Bruce Springsteen editó dos discos de una tacada en 1992, Human touch y Lucky Town, ambos grabados sin la E Street Banda, aunque realmente uno se complementaba con el otro, se notaba que venían de las mismas sesiones de grabación. Sin embargo Roy Bittan tocó teclados en Human touch y en 3 temas de Lucky Town, los mismos en los que puso voces Patti Scialfa, mujer del Boss. Son 2 discos excepcionales, pero en Lucky town hay varios de mis temas predilectos, uno de ellos es Better days, que fue single. Este disco estaba lleno de frescura, alegría y luz. 5 años de silencio discográfico remendado con dos buenos discos.
Better days es un tema típico de la factoría del Boss, con tintes pop y guitarras rockeras se disfraza gracias a la producción de pieza folk-rock, pero lo que es innegable es la fuerza con la que canta y la energía que transmite.
Como decía anteayer, Jon Spencer, un tipo inquieto donde los haya, tiene nuevo proyecto junto a los incendiarios The HITmakers cuyo primer álbum ha salido el 1 de abril titulado Spencer gets it lit! Después de una dilatada carrera con su banda de siempre, The Jon Spencer Blues Explosion, además de sus otras formaciones como Boss Hog, Pussy Galore o Heavy Trash, ahora lleva lo clásico al extremo y mezcla de todo un poco, estilos como el electro-boogie, blues sucio, sonido pantanoso, toques punks, algo de psicodelia, rock industrial incluso, en canciones candentes y perversas sobre el amor, la pérdida, la lujuria, la vida, con esa estética freaky en onda The Cramps. The HITmakers son Sam Coomes a los teclados, Bob Bert a la guitarra y M. Sord a la batería.
De los singles que han ido saliendo anteayer hablé de Junk man, pieza de teclados incendiarios y de aire garagero y trash, y cuyo vídeo es una gozada. Luego fuimos con Worm town donde el rock sucio te atraviesa, con ese riff constante y machacón además de sus cambios tremendos. Y ahora tenemos Death ray va en esa onda de rock sucio, con cambios de ritmo y discursos de Jon qua más que cantar suelta soflamas con riffs de guitarra incendiarios que le adornan.
Como dije hace un mes, la banda británica Def Leppard editará nuevo disco de estudio el 27 de mayo titulado Diamond star halos, el que será su duodécimo álbum de estudio, siete años después de su disco homónimo en el sello Universal Music. Ha sido grabado en tres países diferentes con el cantante Joe Elliot en Irlanda, el bajista Rick Savage en Inglaterra y los guitarras Phil Collen y Vivian Campbell más el batería Rick Allen en Estados Unidos. Son 15 nuevos temas, más dos bonus tracks en la edición extendida, y que incluye influencias glam de T-Rex o David Bowie, incluso Mott the Hoople. Hay colaboraciones en el trabajo de gente de la talla de Alison Krauss en dos temas y Mike Garson en otros dos.
El primer single se titulaba Kick, y era un tema rockero donde las guitarras mandan, mientras tiene estribillo coreable y muy adictivo. Ahora llega Take what you want con un inicio más a medio tiempo para luego rockear sin compasión, enorme tema.
Lo avisé en los primeros días del año, una nueva banda surge llamada The Smile, y es una de esas formaciones curiosas que sale de la escisión de una gran banda, Radiohead con su líder Thom Yorke y su guitarrista Jonny Greenwood que se han unido al batería de jazz Tom Skinner de la banda Sons of Kemet. Han ido adelantando algunos temas en actuaciones en directo, aunque su álbum de debut estaba en proceso final de creación (andaban liados con el orden de los temas y tal), pero ya tuvimos un primer single de adelanto titulado You will never work in television again con producción de Nigel Godrich y francamente era lo más guitarrero en mucho tiempo que hemos oído a cualquier miembro de Radiohead, y es evidente que son los propios músicos los que deciden como suenan sus temas, tengan un productor u otro.
Finalmente el álbum saldrá a la luz el 13 de mayo con el título de A light for attracting attention, y a parte de aquel primer adelanto han salido un par más, pero es el que ha salido esta semana titulado Free in the knowledge el que me ha llamado la atención, con guitarra acústica y la voz de Yorke que realmente impacta de una manera especial.
