agrado de sus compañeros de grupo, porque se salía del estilo habitual de la banda que navegaba entre el rock melódico y el rock progresivo. Dust in the wind fue uno de los primeros temas acústicos de Kansas, su melodía lenta, melancólica y el contenido filosófico de la letra que nos hace recordar que no somos nada, en comparación con todo el universo, pero fue un éxito total.
Os dejo con el tema y vídeo de Dust in the wind.
Pino D'Angio - Ma quale idea (1980)
Pino D'Angio es un cantante italiano nacido en la ciudad de Pompeya y cuyo primer single editado en 1980 e incluido ya en su primer disco (en último lugar por cierto) ...Balla! de 1981, le catapultó al éxito, cuyo título en italiano era Ma quale idea. Quizás fuera por su ritmo, tal vez por su particular voz, o por su tono sarcástico, pero lo cierto es que esta canción se convirtió en uno de los temas más pinchados y bailados en los primeros pasos de la década de los ochenta, incluyendo además ese teclado tan ochentero que quedaba de vicio en la melodía y le aportaba un toque especial. Gran idea del artista italiano que en cuatro minutos gloriosos, casi la duración del cigarrillo que degustaba en sus interpretaciones mientras recitaba (fraseaba más que cantar) impertérrito, creó escuela. Inventó un estilo de rap-gigoló, latin lover y fatuo que no sé a ciencia cierta si el público entendió del todo, pero que si le hizo tener un arrollador éxito. De hecho recuerdo que el tema se incluyó en un anuncio de Lois, cambiando la letra y demás...
Seguimos de manera incansable en busca de canciones maltratadas, y ya llegamos el capítulo 36, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero con un artista de origen británico que con un tema incluido en su sexto álbum de estudio llegó al éxito absoluto, luego tenemos a una banda británica que a final de la década de los ochenta tuvo sus éxitos y por último otra banda de Liverpool que pegó el pelotazo con un tema incluido en su primer álbum de inicio de década de los noventa.
Billy Ocean - When the going gets tough, the tough get going (1985)
Billy Ocean es un músico que nació en Trinidad y Tobago como Leslie Sebastian Charles, sus padres se mudaron a Inglaterra cuando él tenía ocho años, y allí empezó en Pubs ingleses a cantar bastante joven. En 1972 lanzó su primer single con el nombre de Les Charles y 22 años, pero es en 1976 cuando ya lo hace como Billy Ocean y llega al número dos con un single de su primer álbum, aquel Loves really hurts without you. Su carrera siguió, se mudó a Estados Unidos y allí compuso para Latoya Jackson por ejemplo, pero su gran hit llegaría en 1985 con el single When the going gets tough, the tough get going, que formó parte de la banda sonora de la película La joya del Nilo y debido a su éxito se incluyó en su siguiente disco de 1986 Love zone. Vive en Inglaterra, concretamente en Essex, de hecho en 2002 fue nombrado Doctor en música por la Universidad de Westmister.
Un tema muy de pop ochentero, con dominio de teclados y gotas de soul.
Os dejo con el tema y vídeo de When the going gets tough, the tough get going.
The Communards - Never can say goodbye (1987)
The Communards fue un dúo formado por Jimmy Sommerville (muy conocido por su activismo gay) y Richard Coles, un grupo imprescindible para entender la música disco durante la segunda mitad de la década de los 80. Solo editaron dos trabajos, Communards de 1986 y Red de 1987, en ambos discos hubo hits incontestables y la voz de Sommerville era muy llamativa con un falsete característico. Digamos que ambos discos tuvieron un hit muy fuerte, el primero fue Don't leave me this way que alcanzó el número 1 en UK, y en el segundo estaba Never can say goodbye que era una versión de Clifton Davis, cuya primera versión del tema fue lanzada en 1971 por los Jackson 5 y cantada por Michael Jackson, que llegó en su día al número 2 en las listas, pero sin embargo es la menos recordada de todas. Pero tres años después la diva de la música disco por antonomasia, Gloria Gaynor, sacó su versión más bailonga y no tan soul como la de los hermanitos. Pero la versión de The Communards de 1987 tenía algo especial, siendo electrizante y magnética hasta el extremo, de ahí que siga siendo recordada siempre.
