Brian Wilson - Reimagines Gershwin (2010)

Y qué mejor para acabar el año, que este regalo musical, ¿verdad? Estamos sin duda ante uno de los genios del siglo XX, el ex-líder de los Beach Boys, uno de los mejores grupos vocales que han existido, Don Brian Wilson, qué después de sus experiencias de toda clase y condición con las drogas que le volvían paranoico (la marihuana) y el LSD que le dejaba atontado, parace haberlo superado y firma en la actualidad discos como éste, de una extraordinaria calidad.

En este disco podemos encontrar multitud de estilos musicales, desde el pop más agradable, al music hall, a baladas estilo Sinatra (sigue cantando muy bien), alguna bossanova, temas que recuerdan a los Beach Boys, eso es indudable, es sin duda un disco variado en toda la extensión de la palabra.

Y bien, en cuanto a las canciones del disco, empieza con una introducción en forma de armonías vocales, para continuar con The like in I love you, una pieza fantástica de pop atemporal en la que Brian canta de lujo. Summertime es otra joya, una versión con un sentido más jazzístico y casi de music hall. I loves you Porgy es una balada tierna. I Got plenty O' Nuttin' es una instrumental jovial, con instrumentos de viento muy bien alternados. It ain't necessarily so es otro clasicazo de proporciones gigantes dónde Brian por momentos recuerda aquellas armonías vocales de los Beach Boys. 's Wonderful es una bossanova extraordinaria, quien lo diría, pero parece como si fuese hermano de Antonio Carlos Jobim... They can't take that away from me, sin duda es la canción que recuerda con más fuerza a los Beach Boys, una canción suculenta por todos sus recovecos, armonias vocales, piano a tope, y una composición excelsa... y a disfrutar (en una fiesta como esta noche es ideal). En Love is here to stay vuelve el Brian más romanticón casi en plan crooner, a lo Sinatra, con base de jazz. I've got a crush on you es otra melodía donde manda el piano y la voz perfecta. I got Rhythm es una canción que nos recuerda de manera inevitable a los Beach Boys, con sección de vientos mandando, y alegre melodía. Someone to watch over me es otra balada en tono clásico. Nothing but love es quizás la canción más movida y rockerilla del disco donde vuelven a mandar las armonías vocales. El disco se despide con la misma Rapsodia del principio. En fin, espero que disfruteis en este fin de año con este disco espléndido.

Os dejo con The like in love you.

Mejor Canción de B.S.O. de 2010.

Y como broche final, este gran honor recae en la canción que Muse hicieron para la banda sonora de Eclipse, de la saga Crepúsculo. Ya saben que la autora de los libros en los que se basan estas películas, es una fanática de este grupo británico. Disfruten y Feliz Año Nuevo!

P.D.: El vídeo tiene los subtítulos en español de la letra (El amor es para siempre).

Las mejores canciones de 2010.

Y como final de año, había dejado separado a posta la elección de las mejores canciones de este año, con su correspondiente vídeo. La verdad es que ha sido un año muy prolífico, y puede que a veces las mejores canciones no estén en los mejores discos y otras veces si. Ésta es mi elección.

1.Robert Plant - Angel dance (sin duda, extraordinaria versión y buen vídeo)

2.The Gaslight Anthem - Boxer (En directo)

3.Band of Horses - Compliments (En directo)

4.Belle & Sebastian - I want the world to stop (Siguen siendo bárbaros)

5.Enrique Bunbury - De todo el mundo (Canción enorme y no digamos el vídeo)

David Guetta y su nuevo invento...

David Guetta ha creado una aplicación para hacer música con un IPhone.
Y aquí alguien poniénolo en práctica, parece divertido, no?

Un disco de Navidad. Royal Crown Revue - Don't be a Grinch this Year! (2010)

Bueno, en estas fechas es lo habitual escuchar un disco de Navidad. Aquí os presento el más reciente que tengo, adquirido en el "extraño" concierto del Teatro Lara. He de decir que el disco supera bastante mis expectativas iniciales, ya que este tipo de discos suelen ser bastante lineales, y con las típicas versiones. En este caso, la presencia de Jennifer Keith a la voz acompañando a Eddie Nichols en varias canciones le da un toque sugerente.

El disco nada entre el swing, el jazz, el boggie y  por momentos se sumerge en el rockabilly, y algo de rock and roll de una manera fantástica, con algún campanazo navideño de fondo. La Royal Crown Revue es una big band por momentos y en otros se aleja de ese concepto, aunque sin ser algo que influya de manera excesiva en el resultado final del disco.