Os dejo con el tema y vídeo de Free in the knowledge.
Como decía ayer, Jon Spencer, un tipo inquieto donde los haya, tiene nuevo proyecto junto a los incendiarios The HITmakers cuyo primer álbum ha salido el 1 de abril titulado Spencer gets it lit! Después de una dilatada carrera con su banda de siempre, The Jon Spencer Blues Explosion, además de sus otras formaciones como Boss Hog, Pussy Galore o Heavy Trash, ahora lleva lo clásico al extremo y mezcla de todo un poco, estilos como el electro-boogie, blues sucio, sonido pantanoso, toques punks, algo de psicodelia, rock industrial incluso, en canciones candentes y perversas sobre el amor, la pérdida, la lujuria, la vida, con esa estética freaky en onda The Cramps. The HITmakers son Sam Coomes a los teclados, Bob Bert a la guitarra y M. Sord a la batería.
De los singles que han ido saliendo ayer hablé de Junk man, pieza de teclados incendiarios y de aire garagero y trash, y cuyo vídeo es una gozada. Ahora vamos con Worm town donde el rock sucio te atraviesa, con ese riff constante y machacón además de sus cambios tremendos.
Jon Spencer, un tipo inquieto donde los haya, tiene nuevo proyecto junto a los incendiarios The HITmakers cuyo primer álbum ha salido el 1 de abril titulado Spencer gets it lit! Después de una dilatada carrera con su banda de siempre, The Jon Spencer Blues Explosion, además de sus otras formaciones como Boss Hog, Pussy Galore o Heavy Trash, ahora lleva lo clásico al extremo y mezcla de todo un poco, estilos como electro-boogie, blues sucio, sonido pantanoso, toques punks, algo de psicodelia, rock industrial incluso, en canciones candentes y perversas sobre el amor, la pérdida, la lujuria, la vida, con esa estética freaky en onda The Cramps. The HITmakers son Sam Coomes a los teclados, Bob Bert a la guitarra y M. Sord a la batería.
De los singles que han ido saliendo hoy me quedo con Junk man, pieza de teclados incendiarios y de aire garagero y trash, y cuyo vídeo es una gozada.
Como dije hace ya unos tres de meses, este próximo 22 de abril saldrá a la luz el tercer álbum de la banda de Dublin Fontaines D. C. titulado Skinty Fia, que según el bajista de la banda Conor Deegan III es una expresión del tipo "por el amor de Dios" representativa de su cultura. La formación de quinteto sigue inalterable con Grian Chatten que es el cantante, Carlos O'Connell toca la guitarra y hace coros, Conor Curley es guitarra y toca piano, más coros, Tom Coll es el batería y Conor Deegan III es el bajista y también hace coros. Su primer trabajo titulado Dogrel, ya dejaba claro que había una nueva banda de post-punk y tonos oscuros que salía a la palestra y de indudable calidad, cosa que corroboraron y mejoraron en su segundo trabajo, el magnífico A hero's death.
De este nuevo álbum tuvimos un primer adelanto titulado Jackie down the line, con ese tono oscuro evidente y un estilo inconfundible, gran tema. Luego vino el segundo single de adelanto titulado I love you, con ese bajo del inicio que me recuerda claramente a Joy Division, y con esa guitarra con referentes en The Cure, para luego desarrollar una melodía oscura y muy atrayente (ojo a la entrada de la batería), en la que su cantante tiene un protagonismo excepcional por su manera de cantar y expresar y que me tiene absolutamente volada la cabeza. Más tarde llegó el tercer single, canción que da título al trabajo con un bajo muy presente y un sonido muy en onda Manchester, pero de un tono muy oscuro en todo su minutaje. Y ahora tenemos el cuarto adelanto titulado Roman holiday, un medio tiempo de gran nivel, donde la voz Grian se mece y sobrevuela por encima de guitarras que chirrían y marcan el ritmo, maravilloso tema.
Siii, siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 305 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un especial dedicado a mis discos favoritos de debut y que más me han marcado musicalmente, una décima parte.
