Johnny Marr se encuentra en un momento muy dulce, editará en breve en el mes de febrero su cuarto álbum en solitario, disco doble lleno de grandes temas que han ido saliendo en Ep's de cuatro temas. Además se le nota muy a gusto con su banda actual y eso se nota cuando en el mes de noviembre reversionaron un clásico de su banda madre, The Smiths, el mítico How soon is now?, tema psicodélico, oscuro, y que fue un single de 1985, una canción cuyo ritmo de guitarra hace estremecer, e incluso Marr se atreve a cantar llegando a niveles parecidos a los de Morrissey, me encanta esta versión de un tema compuesto en su día por ambos.
Os dejo con How soon is now en vivo en The Crazy Face Factory.
Como dije hace ya unos meses, Placebo, la banda inglesa liderada por Brian Molko tienen nuevo disco después de 8 años y saldrá el 25 de marzo de 2022 con el título de Never let me go. Después de varios retrasos ya que el disco estaba proyectado antes de la pandemia, y por diversas circunstancias en el proceso de grabación que se cambió, ellos mismos han dicho que lo han hecho "al revés". El primer single de lo que será el nuevo disco, se titulaba Beautiful James, canción de tono oscuro con mucho sintetizador que acompañan la voz de Molko. La letra era un mensaje acertado sobre el amor y las relaciones humanas sin importar el género, gran reivindicación para poner algo de cordura en un mundo tan polarizado como el que tenemos actualmente. Luego tuvimos el segundo single de adelanto titulado Surrounded by spies, un medio tiempo en la onda clásica del grupo. Y ahora viene el tercero, Try better next time, que me recuerda por momentos a la banda de los años 90 y principios de siglo que encandiló a muchos.
Os dejo con el tema y vídeo de Try better next time.
Siii, siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 291 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un programa dedicado a rescatar discos que merecen la pena y deben quedarse en el tintero de los años 1966, 1976, 1986, 1996, 2006 y 2016.
Suenan por orden Aretha Franklin, Nina Simone, The Alan Parsons Project, Scorpions, Kraftwerk, New Order, Duran Duran, Nick Cave & The Bad Seeds y PJ Harvey, Mark Knoplfer, Rage Againste the Machine, Audioslave, Ben Harper, J.J. Cale & Eric Clapton, Lori Meyers, The I Don't Cares, Car Seat Headrest, Pixies, The Coral y The Wave Pictures.
Os dejo con el programa y espero que os guste tanto como a mí grabarlo.
Como dije hace ya hace meses, Johnny Marr, el que fuera guitarrista de The Smiths, editó nuevo Ep el 15 de octubre de 2021 titulado Fever Dreams Pt.1. Al parecer en esta ocasión, lo que sería su nuevo álbum será repartido en cuatro Ep's, empezando por esta primera parte ese mes de octubre, como es lógico si lo hubiera sacado en álbum sería un disco doble, de hecho lo es. Spirit power and soul fue el primer adelanto de esa primera parte compuesta por cuatro canciones, con mucho sonido Manchester, parece como si hubiera estado en la discoteca The Factory, pero con su sello personal, y le quedó un tema muy bailongo. También en el ritmo hay una reminiscencia del tema Love song de Simple Minds de 1981. Además escuchamos All these days, buen medio tiempo de toque más oscuro. Hace dos meses tuvimos ya un adelanto del Ep que era la parte 2, otros cuatro temas que salieron el 17 de diciembre, aunque hasta el 25 de febrero no se completarán todas las partes. Tenement time era un tema alegre y rítmico, que habla de sus recuerdos de infancia. Luego llegó Sensory street muy en la onda del primer single Spirit power and soul de la primera parte, con mucho sintetizador, y el propio músico la define como "la historia de 48 horas surrealistas en la Inglaterra subterránea". Más tarde hablé de Lightning people un medio tiempo con cierto aire nostálgico e incluso con gotas atmosféricas, buen tema.
Y ahora tenemos un nuevo adelanto, Night and day de lo que será ya el disco que saldrá el 25 de febrero, un muy buen tema de pop con melodía atractiva. Según el propio Marr "hay un conjunto de influencias y un sonido muy amplio que he estado desarrollando, realmente desde que salí de The Smiths hasta ahora, y lo escucho en este disco". Lo que es cierto es que todos los adelantos son de mucho nivel, apunta alto el álbum.