En cuanto al disco en si, comienza con una felicitación de la banda en forma de speech en Christmas Greetings, para luego seguir con la canción que da título al disco donde Nichols canta genial, como siempre. En Cool Yule, primera versión, aparece la voz de Jennifer Keith que está acertada. Sigue con Blue Christmas, la versión más rockera sin duda y con un sonido potente. Christmas lights es dulce, delicada con la voz de Jennifer. Take it back la más jazzística. Good King Wenceslas otra versión en plan jazz. El mítico White Christmas (Blanca Navidad) cantada por Jennifer de manera talentosa. Booggie Woogie Santa Claus, versión en tono boogie y Baby it's cold outside emulando duetos míticos del jazz. Otra versión clásica como Little Drumer Boy sirve de momento de gloria al excelso batería y al contrabajista de la banda. El disco acaba con la felicitación navideña de turno en Merry Christmas to all (pieza extraordinaria) y Hey Santa, muy marchosa y rockabilly.

Este es mi regalo de Navidad. Disfrútenlo y Felices Fiestas. 

BON JOVI BABY!!!

Lo de los niños, y en concreto lo de los bebés es algo increíble. Miren a este niño, vive el rock and roll desde pequeñito, la canción es lo de menos, pero ya está preparado para ir a conciertos... se le ve en la cara, como disfruta con los acordes del padre. Este chico será rockero, sin duda.

El comienzo de los Backstreet Boys Rusos...

Todo acontecimiento singular tiene su comienzo, y el nacimiento de este grupo que a todos nos ha conmovido surgió hace muchos años de ésta forma, disfruten de ellos... El baile del pañuelo al lado de esto no tiene parangón...

Lo mejor de 2010.

Se acaba el año y es hora de ir haciendo balance. Voy superando en rapidez al telepizzero de mi barrio y a la velocidad que pude he realizado mi impresión sobre este año. Estos son, bajo mi opinión, y según lo que he oido, los mejores discos internacionales, nacionales, y los mejores conciertos a los que pude acudir, a parte de recomendaros alguna buena película que vi.

*MEJOR DISCO INTERNACIONAL

The Gaslight Anthem - American Slang

Black Rebel Motorcycle Club - Beat the devil's tattoo

Band of Horses - Infinite Arms

The Coral - Butterfly House

Tom Petty & The Heartbreakers - Mojo

*MEJOR DISCO NACIONAL

Enrique Bunbury - Las consecuencias

Niños Mutantes - Las Noches de Insomnio

Lori Meyers - Cuando el destino nos alcance

Supersubmarina - Electroviral

Havalina - Las hojas secas

*MEJORES DIRECTOS

Eli 'Paperboy Reed' & The True Loves + The Right Ons, Sala Joy Slava (7-1-2010)

Arctic Monkeys, Palacio Vistalegre (5-2-2010)

Roy Loney + Señor No & The Hi-Risers, Sala El Sol (10-2-1010)

Airbourne + '77, Sala Joy Slava (24-2-2010)

Iggy and The Stooges, Sala La Riviera (30-4-2010)

Deke Dickerson & The Modern Sounds + The Untamed Youth, Sala El Sol (10-6-2010)

Muse, Estadio Vicente Calderón (16-6-2010)

Chris Isaak, Palacio de Congresos (29-6-2010)

The Dandy Warhols, Sala Heineken (1-8-2010)

The Coral, Sala Caracol (10-11-2010)

*CINE (Recomendaciones)

Invictus de Clint Eastwood

Origen de Christopher Nolan

This is it de Kenny Ortega y Michael Jackson

El Hit del Trololololololololo... (The Trololo Song)

Este año la cantera rusa nos ha deleitado con los más famosos bailes, cantatas y alegorías de todo tipo y categoría. Pero todo partió de este genio, ya de hace unos añitos y al que mucha gente imita en sus reuniones familiares, botellones y actos festivos de toda clase y condición. Disfruten de esta pepita de oro que no tiene réplica.

Grupos de un sólo disco (II) The Seahorses - Do it yourself (1997)

Corría el año 1997 y al amigo John Squire se le ocurrió montar este grupo en pleno apogeo de lo que se dió en llamar el Brit-Pop. Los Stone Roses estaban ya desperdigados, con Ian Brown por otro lado, etc... Así que el guitarrista de los Míticos Stone Roses decidió hacer la guerra por su cuenta y lo bordó. Cogió a un chaval que cantaba por la calle y le puso a cantar, buscó a un buen bajista y a un batería excelso que hiciese coros. El resultado no se puede catalogar de otro modo que delicioso. ¿Porqué no duraron más? Pues algo oí de egos, de que fué algo intermedio y pasajero, pero caramba, ¡¡¡si este disco era muy bueno!!!

El estilo del disco camina entre claras influencias de los Beatles, y se empapa también de la idea dominante en los 90 en Gran Bretaña, pero quizás este grupo tiraba más a las buenas melodías y composiciones, más allá de poses o de salir en prensa de todo tipo. Tocaron en grandes festivales como Glastonbury y un servidor les pudo ver en Madrid en la Sala Caracol en un concierto memorable.