Suenan por orden The Lovin' Spoonful, Canned Heat, Steppenwolf, Tom Waits, Madness, Def Leppard, Stevie Ray Vaughan & Double Trouble, Sex Museum, Traveling Wilburys, PJ Harvey, Cracker, Fountains of Wayne, The Black Keys, Mando Diao, The Sunday Drivers, The Kills, Maxïmo Park y The Soul Jacket.
Os dejo con el programa y espero que os guste tanto como a mi grabarlo.
Como decía ayer, In step era el cuarto trabajo de estudio de Stevie Ray Vaughan y sus Double Trouble. Desde la edición de Soul to soul en 1985 Stevie había vivido un infierno de drogas y alcohol, del que el tejano fue saliendo hasta quedar limpio por 1989 y con un disco debajo del brazo realmente potente. Nuevos temas y viejos clásicos de Howlin' Wolf, Willie Dixon o Buddy Guy componían el trabajo, que tiraba más hacia el Rhythm and blues, mezclado con soul y rock que hacia el blues. Pero aquí hay solos de guitarra de quitarse el sombrero, y un primer single que abría el disco que es de esos temas que apuntalan una carrera musical, con ese riff de guitarra casi diría asesino y que te atraviesa, esa canción era The house is rockin'. Hoy hablo de Crossfire, composición de todos los Double Trouble al completo que posee un solo de guitarra de Stevie de esos brutales.
Os dejo con Crossfire tocado en directo en Austin, Texas.
In step era el cuarto trabajo de estudio de Stevie Ray Vaughan y sus Double Trouble. Desde la edición de Soul to soul en 1985 Stevie había vivido un infierno de drogas y alcohol, del que el tejano fue saliendo hasta quedar limpio por 1989 y con un disco debajo del brazo realmente potente. Nuevos temas y viejos clásicos de Howlin' Wolf, Willie Dixon o Buddy Guy componían el trabajo, que tiraba más hacia el Rhythm and blues, mezclado con soul y rock que hacia el blues. Pero aquí hay solos de guitarra de quitarse el sombrero, y un primer single que abría el disco que es de esos temas que apuntalan una carrera musical, con ese riff de guitarra casi diría asesino y que te atraviesa, esa canción era The house is rockin', composición de Doyle Bramhall y el propio Stevie Ray Vaughan y que tiene algo de Chuck Berry en la base.
Os dejo con el tema y vídeo de The house is rockin'.
Como dije a finales del año pasado, otra banda legendaria que regresa son los suecos The Hellacopters, con nuevo single 13 años después de aquel álbum Head off, aquel disco de versiones que sirvió de despedida de esa primera y gloriosa época. Nicke Andersson, su cantante y guitarrista, no ha estado parado ni mucho menos, ha producido discos (Morbus Chron o a los españoles '77) y formó otra banda, los fabulosos Imperial State Electric con los que editó cuatro discos de estudio, un EP y un disco de directo. Y claro la vuelta de The Hellacopters (que ya anunció en el programa de televisión La Hora Musa) trae novedades y una de ellas es que Ask-Dregen vuelve a la guitarra, que después de salir del grupo habiendo sido miembro fundador, formó Backyard Babies (a la que se dedicó por completo después de grabar dos discos con The Hellacopters), también tiene a Dolf de Borst (líder de The Datsuns) como bajista.
Editarán nuevo álbum de estudio (ya serán 14 años después) el día 1 de abril de 2022 con el título de Eyes of Oblivion, pero ya escuchamos en su momento un primer adelanto titulado Reap a hurricane, un pepinazo rockero que tiene todas las características que les hicieron grandes en la mitad de la década de los 90 y la primera década de este siglo. Luego tuvimos el tema que da título al trabajo, Eyes of oblivion, una canción muy rockera y que tiene una energía desbordante.
Hablé también de Done fighting quizás la canción que más me recuerda a Imperial State Electric, otro temazo rockero que suena de vicio, aunque irá como cara B. Y luego llegó So sorry I could die, un medio tiempo de buena calidad con una letra algo irónica de que lo siente mucho hasta el punto de morir. Ahora viene Positively not knowing, temazo de rocvk eléctrico con un ritmo brutal y que es de los que te vuelven un día malo en bueno.