David Bowie hubiese cumplido 75 años el pasado sábado 8 de enero y con ese motivo ha salido a la luz el disco inédito Toy, disponible en una caja de 3Cd's y en una caja de 6 vinilos de 10". Toy es un álbum que fue grabado después de la actuación triunfal de David Bowie en Glastonbury en junio del año 2000. Bowie entró al estudio con su banda, es decir, Mark Plati y Earl Slick a las guitarras, Sterling Campbell a la batería, Gail Ann Dorsey al bajo, Mike Garson al piano, Holly Palmer y Emm Gryner a los coros más Tony Visconti a los arreglos de cuerda y coproducido por el propio Bowie y Mark Plati, con el fin de grabar nuevas interpretaciones de canciones grabadas por primera vez entre 1964 y 1971. La idea del maestro era grabar el disco a la vieja usanza, con la banda tocando en vivo, elegir las mejores tomas y luego lanzarlo lo más rápidamente posible. Pero en 2001, ese concepto de álbum por sorpresa y la tecnología que los respaldara no estaban aún al alcance, lo que hizo imposible publicar el álbum de esa manera. Todo quedó archivado ya que en ese período hubo una divergencia entre Bowie y su casa de discos EMI/Virgin. Pero Bowie no paró e hizo lo que mejor sabía, se embarcó en otro nuevo proyecto, que comenzó con temas nuevos en las mismas sesiones que acabaron formando Heathen, lanzado en 2002 y un disco capital desde mi punto de vista.
Mark Plati dice acerca de Toy: "Es como un momento capturado en el tiempo en un ámbar de alegría, fuego y energía. Es el sonido que desprende la gente feliz al tocar música. David volvió a visitar y examinar en profundidad su trabajo de décadas anteriores a través de una nueva mirada experimentada y una nueva perspectiva, algo parecido me sucede a mí cuando lo reviso veinte años después."
Uno de los temas revisados era el Can't help thinking about me, un single de 1966 puesto al día de manera tremenda.
Os dejo con Can't help thinking about me en vivo en Elysée Montmartre en 1999, muy parecido al concepto que luego traslado en Toy.
El tiempo es inexorable, tal día como hoy en España hace seis años llegaba la noticia de la muerte de David Bowie. Nos había mantenido oculto con su maestría habitual su enfermedad, un cáncer de hígado que le estaba devorando, y cuyas secuelas eran visibles en el vídeo de Blackstar, tema que daba título a su último álbum de estudio, otra vuelta de tuerca más en un artista que no paraba de evolucionar. Free-jazz al estilo Bowie, una locura podía parecer, pero a mi el trabajo que salió a la luz el 8 de enero de 2016 me gustaba y me sigue gustando, dos días después fallecía y se descubría el pastel, se estaba despidiendo, cómo no, a lo grande.
Curiosamente el tema Blackstar tenía un contenido religioso en la letra, donde se hablaba del nacimiento de un líder (Estrella Negra) el día de la muerte del anterior que pide que sigan los demás habitantes de Ormen (supuesto planeta), pero que se da cuenta que al final terminará siendo ejecutado mientras las mujeres se arrodillan y sonríen. Musicalmente un tema tétrico en su inicio con ritmo de tambor y teclados, pero cuya segunda parte después de una transición, tenía un tono más alegre con arpa y sección rítmica.
Como es sabido, Bowie no fue sólo músico en toda la extensión de la palabra, es decir, compositor, intérprete, productor, etc., sino también actor y ocasionalmente pintor. Pero en el terreno musical su peso ha sido enorme, y siendo tan diferente, genuino y auténtico, realmente ha sido una figura inigualable, también incluso en los momentos menos álgidos, que algunos tuvo. Su imagen cambiaba en cada álbum, eso siempre lo cuidaba, pero a la vez lo hacía su música. Por si fuera poco, hablamos de una carrera musical de 51 años, aunque de 2004 a 2009 estuvo algo retirado, bien es cierto, después de su operación de corazón. En todo ese tiempo, una vida entera casi, tocó todos los palos imaginables, pero a la vez inventaba y se reinventaba a si mismo, como siguió demostrando hasta el final de sus días.