En cuanto al disco, no tiene desperdicio alguno. Redondo de principio a fin. Empieza con I want you to know una rompedora canción para empezar, con la voz de Chris Helme ya destacando (¿qué habrá sido de él?) dónde John Squire con su guitarra juega, se desparrama, se mueve, se desliza de una manera sublime, y además su sonido es limpio, cristalino. Blinded by the sun es una balada de proporciones gigantescas dónde la guitarra vuelve a destacar y los juegos de voces son terriblemente bellos. Suicide drive es una canción rápida que en poco tiempo está bien definida. The boy in the picture es una pequeña joya, delicada. Love is the law fué el single, una canción que suena a brit-pop por los 4 costados, con sólo de guitarra con ecos del grupo madre de John, que se sale. Happiness is eggshaped es la canción sin duda más alegre y jovial del disco. Y llega la pepita de oro del disco, bajo mi punto de vista, Love me and Leave me, baladón, clasicazo, llámese obra maestra (con ayuda a la composición de Liam Gallagher si, si, el cantante de Oasis), delicada y bella de principio a fin, con coros devastadoramente grandes. Round the universe es otra canción rápida que da el contrapunto necesario. 1999 es una canción despreocupada, acorde al disco plenamente. Standing on your head es la canción más oscura y psicodélica del disco, sin duda. Para finalizar una pieza suave y bien cantada, perfecta para acabar.

No pararán de oirlo, aquellos que no lo conozcan, y los que lo conocen, el recuerdo.

Os dejo con el vídeo del single tocado en Glastonbury.

Band of Horses - Infinite Arms (2010)

Permítanme presentarles, el que para mi es uno de los discos de este año, sin duda, que ya agoniza. Y en este rush final descubrí este disco (Gracias amigo Calata, tu siempre con los oidos abiertos). Band of Horses fue creado por Ben Bridwell (guitarra, voz) y Mat Brooke (guitarra) en el 2004 después de que su grupo anterior, Carissa’s Wierd se desintegrara. Este grupo de Seattle (cuna del grunge) comenzó su andadura en el 2005 cuando editaron su debut Limited Edition Tour EP, que se vendió exclusivamente en sus presentaciones en vivo y en el sello dónde apareció.

A partir de ahí el grupo fué creciendo más y más, hizo dos discos muy buenos, hasta editar esta joya, dulce, sosegada, y rebelde por momentos llamada Infinite Arms, que me tiene embelesado.

En cuanto al disco, su primer single fué Compliments, una canción rotunda desde el principio, voces, guitarras y ritmos al unísono. Simplemente una maravilla. Antes, el disco comienza con Factory, una melosa y dulce composición, que cada vez que la oigan quedarán tan atrapodos/as, que se la pondrán una y otra vez (Ecos de Simon & Garfunkel...). Laredo es una obra maestra de canción, rockera, con esas voces maravillosas (Ecos de Wilco, como no), esta canción tampoco podrán dejar de oirla. Blue beard quizás sea la canción más tranquila del disco, un buen contrapunto para lo que viene después. On my way back home, empieza a remontar el vuelo otra vez, como esa ave que recupera la alegría. Infinite Arms es delicada, dulce, apasionada por momentos. En Dilly volvemos a los Band of Horses más rápidos y trepidantes... y a la vez delicados en las voces. Evening kitchen sigue siendo otra canción estilo Simon & Garfunkel, aunque quien lo diría con la pintas que tienen estos hombres (apuntan más al grunge). Older es una canción de estilo country a medio tiempo, espléndida (se me empiezan a acabar los calificativos). For Annabelle tiene quizás el lado más country (Ecos del Neil Young más country). Northwest apartment es rebelde, guerrera, y bella a la vez, recupera esa energía tan necesaria para darle la variedad necesaria al disco. Para acabar Neighbor, una canción dominada por las voces con estruendo guitarrero para finalizar. 

Qué decir, para mi un gran disco (creo que a mis colegas 61 & 49 y Tomás Verlein les encantará, si no lo conocen) y de lo mejorcito de este año. Puede que lo siga rayando durante mucho tiempo.

Os dejo con el vídeo de Laredo.

Enrique Morente & Lagartija Nick - Omega (Disco) (1996)

Este es mi homenaje sentido a este pedazo de artista. Este disco es una auténtica obra maestra, una vía nueva para el flamenco que lo acercaba al siglo XXI, justo cuando agonizaba el siglo XX.

La primera vez que escuché este disco me quedé con la boca abierta y aún hoy me sigue poniendo la piel de gallina al oirlo. Yo conocía ya a Lagartija Nick, un grupo de rock psicodélico granadino, que es muy respetado musicalmente (tengo algunos discos de su primera época), pero aquí la fusión entre el cantaor y sus paisanos es algo sublime, que encaja maravillosamente, una aleación perfecta y sólida. Lorca, Leonard Cohen, Nueva York, Granada, local y global... todo uno. Evidentemente, fué aquí cuando descubrí a Morente, un cantaor que venía del cante jondo, pero que ya había mostrado unas miras y un talante innovador, que le granjearon no pocas críticas de parte del sector más purista y de muchos críticos que ahora le adulan y lloran su muerte.