Como decía hace unos días,Kurt Vile ha editado nuevo álbum el 15 de abril, el sucesor de Bottle it in de 2018 y que lleva por título (Watch my moves) en su nuevo sello discográfico Verve Records. El disco ha sido grabado con su banda habitual The Violators con la ayuda en la producción de Rob Schnapf y contando con colaboraciones de Cate Le Bon, Chastity Belt, Stella Mozgawa de Warpaint, la percusionista Sarah Jones o incluso James Stewart de Sun Ra Arkestra.
Han salido a estas alturas ya varios adelantos del trabajo, pero Mount airy hill (way gone) ha sido el que me ha llegado y no puedo dejar de escucharlo, un medio tiempo de melodía y atmósfera muy adictiva y con un punteo de guitarra de aires hawaiianos, realmente brutal. Parecido me pasa con Like exploding stones, aunque en este caso se me emparenta con su antigua banda The War on Drugs con ese aire etéreo y tiene la colaboración de James Stewart. Luego tuvimos Hey like a child, un medio tiempo de aire a Lou Reed con ese fraseo en vez de cantar, interesante canción. Más tarde llegó Flyin (like a fast train) otro medio tiempo donde la guitarra eléctrica dibuja arpegios, mientras Kurt recita más que canta. Y ahora tenemos Fo sho, una canción de ritmo rockero que transmite la guitarra en un medio tiempo de muy buena calidad.
Como dije hace un par de meses, Calexico editó el 8 de abril nuevo álbum titulado El mirador, el décimo álbum de la banda de Tucson, Arizona, comandada por John Convertino y Joey Burns, y donde milita hace ya unos añitos nuestro querido Jairo Zavala de Depedro, aunque ahora solo colabora. Según la nota de prensa se anuncia como "un faro esperanzador y caleidoscópico de rock, reflexiones de blues y sonidos latinoamericanos, una oportunidad para mirar hacia adentro, reflexionar sobre nuestras conexiones con la Tierra y su gente y, con suerte, iluminar el camino a seguir".
Todo surgió en la casa de Sergio Mendoza en Tucson, grabando el pasado verano, mientras Convertino vive en El Paso y Burns en Boise (a donde se ha mudado). Jairo Zavala sigue colaborando con ellos y también lo hace la cantautora guatemalteca Gaby Moreno. Es evidente que tanto en el título del disco, como en su single de adelanto que es el mismo, hay muchas influencias lingüisticas de la zona de la frontera entre Estados Unidos y México.
El Mirador era un tema que mezclaba lenguas, estilos y es un viaje de lo más interesante musicado de manera deliciosa. Más tarde tuvimos en segundo adelanto, Harness the wind, una deliciosa pieza a medio tiempo y musicada de una manera perfecta. Y luego tuvimos Rancho azul, rítmica pieza con guitarras que corren, adornos de secciones de viento y una melodía muy atractiva donde hay mezcla de rock, pop, surf, etc., en el tema del que hablo hoy se atreven con una cumbia, algo que refleja la mezcla de estilos que contiene el trabajo, la canción tiene unos vientos estupendos y se llama Cumbia peninsula.
Pj Harvey editaría en 1992 su álbum de debut titulado Dry, un trabajo fresco de una artista que ya mostraba su inquebrantable madurez y personalidad musical, que luego le ha acompañado durante toda su carrera. Los primeros pasos de Polly Jean fueron en la banda Automatic Dlamini, grupo que formó John Parish, con quién Pj Harvey luego tendría estrecha relación musical y por Rob Ellis que es batería también en este nuevo proyecto, además de participar en la producción y composición de varios temas, mientras que Steve Vaughan al bajo completaba el trío que grabó este primer disco de su carrera. Este power trío moldeó un sonido crudo pero contundente, alejado de las grandes producciones, y centrándose en lo esencial. Letras llenas de sexualidad, feminismo, política, etc...
Dress es mi tema favorito de este álbum, de letra impactante y quizás de las canciones más fácilmente asimilable del trabajo, por eso fue sacada como single, de sonido hard rock, estribillo pegadizo y un ritmo fantástico.
Como decía hace unos días,Kurt Vile ha editado nuevo álbum el 15 de abril, el sucesor de Bottle it in de 2018 y que lleva por título (Watch my moves) en su nuevo sello discográfico Verve Records. El disco ha sido grabado con su banda habitual The Violators con la ayuda en la producción de Rob Schnapf y contando con colaboraciones de Cate Le Bon, Chastity Belt, Stella Mozgawa de Warpaint, la percusionista Sarah Jones o incluso James Stewart de Sun Ra Arkestra.