Mucha gente consideró que todo lo que tenía que decir acabó a principios de los 80, y yo digo que no, que mucho de lo que hizo en los 90 y en este siglo, es de un nivel superlativo, pero que había que entender por donde iba. Cada uno tendrá su época favorita del camaleón, y casi todos coincidiremos en los 70, pero creo que es un artista que siempre tuvo una capacidad de regeneración como pocos, cosa que parece fácil y no lo es. ¿Cuántos músicos han intentado regenerarse y salir de su apatía y falta de actividad compositiva e ideas y no han podido? Os aseguro que muchos, pero Bowie no era de esos.
Suele suceder que una vez desapareces se te empiezan a reconocer tus méritos, si es que en vida no lo habían hecho, pero sucede que cuando mueres a una cierta edad, ese reconocimiento no es tan exagerado, pero negar la importancia de este genio, es bastante absurdo.
En 1977 su productividad fue frenética, hizo dos discos Low y Heroes que iniciaban su trilogía berlinesa, además compuso y produjo The Idiot y Lust for life de su amigo Iggy Pop con el que vivía en Berlín en ese año. Heroes es un disco rompedor en muchos sentidos junto a Brian Eno y Robert Fripp tiene momentos sublimes como el tema Blackout, que me sigue pareciendo excelente.
Después de un magnífico debut en 1992 con su disco homónimo, tuvimos que esperar cuatro largos años a la segunda entrega, este Evil empire, cuyo título ya decía mucho de por donde iban sus proclamas políticas, cuyo activismo seguía muy presente (recordemos que Evil Empire es como los EEUU llamaban a los países del bloque comunista durante la Guerra Fría). No llegaron a las cotas de su primer álbum, pero no deja de ser un gran trabajo este segundo, aquí pierden el factor sorpresa obviamente, pero su mezcla de rock, metal y rap seguía siendo muy buena. Cierto es que algún sector de la prensa mediática quiso desacreditar a la banda, pero el grupo demostró que lo suyo iba mucho más allá de la pose, y fieles a sus principios desarrollaron un buen disco.
Bulls on parade fue uno de los singles, un gran tema donde Zack de la Rocha nos taladra el cerebro con su manera de frasear (como si estuviera dando un speech), mientras Tom Morello hace literalmente lo que quiere con la guitarra y la sección rítmica martillea sin descanso.
Nick Cave & The Bad Seeds editaron Muder Ballads en 1996, un disco muy especial en el que el artista australiano recopila populares historias criminales, en cuyas letras nada más y nada menos que 65 personas ficticias pierden la vida a lo largo de casi una hora que dura el disco, musicado hacia el pop, pero un pop oscuro, macabro y sórdido. Este álbum muestra a un artista que es como un crooner atormentado y pasional, que se va poniendo en el lugar de los asesinos de las historias que va narrando. Sus cómplices en este viaje fueron evidentemente su banda The Bad Seeds, implacables desarrollando ese set de baladas, precisos en cada arreglo, mientras Cave es el absoluto protagonista y contó también con colaboraciones femeninas como PJ Harvey, Kylie Minogue y Anita Lane, aportando el toque femenino a la odisea sonora.
Henry Lee es el tema que hicieron juntos Cave y Harvey, que tiene algo especial, recordemos que en esa época eran pareja, dos años duró el romance, que el propio Nick llegó a decir que fue ella quien lo cortó.
Siii, siii, amigos mis servicios vuelven a ser requeridos en Traveling Bar después de mi exitosas pinchadas de los pasados meses, otra pinchada más se avecina de Dj Savoy Truffle, vuestro humilde servidor de la noche. Vendré cargado de novedades de este recién acabado 2021, y por supuesto tocaré toda la amplia gama de mi paleta de estilos, es decir, rock, pop, powerpop, surf, soul, rockabilly, gotas de electrónica, etc., además de épocas desde los 50 hasta hoy. Ya sabéis que para afrontar este invierno, debéis salir con los oídos bien afinados y menear el bullerengue como es debido.
La cita es este sábado 8 de Enero a partir de las 23:00h en Calle Olivar, 39, Metro Lavapiés.
Como aperitivos un par de temas, primero el Hideaway girl de Johnny Marr.
Y segundo The Sonics y su versión del Have love will travel, en vivo en 2016.