Refiriéndonos al disco, empieza con la canción que da título al mismo, maravillosa, furiosa por momentos, delicada en otros, se te hacen cortos los casi 11 minutos que dura. El pequeño Vals vienés, refleja esa mezcla que consigue de versos de Lorca con la música de Leonard Cohen. Manhattan (...después conquistaremos Berlín) menuda adaptación y versión para la posteridad de Leaonard Cohen, donde Estrella Morente arropa a su padre de manera genial. En canciones como el Pastor Bobo, La Aurora de Nueva York (con Vicente Amigo a las 6 cuerdas), Sacerdotes, Vals en las ramas, etc., está el cantaor a pleno pulmón, de dónde el venía, no puede renegar de ello y tampoco lo hacía. En Niña ahogada en el pozo se ve esa mezcla perfecta de la que hablo, Cañizares y el grupo de Antonio Arias ensamblan a la perfección guitarras flamencas y de rock. En Adán me encanta la guitarra de Isidro Muñoz y pos supuesto el Morente de más quejío. Vuelta al paseo es, simplemente una de esas maravillas que da gusto oir siempre (Asesinao por el cielo...). La versión adaptada por Morente de Aleluya (Hallelujah de Leonard Cohen), con la guitarra de Vicente Amigo mezclada con Lagartija es muy consistente. Para acabar con versos del poeta en Norma y paraiso de los negros y Ciudad sin sueño. Porque ésta era la visión de Enrique Morente sobre "Poeta en Nueva York" de Federico García Lorca otro granadino estelar.

Interesante colaboración de la hija del genio, Estrella Morente a las voces.

Supongo que hay gente que entra en este blog, que no le gusta el flamenco, y es lógico, pero escuchen este disco, y no les decepcionará. He estado varias veces en Granada y siempre me venía este disco a la cabeza paseando por sus lugares más emblemáticos.

Les dejo con el vídeo en directo de Ciudad sin Sueño en aquel programa de Bosé, Septimo de Caballería, ¿se acuerdan?

Ha muerto Enrique Morente, gran renovador del flamenco.

Nacido en el Albaicín (Granada), en 1942, el cantaor se impregnó desde la infancia de artistas locales como Juanillo El Gitano, Cobitos o la familia Habichuela y, a partir de la adolescencia buscó su propia voz desde el flamenco más tradicional.

Morente es considerado el mejor adaptador al flamenco de poemas de Miguel Hernández, García Lorca, los Machado, Lope de Vega, Bergamín, San Juan de La Cruz, Guillén ó Rafael Alberti.

Él ha mezclado y fusionado el flamenco con otros estilos como jazz o rock (recordaremos siempre su disco con Lagartija Nick, Omega) siendo criticado por los puristas, pero alabado por los músicos y el público entendido.

Fué el primero en recibir el Premio Nacional de Música y en 1995 recibió la Medalla de Oro de la "Cátedra de Flamencología" de Jerez de la Frontera.

Se nos ha ido uno de los grandes, y nos deja pobres, muy pobres. Se dice que algo raro pasó en el hospital, porque en principio se operaba sólo de una hernia, pero todo se complicó en el postoperatorio. Descanse en paz.

Os dejo con un directo donde Enrique canta con su hija Estrella.

Black Rebel Motorcycle Club - Beat the devil's Tattoo (2010)

Siento una especial debilidad musical por los trios, y éste es uno de ellos. Se trata de un grupo de San Francisco cuyo rock es oscuro, sureño, sucio en ocasiones, pesado en otras, pero simple, con un lado acústico con harmónicas. Peter Hayes tiene una voz medio salida de la resaca, y eso unido a los riffs de guitarra de Robert Levon Been le conceden un puesto, para mi, muy importante dentro del rock americano actual. Aunque ellos nunca han estado a la moda de nada, su estilo desde que empezaron hace ya más de 10 años no es precisamente comercial.

Después de haber sacado un disco de directo, se esperaba con ganas este nuevo trabajo, y la verdad es que no han decepcionado, sino muy al contrario, han hecho un disco magnífico. Me recuerda por momentos al primero, ya que si que han recuperado mucho de aquel, pero aquí amplian la gama y parece como un Greatest Hits con nuevas canciones, eso si. Quizás es menos folk-rock y más rock-garajero, pero eso no es ningún problema, ya hicieron con Howl su disco de folk-rock.

En cuanto a las canciones, es una colección de buenas, buenísimas canciones. Empieza con la que da título al disco que va de menos a más. Luego para mi están 2 joyas de gran calado como Conscience killer y Bad blood. War machine es de esa clase de canciones pesadas. Sweet feeling recupera aires del folk. Evol es una obra maestra de esas que sólo ellos saben fabricar. Mama taught me better es otro rock trepidante y acelerado. River Styx es una vuelta al lado pesado y más oscuro. En The toll vuelven al lado acústico. De la parte final destacar Shadow's Keeper, suena a clásica canción de ellos. En cuanto a los dos bonus tracks (esta edición contiene 2) me parecen ambos excepcionales, sobre todo Martyr.