Os dejo con el tema y vídeo de Never can say goodbye.
The Farm - All together now (1990)
La banda británica de Liverpool The Farm editaron su primer disco en 1990 titulado Spartacus, que incluía una canción titulada All together now, justo en esa frontera temporal incierta en el que el predominio de la música de baile y el disco de los años ochenta comenzaba a diluirse en nuevas formas musicales. El tema en cuestión hablaba de fútbol, amistad, de su compromiso socialista y musicalizaron todo ello inspirándose en el famoso Canon de Pachebel. Se tomó su inspiración de la Tregua de Navidad de la Primera Guerra Mundial, donde el día de Navidad de 1914 soldados de ambos bandos dejaron las armas y se reunieron en no-mans-land para intercambiar regalos y jugar al fútbol.
La producción corrió a cargo de Graham McPherson, uno de los miembros de Madness y rápidamente fue un éxito mundial, que ha sido versionado, remasterizado y maltratado por todos lados.
Seguimos de manera incansable en busca de canciones maltratadas, y ya buscamos el capítulo 35, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero con una banda norteamericana que cogieron el nombre de su ciudad como nombre de la banda y cuyo primer disco tuvo un hit incontestable que a día de hoy sigue sonando por todos lados, luego tenemos a un grupo de chicas californianas que tuvieron mucho éxito a principios de la década de los ochenta con un tema bailongo, y por último tenemos a una formación angloamericana, que se salió del tiesto a mediados de esa década ochentera con un tema muy popero.
Boston - More than a feeling (1976)
Boston, la banda que cogió el nombre del grupo de su propia ciudad, editaron su primer álbum homónimo en 1976, un trabajo que vendió millones de copias por todo el mundo (en el 2003 eran unas 17 millones de copias, que se dice pronto) y tuvo un enorme éxito. La banda estaba formada por Tom Scholz a la guitarra solista, guitarra acústica, bajo y órgano, Brad Delp a la voz, guitarra rítmica y coros, Barry Goudreau a la guitarra solista y rítmica, Fran Sheehan al bajo y Sib Hashian a la batería.
Pero el tema que catapultó al éxito al disco y a la banda y que estaba en este primer álbum, era More the a feeling, canción compuesta por Tom Scholz cuya inspiración principal a la hora de componerla, le venía de un tema llamado Walk away Renee de la maravillosa banda sesentera The Left Banke, y por si fuera poco, en el libro de Dave Marsh, titulado The book of rock lists, se señala que el riff de guitarra que acompaña al coro de More than a feeling, tiene cierta similitud sonora con los acordes de la clásica pieza de The Kingsmen, el mítico Louie Louie. Pero no todo fue copia y pega ni mucho menos, cinco duros años de trabajo en el estudio de grabación casero de Tom, ubicado en el sótano de su casa, fueron el germen de casi todos los temas de ese primer disco, que como todos los comienzos costó, ya que las discográficas no los querían contratar. Sholz era ingeniero y se dedicó en cuerpo y alma a revisar cada detalle de las armonías de la guitarra, bajo y batería, todo eso hizo que este tema fuera finalmente una pieza clásica de buen rock y ya historia de la década de los 70.
Os dejo con el tema y vídeo de More than a feeling.
Pointer Sisters - I'm so excited (1982)
Pointer Sisters es un grupo californiano fundado a principios de la década de los 70, concretamente en 1971 y formado por cuatro hermanas, Bonnie, June, Anita y Ruth y que practicaban soul, pop, música dance, etc., Su primer éxito de cierta relevancia vino en 1973 con Yes we can can, pero en 1975 obtuvieron su primer número 1 con How long (Betcha' got a chick on the side). En 1978 pasaron de cuarteto a trío, ya que se bajó del carro Bonnie que curiosamente había sido la fundadora. En 1982 editaron su noveno álbum de estudio So excited!, un trabajo cuya canción emblema y que le daba casi el título I'm so excited, fue un hit absolutamente incontestable y que sonó por medio mundo, de hecho a día de hoy lo sigue haciendo. La calidad vocal de las integrantes de la formación hacía que se intercambiaran el papel de voz solista si hacía falta y también confluían en grandes armonías vocales cuando cantaban al unísono. Este tema siempre me pareció muy bailongo, festivo y optimista.