Kraftwerk, la formación alemana, después de Computer World en 1981, en pleno estallido de lo que ellos mismos habían provocado, y sentando cátedra, dejaron pasar 5 años hasta que el grupo sacara siguiente disco, y el tiempo transcurrido evidenciaba el incipiente mal rollo entre los 4 miembros clásicos e históricos del grupo. No se puede obviar que entre medias se anotaron el clásico que fue esa banda sonora creada para el Tour de Francia. También es importante recalcar que la gira de Computer world fue muy larga y dejó a la banda muy cansada.
El nombre de este disco es Electric Café, aunque luego fue renombrado como Techno-pop, pero tiene su explicación, ya que sus obras solían tener un concepto temático, lírico y musical que impregnaba sus trabajos de arriba a abajo, acercándose o alejándose cuando les convenía de la idea de origen. Aquí lo que pasaba es que había dos mundos distintos, el de la Cara A del vinilo y el de la Cara B, como dos Ep's que se juntaron en el mismo trabajo. La Cara A de tres temas sería esa de Techno-pop (de ahí su renombramiento) y la B de dos temas la de Electric Café.
Musique Non-Stop era potente y rotunda con esos sintetizadores atmosféricos pero a la vez contundentes.
Alan Parsons era un ingeniero de sonido ya de un alto nivel a mediados de los años 70, antes había empezado como operador de cinta en 1969 en el Let it be de The Beatles, luego ya fue Ingeniero aprendiz en Abbey Road, para ser Ingeniero Jefe de sonido en The Dark Side of the Moon de Pink Floyd en 1973 y por si fuera poco produce en 1976 el Year of the cat de Al Stewart. Conoce a Eric Woolfson, un gran compositor y pianista que llamó su atención, ya que además tenía en su currículum haber trabajado con Jimmy Page o John Paul Jones. Para su primer álbum escogieron una serie de relatos de terror del escritor Edgar Alan Poe, cuyo conjunto llamaron Historias de Misterio e Imaginación (Tales of Mystery and Imagination), un disco poco entendido por el público en su día, pero alabado por la crítica que le consideraba "esencial y excelente". Contaron con la voz de Orson Welles acompañadas de un dron misterioso.
The Raven es uno de mis temas preferidos, cantada en parte a través de un vocoder por el propio Alan Parsons y seguido de la cristalina voz de Leonard Whiting (esta será otra de las características del grupo a lo largo de su carrera, la utilización de diferentes cantantes en los discos), pero también gracias al Projectron, un teclado analógico similar al Mellotron, y que funcionaba como aquel a base de cintas magnetofónicas, que imitaba el sonido de cobres orquestales. Andrew Powell era el tercer miembro estable de la formación, encargado de los arreglos orquestales.
Portada alternativa desechada
Os dejo con The Raven, en la remasterización de 1987, que francamente en sonido no aportaba mucho, ya que el disco original sonaba realmente bien, pero si en los extras.
Una nueva banda surge llamada The Smile, y es una de esas formaciones curiosas que sale de la escisión de una gran banda, Radiohead con su líder Thom Yorke y su guitarrista Jonny Greenwood que se han unido al batería Tom Skinner de la banda Sons of Kemet. Han ido adelantando algunos temas en actuaciones en directo, aunque su álbum de debut está en proceso final de creación (andan liados con el orden de los temas y tal), pero ya tenemos un primer single de adelanto titulado You will never work in television again con producción de Nigel Godrich y francamente es lo más guitarrero en mucho tiempo que hemos oído a cualquier miembro de Radiohead, y es evidente que son los propios músicos los que deciden como suenan sus temas, tengan un productor u otro.
Os dejo con You will never work in television again.
Nina Simone edita tres trabajos en 1966, Nina Simone with strings, Let it all out y Wild is the wind, el primero una serie de temas que no se habían editado y temas con instrumentos de cuerda, el segundo con temas en vivo y en estudio, y el tercero solo de estudio. Hablamos de una artista norteamericana de familia muy humilde que desde pequeñita, a los 4 años, ya demostraba su talento al piano y dio su primer recital con 10. A los 17 años se mudó a Pensilvania (era nacida en Tryon, Carolina del Norte), y ahí se mantuvo dando clases de piano y colaborando con otros cantantes. Retomó sus estudios propios de piano en la Escuela Juilliard de New York, pero por falta de recursos no los pudo acabar, pero se inscribe en el instituto Curtis, aunque es rechazada por ser negra.