Os dejo con el vídeo de Beat the devil's tattoo.

Concierto Ilegales - Madrid, Sala Penélope (11-12-2010)

Ilegales llegan a su fin y como despedida han hecho un gira grande que tuvo su colofón ayer en Madrid. Lo que falló, y se veía venir desde el principio era la sala, una discoteca (antígua Mopu), dónde nos metieron como a becerros, aparte de ser un sitio que no está preparado para estos eventos. Sigo diciendo que Madrid no tiene salas para conciertos en condiciones.

Al grupo de Jorge Martínez, se le ha querido meter muchas veces dentro de un sector de grupos macarras que realmente no le corresponde. Creo que es un grupo que a lo largo de su carrera ha demostrado mucha calidad, variedad y buenas canciones salpicadas con gotas de humor y reivindicación social en algunos casos en todos los discos que han hecho, 9 de estudio y algún directo.

Empezaron el concierto en formación de trio con canciones clásicas de la banda como Yo soy quien espía los juegos de los niños (memorable comienzo), Agotados de esperar el fin, El Norte está lleno de frío, etc... sus canciones más pop-rock. En un segundo tramo pasaron a formación de quinteto (se incorporaron saxofonista y percusionista-teclista) para tocar canciones que en algunos momentos sonaron espléndidas en estilo ryhtman blues y blues, como Lavadora blues, Suena en los clubs un blues secreto, etc...

Más tarde vino el momento más rockero y macarra, con gotas de sonido punk y ye-yé en algún momento, otra vez en formación de trio, representado por canciones como Problema sexual, Caramelos podridos, Soy un macarra, Odio los pasodobles, Eres una puta, etc...

Con el público entregado y en éxtasis se llegaba al tramo final (en la que Jorge sacó su Caperucita Roja, es decir, la Stratocaster roja) donde cayeron clasicazos como Enamorados de Varsovia, Ángel Exterminador,  Tiempos Nuevos, Tiempos Salvajes y otras. En algunos momentos Jorge explicó que tocaron canciones nunca ante interpretadas en directo como por ejemplo "El piloto".

Siento decir, que eché de menos en el repertorio elejido canciones de un disco que para mi es espléndido como El apostol de la lujuria (He regresado, Jesusito de mi vida, Caperucita Roja).

Al final el concierto duró casi tres horas y se me hizo un poco largo, pero claro hay que entender que era un concierto de despedida. Ahora Jorge inicia otro proyecto llamado Jorge Ilegal y los Magníficos en el que esperamos tenga buena suerte.

Os dejo con el tema Problema sexual, interpretado en vivo en Oviedo en 2002.

When You are Strange - Nuevo film sobre The Doors

Se trata de un documental dirigido por Tom DiCillo, y que tiene como narrador del mismo al gran Johnny Depp. Al parecer el documental muestra la cara oculta de los californianos y a la vez retrata un poco la sociedad americana de los 60. Hay imágenes inéditas de la vida de Jim Morrison grabadas por él mismo, imágenes de la historia del grupo desde 1965 hasta la muerte del líder del mismo en 1971, desde los inicios en la UCLA hasta sus grandes conciertos. Morrison sale bastante bien parado, a pesar de haber sido en vida un auténtico desastre, y estar casi todos los dias borracho y drogado.

El iPod de Bono contiene...

Según la revista Rolling Stone, el iPod de Bono está lleno de canciones de su gran maestro, David Bowie.

Las lista es esta:

01. Space Oddity
02. The Man Who Sold the World
03. Changes
04. Five Years
05. Life on Mars
06. Starman
07. Lady Grinning Soul
08. The Jean Genie
09. John, I'm Only Dancing
10. Young Americans
11. Fame
12. Warszawa
13. Heroes
14. Ashes to Ashes
15. Up the Hill Backwards

Anda que es tontico el Bonorrrllll... va a tiro hecho.

Muertos antes de tiempo (I) Jeff Buckley - Grace (1994)

Os presento a uno de mis músicos preferidos. Mucho se ha dicho sobre él, desde que muriese repentinamente a la edad de 30 años ahogado en el Wolf River, afluente del Mississippi. Era hijo de un cantante, Tim Buckley y Mary Guibert (que se ha encargado de su legado). Nacido en Los Angeles en 1966, casi no conoció a su padre, debido a su pronto fallecimiento (por una sobredosis de heroina) siendo él muy pequeño, además de que sus padres ya estaban separados. Cantaba, en el tono de voz, muy parecido a su padre, pero los estilos eran diferentes. En 1990 se traslada a Nueva York, y allí empieza a tocar en varios locales, como el café Sin-É, un café muy estrecho del Village. Lo importante no era que Buckley fuese hijo de quien era, casi cantaba como su padre y a la vez no cantaba como su padre. Pronto se empezaría a hablar de él. Sacó un EP grabado en el café citado, que dió mucho que hablar en 1993. A partir de ahí decenas de compañías corrieron detrás de él con el contrato en la mano, y firmó por Sony, grabando un año después Grace, su único disco largo en vida.