Os dejo con el tema y vídeo de I'm so excited.
Wax - Right between the eyes (1986)
Wax fue un dúo de pop-rock formado en 1985 por el cantante y compositor estadounidense Andrew Gold y el guitarrista, bajista y cantante británico Graham Gouldman, ex-componente este último de 10 C.C. La banda se empezó a gestar en 1981, pero hasta que no se produce la disolución de 10 C.C en 1983 es cuando ya Gouldman y Gold se ponen en serio a trabajar y componer canciones en Inglaterra creando Wax como nuevo proyecto musical. Su primer disco saldría en 1986 titulado Magnetic Heaven con la producción de Phil Thornalley, que contenía un single que les llevaría al éxito Right between the eyes, una canción que eclipsó al resto del disco, y por la que mucha gente les consideró una banda de one hit wonder, es decir, banda de un solo éxito. Pero curiosamente y aunque este es sin duda su tema más radiado y conocido, no fue número 1, cosa que si consiguió el tema Bridge to your heart de su segundo álbum American english de 1987.
Os dejo con el tema y vídeo de Right between the eyes.
Como decía días atrás, el pasado 13 de enero la banda escocesa Belle & Sebastian editó nuevo álbum de estudio titulado Late developers con el que el grupo da continuidad solo ocho meses después a A bit of previous, de hecho se grabó en Glasgow en las mismas sesiones de estudio, y también sale a través de Matador Records. Quizás en este caso las canciones son más modernillas y con ritmos más bailables como demostraba su primer single I don't know what you see in me, con una agradable melodía y un ritmo animado. Luego tuvimos el tema When we were very young, una buena pieza pop donde la voz del cantante y sus teclados dominan la canción. Y más tarde llegó So in the moment con un riff de guitarra inicial acelerado, para que entre la melodía pop, las voces y esa gran mezcla se convierta en un gran tema. Ahora hablo del tema que da título al álbum, ese Late developers, animada tonada donde a un ritmo interesante le dan empaque la mezcla de voces masculina del cantante y las coristas.
Como dije en su día en el año 2020, The Mavericks editaron por fin un álbum con temas íntegramente en castellano el 21 de agosto de ese año y bajo el título de En Español. Raúl Malo (de origen cubano) a la voz y guitarra, Eddie Pérez a las guitarras, Jerry Dale McFadden al piano y órgano y Paul Deakin a la batería sigue siendo la formación que navega entre el country, el tex-mex, el son cubano, las rancheras, la americana y con esa mezcla entre música latina y rockabilly que tan bien se les da. Aquí han tenido la colaboración de The Fantastic Five a los vientos y cameos de Flaco Jiménez, Alberto Salas, Glen Garuba o Lisset Diaz. Su base de operaciones está en Miami y no en Memphis, por lo que su música bebe de muchos estilos variados y quizás no son tan puristas, pero para mí la calidad sigue muy alta. El 21 de mayo de 2021 salió la edición Deluxe de este magnífico disco en el que se mezclan versiones con temas originales, y en el que había un tema que no salió en la edición inicial, un tema en vivo y un remix.
Ese tema nuevo era Por ti (Yo quiero ser) que posee un ritmo tremendo, y que quizás quien sabe puede que se convierta en el futuro próximo del grupo si siguen por ahí.
Os dejo con el tema y vídeo de Por ti (Yo quiero ser).
Como decía ayer, Ron Gallo, el artista norteamericano afincado en Nashville, Tennessee (de regreso ya por la Philadephia que le crió), Tennessee, editará el 3 de marzo su nuevo álbum que lleva por título Foreground music. Un disco donde el músico grita a las constructoras que convierten los vecindarios en anodinos anuncios de AirBnB, a los mandamases corporativos que deciden cuanto cuesta la música, y a los extremistas empeñados en provocar un apocalipsis de destrucción racial y civil. En definitiva se enfrenta de alguna forma a los villanos de nuestra sociedad e intenta ayudar a los aplastados por ellos, siempre con un toque de humor y riéndose de lo absurdo que es todo. Estará de gira por España en mayo presentando este álbum...