Han salido a estas alturas ya varios adelantos del trabajo, pero Mount airy hill (way gone) ha sido el que me ha llegado y no puedo dejar de escucharlo, un medio tiempo de melodía y atmósfera muy adictiva y con un punteo de guitarra de aires hawaiianos, realmente brutal. Parecido me pasa con Like exploding stones, aunque en este caso se me emparenta con su antigua banda The War on Drugs con ese aire etéreo y tiene la colaboración de James Stewart. Luego tuvimos Hey like a child, un medio tiempo de aire a Lou Reed con ese fraseo en vez de cantar, interesante canción. Ahora llega Flyin (like a fast train) otro medio tiempo donde la guitarra eléctrica dibuja arpegios, mientras Kurt recita más que canta.
Os dejo con el tema y vídeo de Flyin (like a fast train).
Stevie Ray Vaughan era un guitarrista texano de blues, que revolucionó el estilo y lo modernizó siendo uno de los grandes bluesman modernos. Su sonido fue siempre muy característico, tocando la fender stratocaster que él armaba con un set de cuerdas muy duras que empezaban con una 0.013 (alambres para tender la ropa) y cuya técnica era absolutamente genial, teniendo un talento descomunal y siendo Jimi Hendrix por ejemplo uno de sus referentes, al que versionó mejor que nadie en varias ocasiones. Editó su primer trabajo Texas Flood en 1983, un tremendo primer disco que le puso en boca de todos, con el acompañamiento de los Double Trouble, un bajista y un batería, Tommy Shannon y Chris Layton respectivamente. Al igual que su máxima influencia murió demasiado joven en 1990 a los 35 años en un accidente de helicóptero cuando iba de gira con la banda de Eric Clapton.
Este trabajo tiene la gran virtud de ser un disco movidito, nada de blues relajado, y con enormes canciones compuestas por Stevie, además de algunas excelentes versiones de Howlin' Wolf o Buddy Guy, entre otros.
De sus temas propios Love struck baby iniciaba el disco, con trazas de rock and roll vertiginoso muy pegadizo y esa esencia blues de base tan característica.
Def Leppard, la banda británica de Sheffield editó su primer EP en enero de 1979 siendo adolescentes todavía sus integrantes, por ejemplo Rick Allen contaba solo con 16 abriles. Gracias al éxito de ese Ep en su país natal, siendo muy radiados alguno de sus temas, consiguieron rápidamente un contrato discográfico que les permitió grabar su primer disco largo, que saldría en marzo de 1980, On through the night, y que les situó como abanderados del New Wave of British Heavy Metal junto a Iron Maiden. Se trata de un debut tremendo, hecho por músicos con mucho por aprender aún, pero con un ingenio para saber elegir su propio camino y piezas que ya daban que hablar. La formación de quinteto que graba el disco es Joe Elliott a la voz y coros, Steve Clark a la guitarra solista y rítmca y coros, Pete Willis a la guitarra solista y rítmica y coros, Rick Savage al bajo y coros y el citado Rick Allen a la batería. Wasted es uno de los temas del disco que fue single y que siguen tocando en vivo, un rock de mucho empaque y muy de su época desde luego, con estribillo coreable.
Madness, la formación británica editó su disco de debut en 1979 con el título de One step beyond... en el sello Stiff Records. Esta banda surgió de la época new wave inglesa pero tenían influencias del ska, el reggae y el pop estilo The Kinks, haciendo una mezcla fantástica en este primer disco. Música variada, divertida (banda ideal para fiestas), con ritmos jamaicanos, toques de pop de cabaret y garajeros también en esa Gran Bretaña de finales de los 70, emparentados con The Specials quizás. Un trabajo este, que igual te llevaba por las calles de Londres (no en vano son de Camden Town), como a la selva africana.
El tema que daba título al trabajo One step beyond es un clásico del ska pop, cono unos vientos portentosos y un ritmo vertiginoso.