Su potencial era enorme, se dice que su rango vocal era de al menos cuatro octavas y media. Su estilo de música se define en dos variantes, por un lado le llamaba el rock, un rock desgarrado de la parte este de New York y por otro lado la vena de cantautor, pero no uno al uso, sino que tocaba con la guitarra eléctrica como si fuese una acústica y se acompañaba con ella, con la que producía momentos de una intoxicante profundidad.

En cuanto al disco en si, es una maravilla de principio a fin, una joya, que empieza con una canción que va de menos a más como Mojo Pin con un interesantísimo increscendo, para pasar a la canción que da título al disco, una canción de su época, a medio tiempo. Last goodbye describe muy bien el estilo melancólico de muchas canciones de Buckley en la que canta de manera tremenda (los técnicos dicen que lo borda).

Seguimos con la primera de las tres versiones del disco, Lilac Wine, de James Shelton, donde vuelve a interpretar como los ángeles, saber apreciar un tema lento como éste denota que se tiene buen oído. So real, es otra canción de ese estilo rockero, con cambios de ritmo geniales y demostración vocal de altos vuelos. Y llegamos al momento cumbre para mi del disco, y tiene muchos, pero la versión del Hallelujah de Leonard Cohen, merece un punto y aparte. Esa manera despaciosa de utilizar los silencios, las pausas, ese tono tan personal cargado de sugerencias de su voz (el propio Cohen llegó a decir que no la cantaría más porque era la mejor versión que había oido y superaba a la original, luego cuando se vió obligado a hacer gira porque su agente le dejó casi en la ruina, tuvo que cantarla en sus shows, se le perdona). Love, you should've come over es otra demostración de maestría a la hora de cantar, aparte de una gran canción. Corpus Christie Carol es una versión de una canción de iglesia del siglo XVI terriblemente preciosa, tema que me conmueve de manera indescriptible. El final del disco es abrumador con Eternal Life, la canción más rockera del disco, un clásico en sus directos y Dream Brother la más psicodélica, sin duda, con unos cambios y unas subidas y bajadas antológicas.

El disco recibió en su momento enormes críticas, grandes críticas, pero las ventas no eran buenas. Pero es que este disco hay que escucharlo detenidamente, como se degustan los buenos vinos. Buckley murió como las flores cercenadas a punto de florecer, y por ello nos quedamos apenados y un poco más pobres por su pérdida.

Os dejo con el vídeo de Grace.

Hoy se cumplen 30 años del asesinato de John Lennon.

El 8 de diciembre de 1980, en el edificio Dakota de Nueva York, Mark David Chapman le pegaba 5 tiros a John Lennon, el Beatle rebelde, uno de los grandes iconos del siglo pasado, y una de las mentes más prolíficas, talentosas y descomunales que el mundo del arte ha tenido, y el de la música en particular.

La vida de John Winston Lennon, posteriormente John Winston Ono Lennon (Liverpool, 1940) fué una montaña rusa desde su comienzo. De niño tuvo que irse a casa de sus tios, y separarse de su madre que, más tarde, fué atropellada por un policía borracho, cuando John tenía 17 años (Le compuso la canción Julia en el disco blanco de los Beatles).

Cuando Lennon conoció a McCartney pasaron de llamarse The Quarrymen a The Beatles, y a partir de ahí se gestó uno de los duetos compositivos más productivos de la historia, sino el que más. El carácter diplomático y controlador de McCartney fué clave para templar la impulsividad y la tendencia al caos de Lennon, y durante mucho tiempo fué su amigo y contrapeso emocional, hasta que llegó Yoko Ono. Juntos formaron una arrolladora asociación a la hora de componer, y una relación que, a lo largo de la carrera de los 4 fantásticos, pasó del amor al odio en varias ocasiones. Y cuando los Beatles empezaban a dar tumbos en sus relaciones internas, que no en la música, apareció Yoko Ono, nacida en Japón (aunque residente en EEUU desde los 2 años), que ejerció un poder de absorción sobre el genio, que a su vez encontró en ella, en parte, a la figura materna que le fué arrebatada.

Juntos Lennon y Ono formaron otro tándem, en cuya base, el músico se basó para dar forma a canciones de su época en solitario, muchas de ellas reivindicativas, como Give peace a chance, hasta la inmortal Imagine. ¿Os imaginais cuantas más canciones del nivel de Imagine podría haber compuesto? Me cabreo al pensarlo.

Tan lleno de altos y bajos, de contradicciones, como de una genialidad desbordante, John Lennon forma parte de la memoria colectiva universal. Hace 30 años nos arrebataron a un pedazo de músico, probablemente su lucha pacifista en un pais como EEUU le granjeó no pocos enemigos, aunque según dicen algunos de sus amigos, allí en Nueva York había encontrado la paz.