El tema que da titulo al disco salió como single hace un par de meses, en onda garagera y con un divertido vídeo, es muy disfrutable. Ahora tenemos otro adelanto titulado At least I'm dancing, una divertida pieza que mezcla estilos, tiene cambios de ritmo tremendos y con muchos detalles.
Os dejo con el tema y vídeo de At least I'm dancing.
Como decía días atrás, el pasado 13 de enero la banda escocesa Belle & Sebastian editó nuevo álbum de estudio titulado Late developers con el que el grupo da continuidad solo ocho meses después a A bit of previous, de hecho se grabó en Glasgow en las mismas sesiones de estudio, y también sale a través de Matador Records. Quizás en este caso las canciones son más modernillas y con ritmos más bailables como demostraba su primer single I don't know what you see in me, con una agradable melodía y un ritmo animado. Luego tuvimos el tema When we were very young, una buena pieza pop donde la voz del cantante y sus teclados dominan la canción. Y ahora llega So in the moment con un riff de guitarra inicial acelerado, para que entre la melodía pop, las voces y esa gran mezcla se convierta en un gran tema.
Ron Gallo, el artista norteamericano afincado en Nashville, Tennessee (de regreso ya por la Philadephia que le crió), Tennessee, editará el 3 de marzo su nuevo álbum que lleva por título Foreground music. Un disco donde el músico grita a las constructoras que convierten los vecindarios en anodinos anuncios de AirBnB, a los mandamases corporativos que deciden cuanto cuesta la música, y a los extremistas empeñados en provocar un apocalipsis de destrucción racial y civil. En definitiva se enfrenta de alguna forma a los villanos de nuestra sociedad e intenta ayudar a los aplastados por ellos, siempre con un toque de humor y riéndose de lo absurdo que es todo. Estará de gira por España en mayo presentando este álbum...
El tema que da titulo al disco salió como single hace un par de meses, en onda garagera y con un divertido vídeo, es muy disfrutable.
Como dije allá por el mes de noviembre del año pasado, Van Morrison no para y editará nuevo álbum de estudio el 10 de marzo de 2023 con el título de Moving on Skiffle. Es un disco de homenaje al Skiffle, un género de gran éxito en Reino Unido en la década de los 50, tras su recorrido en Estados Unidos en la década de los 20. Su pasión por el Skiffle se remonta a su infancia, ya que pasaba el rato en la famosa tienda de discos Atlantic Records de Belfast, donde escuchaba folk, blues y jazz de principio de siglo de la mano de Lead Bally y Jelly Roll Morton. Pero hubo un momento de cambio, cuando escuchó la versión de Lonnie Donegan de Rock island line, ahí entendió con clara intuición la música que estaba creando. En poco tiempo Van estaba tocando en una banda de skiffle de la escuela, y de ahí en adelante ya sabemos que pasó... Them, y luego su magnífica carrera en solitario.
Se trata de 23 nuevos temas (se intuye otro disco doble) donde las letras hablan de la libertad de vivir en tus propios términos, y de tener tu propia filosofía de vida. Han tocado en el disco Dave Keary a las guitarras, Pete Hurley al bajo, Colin Griffin a la batería, Sticky Wicket a la tabla de lavar y Seth Lakeman tocó el violín en 5 canciones. En su mayor parte, El León de Belfast tocó estas canciones directamente, varias de ellas cuentan con sus propios arreglos, mientras que otras selectas presentan sus propios giros estilísticos. Casi todos son temas tradicionales arreglados por Van Morrison, así que los hace suyos.
Tuvimos un primer adelanto titulado Streamline train, una pasada de medio tiempo que nos muestra al maestro en un gran estado de forma. Y ahora tenemos el tema Worried man blues, otra fabulosa tonada con gran ritmo y Van en estado de gracia, temazo.