El disco de debut del artista de Pomona Tom Waits tuvo lugar en 1973 y llevaba por título Closing time. Se trata de un disco lleno de hermosas melodías, mucha sensibilidad en aire melancólico y un tono reflexivo, tranquilo y agridulce. Musicalmente dominan las sonoridades jazzísticas con tramos de folk y country, y en muchas de las canciones hay una base acústica junto a un lastimero sonido de piano de ambiente de bar nocturno, con producción de Jerry Yester, algo que le convierte en uno de los discos más accesibles del músico.
Ol' 55 es un emocionante tema que inicia el trabajo, una joya coreable cuya letra reza "Las estrellas empiezan a desvanecerse, y yo encabezo el desfile. Deseando haberme quedado un poco más..."
La banda californiana Steppenwolf editó su primer disco homónimo en 1968. A finales de 1967 una banda canadiense llamada Sparrow y liderada por John Kay, un tipo cuya familia había huido de Alemania Oriental, se asentaba en Los Ángeles. Allí conocieron a Gabriel Mekler, músico y miembro del staff de Dunhill Records quién sugirió a Kay el cambio de nombre del grupo, en parte preocupados por las duras leyes locales de inmigración, y buscando una identidad americana para pasar camuflados. Se cambiaron a Steppenwolf inspirados en una novela de Herman Hesse, y pasarían a formar parte de la historia del rock por su propuesta innovadora y original, que serían la base de muchos cimientos de la evolución del rock en la siguiente década setentera. Este primer disco homónimo de 1968 tendría un sonido muy fresco y natural y es sin temor a equivocarme uno de los grandes discos de debut de la historia, incluyendo una de esas canciones por las que un grupo pasa directamente al olimpo del rock, el mítico Born to be wild con ese rock duro de base blues y ritmos acelerados y que fue utilizada en la película Easy rider. La formación que graba este primer álbum es John Kay a la voz, guitarra rítmica y armónica, Michael Monarch a la guitarra solista y coros, Goldy McJohn al órgano y piano, Rushton Moreve al bajo y coros y Jerry Edmonton a la batería.
The Lovin' Spoonful fue una formación neoyorkina que editó su primer álbum en 1965 titulado Do you believe in magic. Esta banda tiene su origen en el Greenwich Village donde Fred Neil, Bob Dylan y Tim Hardin dieron sus primeros pasos. En este ambiente intelectual del legendario barrio de New York, cuatro jóvenes de entre 21 y 22 años decidieron crear su propio grupo de rock con influencias de la música folk que escuchaban en clubs de la zona. The Beatles habían marcado el camino y en ese momento eran ya la cúspide y muchas formaciones intentaban emular esa fórmula de éxito, sin embargo este grupo no querían ser otra formación inspirada en los Fab Four si no algo fresco y claramente americano, explotando las raíces de la música de Estados Unidos bajo el pop imperante de aquel momento.
Los miembros que graban este primer disco son John Sebastian a la voz, guitarra, autoarpa, armónica y órgano, Zal Yanovsky a la guitarra acústica y eléctrica y coros, ambos eran el núcleo central, Steve Boone al bajo y coros y Joe Butler a la batería.
Tentados por el mismísimo Phil Spector para producir su primer álbum, decidieron declinarlo para grabar con el reciente sello Kama Sutra Records más dispuestos a respetar la identidad que el grupo quería crear. Su primer sencillo fue Do you believe in magic que llegó al puesto 9 en las listas, cuyo éxito hizo que se les apremiara a grabar el primer disco de manera apresurada para aprovechar el tirón. El resultado global fue muy interesante con una mezcla de folk, blues y rock and roll pasado por ese tamiz pop antes citado. El uso del autoarpa y los sutiles solos de guitarra de Zal otorgaban una sonoridad original muy bien aceptada por el público.
Ese primer single que daba título al disco es una canción alegre, de melodía fastuosa y un desarrollo fantástico.
Os dejo con Do you believe in magic en la televisión en su día en el show de Ed Sullivan.