Es increíble a la cantidad de músicos a los que ha influido, su tóno ácido en muchas canciones le daba un carácter especial a sus composiciones. 30 años han pasado y le seguiremos echando de menos toda la vida.

Su carrera en solitario tuvo momentos sublimes, y otros de muy buen nivel y algunos menores.

Para mi, su legado musical es tan grande, que no malgastaré ni una sola palabra en su asesino. 

En el mes de marzo está previsto que aparezca en nuestras pantallas "Nowhere boy" dirijida por Sam Taylor-Wood y protagonizada por Aaron Johnson, basado en la traumática infancia y adolescencia del músico, ya estrenada en octubre en EEUU con motivo del 70 aniversario del nacimiento de Lennon.

Os dejo con la versión en directo de Imagine en 1972.

Los chicos de cine de barrio rusos...

Después de los Backstreet Boys rusos, están los Russian Boys, que podríamos decir que son algo así como el Parada y el argentino del piano de cine de barrio, aunque quizás sus bailes sean algo fuera de lo normal. Disfruten de esta pareja que no tiene parangón... Vaya Hit!!!

Grupos de un sólo disco (I) Mo Solid Gold - Brand New Testament (2001)

Aquí les presento a uno de esos grupos que duró sólo un disco, pero que disco, damas y caballeros. Hablar de él me produce una sensación magnífica, ya que a todas las personas que se lo di a oir les gustó sin reparos. Este grupo británico realizaba una mezcla de soul y rock muy potente.

Lo suyo es una mezcla de los Stooges, algo de Prince y mucho James Brown, ésta última influencia se ve claramente en su cantante, K, que en directo es una bomba de relojería, con sus 2 metros de altura, se lo dice uno que le vió en directo de teloneros de Ocean Colour Scene, a los que barrieron en actitud, los Ocean tienen enormes canciones pero no se mueven mucho en vivo. Este hombre de tez negra y altura descomunal lanceaba sus piernas al aire y se movía cual monstruo de varias cabezas por el escenario. Me quedé impresionado en su día y corrí ipso-facto a por el cd de turno.

Como les comento el disco no tiene desperdicio, desde su primer y apabullante canción "Prince of the new wave", para seguir con la canción más soul del disco David's Soul. Love keep on y Spooky too son dos canciones abrumadoras. Colouring in quizás sea la más pop y Miss America in Space una gran balada. El single del disco fué Personal Saviour, uno de esos singles de cabo a rabo que no deja a nadie indiferente. Una canción potente y desbordante. El resto del disco discurre en tonos más soul y gospel con canciones como Ghost in my house, On my mind (muy buena) o Come together.

No sé, a ciencia cierta, porqué el grupo no hizo más discos, pero después de degustarlo coincidirán conmigo en que es una auténtica pena que su talento se quedase ahí.

Os dejo con el vídeo de Personal Saviour que fue el single del disco, dónde se ve la potencia de salto de su cantante.

Redd Kross - Third eye (1990)

Por fin presento uno de esos discos, que no sólo por lo que me gusta, sino también por lo que me costó conseguirlo me da cierto orgullo hablar de él. Durante mucho tiempo este disco era imposible de conseguir para mi, pero en un día de esos raros, en el que encuentras una aguja en un pajar, allí había una copia de este mravilloso disco de esta banda californiana de los hermanos McDonald, si como las hamburguesas.

Una de las características que hizo famoso a este disco, aparte por supuesto de su espléndida música, era que en la portada aparecía un chica desnuda con una careta que ocultaba su rostro. En aquel momento esta chica sólo era la hija de un director de cine muy famoso, pero en la actualidad, tiene fama por si misma, porque ella es ahora una directora de cine de mucho éxito. Se trata de Sophia Coppola, que en aquella época era fanática y amiga del grupo.

Que quieren que les diga, es un disco fantástico de principio a fin, una joya de esas que da gusto ponerte de vez en cuando y degustar paso a paso. El disco empieza con The faith healer, una canción mezcla de rock y pop típica del grupo, después sigue con Annie's gone, un bombazo que aún hoy, siguen tocando en directo (una clásica total), con sus magníficos cambios de ritmo. A destacar también Shonen knife, una canción cercana al grunge, pero sin perder su propio estilo.

Bugglegum Factory es posiblemente la canción más beatle del disco, y otro clasicazo de la banda en vivo. Where I am today quizás sea la canción que más se sale de su estilo, es la más powerpop, pero es una canción excelente. En Zira, volvemos a los Redd Kross más enérgicos junto con 1976 y Debbie & Kim (ésta tirando también al pop). Para finalizar otra perla de gran categoría, Elephant flares.

Espero que guste tanto como a mi, es sin duda, uno de los mejores discos de los 90.

Os dejo con el vídeo de Bugglegum Factory en directo.

Vídeo de Stereophonics en el estadio de fútbol de la ciudad de Cardiff.