Siii,siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 345 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un especial dedicado a una serie de discos colaborativos hechos en conjunto por dos músicos, un músico y un grupo o incluso dos grupos que se fusionan.
Suenan por orden Van Morrison & Linda Gail Lewis, B.B. King & Eric Clapton, J.J. Cale & Eric Clapton, Mark Knopfler & Emmylou Harris, Robert Plant & Alison Krauss, Lou Reed & Metallica, Ben Harper & Charlie Musselwhite, Billie Joe & Norah, Wilko Johnson & Roger Daltrey, Deke Dickerson & Los Straitjackets, Sting & Shaggy, Bobby Gillespie & Jehnny Beth, Sexy Sadie & Big Toxic y Los Coronas & Arizona Baby.
Os dejo con el programa y espero que os guste tanto a como a mí grabarlo.
Como dije a finales del año pasado, el 24 de febrero de 2023 saldrá a la venta una banda sonora en formato doble del que fuera líder de Super Furry Animals, Gruff Rhys, titulada The Almond & The Seahorse. El film está dirigido por Celyn Jones y Tom Sterm y la banda sonora será lanzada como una edición limitada en vinilo que incluirá un póster de la película a través todo del sello Rough Trade Records. El disco estará formado por 22 composiciones y cuenta con las colaboraciones de La Orquesta Nacional de Gales, Charlotte Gainsburg, Rebel Wilson o la propia Celyn Jones.
Amen fue el primer adelanto, con melodía de piano es un medio tiempo que se convirtió en el motivo musical principal del drama que narra, y que se repite en varias ocasiones a lo largo de la cinta. Ahora llega Layer upon layer con un ritmo bastante vivo y ruiditos electrónicos, una canción que recuerda a la época de Gruff con su banda.
Gruff Rhys y su tema Layer upon layer de este 2023.
Como decía días atrás, el pasado 13 de enero la banda escocesa Belle & Sebastian editó nuevo álbum de estudio titulado Late developers con el que el grupo da continuidad solo ocho meses después a A bit of previous, de hecho se grabó en Glasgow en las mismas sesiones de estudio, y también sale a través de Matador Records. Quizás en este caso las canciones son más modernillas y con ritmos más bailables como demostraba su primer single I don't know what you see in me, con una agradable melodía y un ritmo animado. Ahora tenemos el tema When we were very young, una buena pieza pop donde la voz del cantante y sus teclados dominan la canción.
The Byrds iniciaron su andadura musical con Mr. Tambourine Man en 1965, donde había unas cuantas versiones de Bob Dylan, pero también canciones propias con las que en su conjunto deslumbraron y asentó las bases del folk-rock y un primigenio jangle pop. En ese mismo año editaron un segundo álbum, el Turn! Turn! Turn! de factura similar, cuyo tema que daba título al disco era una gran adaptación de una pieza del compositor folk Pete Seeger, con el que rompieron en las listas. Gene Clark se postuló como líder compositivo (las versiones de Dylan bajan a solo dos), canciones de calado sentimental y preciosismo melódico, pero donde el uso de la Rickenbacker de doce cuerdas de Roger McGuinn da un sonido genuino a la banda. Por otro lado estaban las armonías vocales de David Crosby, mientras Chris Hillam era el bajo y hacía coros y Michael Clarke el batería.
Recordar que Terry Melcher seguía trabajando con ellos y tocó el órgano es He was a friend of mine, además de producir el álbum.
Wait and see era un tema compuesto por Jim McGuinn y David Crosby, que tira hacia el pop desde el folk, y donde esa Rickenbacker lleva el peso de la melodía.
Sirva este tema de homenaje al recientemente desaparecido David Crosby que se nos fue el pasado día 18, que también formó parte de Crosby, Still, Nash & Young, y cuya carrera en solitario fue extensa, además de colaborar con muchos músicos, se me vienen a la cabeza Joni Mitchell, Neil Young, Jefferson Airplane, Stephen Stills, Graham Nash, Jackson Browne, James Taylor, etc...
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