Canned Heat fue una banda radicada en Los Ángeles, California y fundada en 1965, que editaron su primer álbum homónimo en 1967. Ellos dentro de la escena musical rock de la costa oeste americana eran un caso anómalo, ya que a pesar de existir otras bandas que hacían rock-blues como The Steve Miller band o The Paul Butterfield Blues Band entre otras, y otras formaciones de folk o acid-rock que incorporaban elementos cercanos a la tradición blues, Canned Heat se distinguían y no tenían rivales por su cuidadísimo estilo y su originalidad. Es un grupo capital y muy importante, ya que su grandeza no solo residía en su base blues, si no también en su afán por revivir y volver a introducir las grandes carreras de ilustres bluesmen, además de una formación que era muy genuina improvisando. La formación era el californiano Bob Hite a la voz, apodado "The bear" (El Oso) por su imponente estampa de persona pasada de kilos, el bostoniano Alan Wilson, apodado "Blind owl" (Búho ciego) a la guitarra armónica y voces, ambos miembros fundadores que se conocieron en 1965 unidos por su pasión por el blues, Henry Vestine alias "Sunflower" era el otro guitarra y que fuera miembro de The Mothers of Invention de Frank Zappa, Larry Taylor alias "The Mole" (El topo) (conocido hasta entonces como bajista de The Monkees) que era su bajista de estudio hasta que se unió por completo al grupo en la década de los 70, junto al batería Frank Cook, aunque finalmente el batería definitivo sería el mexicano Adolfo "Fito" de la Parra ya en el segundo álbum. El nombre del grupo viene del tema Canned heat blues, canción de Tommy Johnson de 1928 que hablaba de un alcohólico que bebía desesperadamente. Este primer disco está lleno de versiones tremendas de blues y boogie rock, que empezaban con el mítico Rollin' and tumblin' el clásico de Hambone Willie Newbern y que popularizó Muddy Waters.
Os dejo con el Rollin' and tumblin' por Canned Heat en vivo en 1967.
Como decía a principios de año, otra mítica banda australiana que edita trabajo en 2022 serán Midnight Oil que han editado el pasado 18 de febrero Resist. La formación volvió en 2017, después de un largo parón, en un emocionante concierto en el pub Salinas de Sidney, un sitio legendario. En medio de aquel concierto, su líder Peter Garrett dijo "Furia, furia contra la muerte de la luz", nunca olvidemos lo reivindicativa que esta banda, su ecologismo y su implicación en el cuidado de la Tierra. Agotaron entradas en 77 conciertos de 16 países en una gira llamada Great Circle Tour, recorriendo Europa y haciendo un concierto memorable en la zona despoblada de Australia, y como final volvieron al estudio, editando nuevo material en 18 años, aquel disco fue The Makarrata project, a la vez que fallecía su bajista original Bones Hillman en 2020, pero este es el primer disco de estudio en condiciones desde el parón del grupo allá por 2002, cuando Peter Garret su líder quería desarrollar su carrera política en las filas del Partido Laborista Australiano, donde fue elegido diputado en 2004, para luego ser Ministro de Medio Ambiente en 2007 y Ministro de Educación en 2010.
Ahora vienen 12 nuevos temas en Resist, del que ya tuvimos dos adelantos y el que me tiene volada la cabeza es el segundo, Tarkine, un medio tiempo soberbio, en el que siguen denunciando tala indiscriminada de árboles y demás ataques al planeta. El primero era Rising seas, otro gran tema donde la vena rockera sale más a la luz, aunque el comienzo es tranquilo y cuya letra habla de la crisis climática de forma implacable. Más tarde vino At the time of writing, quizás el más incisivo y rockero musicalmente hablando donde la banda demuestra un estado de forma brutal con su vídeo tocado en directo en su estudio. También tuvimos We resist donde siguen expresando la urgente necesidad de tomar conciencia en torno a la crisis climática y el colapso ecológico, pero no solo se anclan en señalar los daños producidos por el hombre y dan ideas acerca de lo que puede hacerse para contrarrestar los efectos de nuestra propia irresponsabilidad ecológica, mientras musicalmente es un tema lento de melodía al piano que va teniendo un lento crescendo. Lost at sea es de mis temas favoritos del trabajo con un bajo muy destacado en toda la canción, mientras Garret lleva la manija con su siempre destacable voz, dentro de un ritmo que de menos a más. To the ends of the earth sigue con su reivindicación de que nos vamos cargando el planeta y nos encaminamos hacia su final, en un medio tiempo de aire más bien acústico. Ahora tenemos Reef, otro tema reivindicativo acerca del daño que hacemos en los mares y arrecifes, y que musicalmente tiene una base de folk-rock en un muy buen tramo hasta que entra el solo de guitarra brutal y termina de manera rockera, para acabar en el tono del inicio.