Los chicos de Stereophonics han hecho una gira de lo más larga y variopinta y de regreso a su Gales natal han sido recibidos como héroes, y en este vídeo se puede apreciar. El comienzo de la canción, que es Trouble, es espectacular, con los miembros del grupo encabezados por Kelly Jones tocando por detrás del cartel del disco hasta que este cae. Todo un espectáculo.

The Coral - Butterfly House (2010)

Butterfly House es el título del sexto y último álbum de los ingleses The Coral, quienes regresan con su mezcla habitual de pop colorido y luminoso, folk y psicodelia sesentera con influencia de Beatles o Byrds. El disco ha sido producido por John Leckie (The Stone Roses, The Verve, Radiohead, Pink Floyd) y la verdad es que se nota.

He de decir, que esta banda, y no sé el motivo, no han logrado alcanzar la repercusión mediática de otros grupos de las islas y me parece una auténtica lástima, ya que en cuanto a nivel de composición me parecen un grupo espléndido desde que editaran su primer trabajo homónimo en 2002, y lo han seguido haciendo en sus siguientes discos. De todas formas es evidente que después de varias e intensivas escuchas este disco está a la altura de los mejores (los 2 primeros) y que siguen rayando a gran nivel, en directo, como ya os comenté en la crónica de su concierto.

En cuanto a las canciones, el primer single fué 1000 Years, maravillosa canción de pop con aires folk y unos coros fantásticos. El disco empieza con More than a lover una clásica canción del estilo The Coral facturada como sólo ellos saben y Roving jewel otra joya.

Green is the colour es otra de esas canciones pop estupendas. La canción que da título al álbum es otro de los momentos fuertes del disco, así como She's coming around, más oscura.
Disfruten de él, porque es uno de los mejores discos del año.

Aquí les dejo con el vídeo de 1000 Years.

Wau y los Arrrghs!!! - ¡¡¡Viven!!! (2009)

Hace muy poco un entrenador de un equipo de fútbol de primera división de un club modesto le respondió a otro compañero de un club grande llamándole Canalla en un arrebato. Pues esa es justamente la palabra que define a este grupo, porque a parte de su estilo mitad punk mitad garaje, con algunas gotas de rock, ante todo es un grupo con una actitud canalla y gamberra y no exenta de canciones que hacen moverse hasta a un muerto, supongo que de ahí el título del album que además define una de las características del mismo, porque es un disco muy vivo.

Refiriéndonos al disco comienza con canciones como Delincuente y Bli, Blu, Bla que definen claramente de qué va su estilo. Alternan alguna canción en inglés como It's great. La canción que te deja anonadado es Copa, raya, paliza, supongo que descripción de algún altercado vivido o visto por ellos mismos. Para finalizar su sentido homenaje a Link Wray, un clásico.

A estos valencianos no les importa si algo es correcto, porque lo hacen incorrecto, y su espectáculo en directo así lo atestigua. Los que puedan verles en León mañana, podrán disfrutar de ellos, supongo que más salvajes que nunca.

Si quieren ver como se las gastan en directo revisen este vídeo.

Es bueno ser agradecido, y Bono lo es.

En un ejercicio de humildad y sinceridad, el carismático líder de U2 ha señalado a una leyenda del rock como el gran culpable del éxito que vive hoy en día la formación irlandesa. ¿Quién fue esa misteriosa persona que le dio clases magistrales a Bono?

Cuando un grupo vende millonadas de discos por el mundo entero, cuando llena estadios de fútbol y cuando su nombre aparece hasta en las enciclopedias, nadie puede negar que se trata de una de las grandes formaciones que ha parido la historia de la música. Y U2, a pesar de sus detractores, son grandes, muy grandes y toda una referencia internacional. Sin embargo, para llegar hasta la cima se necesita algo más que talento y buenas canciones. Es imprescindible estar en el sitio adecuado en el momento adecuado y contar con algo de suerte. Y si, como le ocurrió al cuarteto irlandés, disfrutas además de la ayuda de David Bowie quien se ocupó del adiestramiento de Bono como artista, entonces todo está listo para reventar la industria.

“U2 le debe muchísimo a David Bowie. Él nos hizo descubrir Berlín y los estudios Hansa donde colaboramos con Brian Eno. Además, su voz 'masculina' va más allá de lo femenino. Y está su despliegue escénico, el intento de ser vanguardista. Bowie no teme usar grandes escalas o dramatizar las cosas. Su repertorio no es solamente el recorrido por una colección de canciones. Siempre hay un sitio para el drama."



David Bowie dió clases de canto a Bono.

La admiración de Bono hacia David Bowie es de tal magnitud que no ha dudado ni un instante en compararle con el Rey del rock:

“No exagero si digo que Elvis es para América lo que David Bowie es para Inglaterra e Irlanda. La primera vez que le vi, cantaba ‘Starman’ en televisión. Era como una criatura caída del cielo. Los norteamericanos mandaron a un hombre a la luna pero nosotros tenemos a ese tipo británico y de madre irlandesa, directamente venido del espacio.”