Como dije aquí allá por el mes de octubre del año pasado, a tenor de su single Taking me back, se barruntaba nuevo trabajo de Jack White, pero a principios de año se confirmaba que no será solo uno si no dos, el pasado 8 de abril salió Fear of the dawn (donde estará aquel single Taking me back) y el 22 de julio verá la luz el segundo con el título de Entering heaven alive, ambos saldrán en su sello Third Man Records. Al parecer cada uno tendrá personalidades definidas por "diferentes inspiraciones, temáticas y estados de ánimo" según la nota de prensa. Taking me back era un tema realmente llamativo, con tintes futuristas, muy rockero, con un constante golpeteo de batería, riffs de guitarra duros y sobre saturados, además de un arreglo musical intergaláctico (me recuerda algo a Muse), en definitiva toda una experiencia sonora, hipnótica y electrizante, algo bastante lógico en un musicazo como este. El otro single titulado Love is selfish, nos muestra el lado más acústico del genio de Detroit, así que toca disfrutarlo, pero que va incluido en Entering heaven alive.
También tuvimos otro adelanto, el tema Fear of the dawn, que da título al disco que saldrá antes muy rockero, de vertiginoso ritmo y de una potencia brutal. Y luego tuvimos un single colaborativo con el artista de rap y hip-hop Q-Tip, titulado Hi-De-Ho, también incluido en Fear of the dawn y donde se mezclan el rock de White y el estilo del rapero. Luego llegó What's the trick? tema rockero de mucho ritmo y donde White se siente muy a gusto con sus efectos y sonidos que adornan. Y ahora tenemos Eosophobia, uno de esos temas donde la experimentación y la mezcla de diferentes tipos de sonidos, voces dobladas y su guitarra produce un gran tema.
Como llevo diciendo un tiempo, otra veterana banda que editó nuevo trabajo este pasado 25 de febrero son los alemanes Scorpions, con el título de Rock believer. Esta publicación irá acompañada de gira a partir de marzo y que empezará en Las Vegas para recorrer Estados Unidos y luego casi toda Europa, con de momento solo una parada en España en el Festival Rock Imperium en Cartagena (Murcia) el 25 de junio de este 2022. Según declaraciones de Klaus Maine, cantante de la banda: "El álbum se compuso y grabó con el ADN de Scorpions y las composiciones centrales de Shenker/Meine. Grabamos el álbum como una banda en directo en una habitación, como hacíamos en los ochenta".
El primer single lanzado muy a finales del año pasado se llamaba Peacemaker, y era un potente y vertiginoso rock que nos hace ver que la banda está todavía muy en forma. El tema que da título al álbum es otro de los singles y después de un comienzo rockero, tiene una pausa donde recuerdan tiempos de juventud, para volver a la melodía del inicio y desarrollar una canción con tintes radiofónicos pero muy coreable. Luego tuvimos Shining of your soul, tema rockero y clásico que me recuerda bastante al estilo del grupo en discos como Blackout o Love at first sting. Más tarde hablé de Seventh sun, rock a medio tiempo y más pausado, pero que mantiene vivo el estilo de la banda. Poco después de When you know (Where you come from) una de las baladas del trabajo, un medio tiempo que recuerda a grandes clásicos del grupo. Luego vino otro de los temas rockeros del disco Knock 'em dead con un estribillo demoledor. También escuchamos Roots in my boots con un comienzo demoledor de la batería, gritos de Maine y un tremendo tema rock de factura impecable, parecen unos chavales. También hablé de Crossing borders, un buen medio tiempo rockero, donde la banda parece estar con el elixir de la juventud aún. Y hace un tiempo Shoot for your heart, tremendo tema rockero y de mucho ritmo, con la banda en un estado de forma excelente que nos recuerda sus mejores tiempos. Ahora tenemos Gas in the tank, la canción que inicia el disco, muy rockera y a mil revoluciones con estribillo demoledor.
Os dejo con Gas in the tank en vivo en los Peppermint Studios.