Comienza a trabajar en bares nocturnos, y conoce el blues y el jazz y en 1954 adopta su nombre artístico, apodo que viene de la conjunción de Nina (apelativo que le decía su novio) y el apellido en honor a la actriz francesa "Simone" Signoret. En 1958 graba su primer tema (que aparece en un disco de Billie Holiday) y se hace conocida lo que le permite grabar su primer disco ese mismo año "Little girl blue" bajo el sello Bethlehem Records. Después de varios discos en estudio y en directo (demandados por el público) incluido un homenaje a Duke Ellington en 1962, se involucra al Movimiento por los Derechos Civiles, debido a que había sufrido racismo en sus carnes. En 1964 cambió de compañía a Dutch Phillips, variando su abanico musical, hasta entonces sus temas hablaban de sus orígenes afro-americanos, pero con su primer disco para esta compañía "Nina Simone In Concert" (1964), canta canciones de protesta sobre las desigualdades sociales y el racismo que imperaba en esa época en Estados Unidos. Sus discos de 1965 me parecen muy importantes, tanto I put a spell on you como Pastle blues y llegamos a los referidos en 1966, ya cambiaría de compañía de nuevo en 1967 a RCA Victor.
Pero nos centramos en su disco de 1966 Wild is the wind donde estaba el tema compuesto por ella Four women, en el que convierte su cuerpo en fragmentos de memorias, cicatrices que remiten a todo un mundo de circunstancias vinculadas a su condición de mujer afroamericana, convirtiéndole en un vehículo, la voz de cuatro mujeres en tantos cuerpos étnicos y socio-culturales.
Os dejo con el tema Four women interpretado en vivo en 1969.
Como dije aquí hace aproximadamente dos meses, Mark Oliver Everett y su proyecto Eels vuelve a dar rienda suelta a su prolífico talento y editará nuevo trabajo de estudio el 28 de enero de este 2022 con el título de Extreme Witchcraft, será año y pocos meses después de su anterior y magnífico Earth to Dora que salió a finales de octubre de 2020. Por lo escuchado en su primer adelanto en su día, parece que vuelve a sonar más rockero en sus siempre atrayentes melodías, y el nuevo álbum ha sido producido por John Parish (viejo conocido de PJ Harvey). Good night on earth fue ese primer adelanto, tema de bastante aire rock y lleno de múltiples detalles. Luego tuvimos un segundo tema titulado Steam engine, en el que nos habla de los motores a vapor de los trenes en un aire bastante rockero también. Más tarde el tercero titulado The magic, quizás el más rockero de todos, con un gran ritmo, muy incisivo. Y ahora tenemos un cuarto titulado Amateur hour, también con guitarras rockeras, una buena canción con buenos cambios y un estribillo pegadizo.
Como dije en su día,Neil Young & Crazy Horse editaron nuevo trabajo discográfico el día 10 de diciembre de 2021 titulado Barn. El canadiense publica dos años después de aquel buen disco Colorado, su continuación con el propio Young a la voz, guitarra y armónica y haciendo labores de producción junto a Niko Bolas, mientras que Nils Lofgren está a las guitarras, acordeón y coros, Billy Talbot al bajo y coros y Ralph Molina a la batería. Song of the seasons fue el primer tema que conocimos del trabajo y iba en onda acústica y tranquila, mientras que el tema siguiente del trabajo ruge como ya lo hizo el anterior, en Heading west había electricidad y el viejo sonido de Young con su banda. Luego en el tercer adelanto Welcome back, escuchamos una pieza tranquila en tono rock que se va animando muy poco a poco, y donde Young saca a relucir su Old black, aunque el tono general es reposado. Y más tarde llegó un cuarto tema del álbum, Shape of you es un tema de country-rock donde la armónica tiene bastante protagonismo, un buen medio tiempo. Hace ya un tiempo hablé de Human race, uno de mis temas favoritos, donde el rock and roll aparece de manera natural y bestial a la vez, buena pieza en estilo más característico del combo comandado por el canadiense. Más tarde llegó They might be lost, un medio tiempo tranquilo, donde guitarra acústica y armónica, junto a la voz de Young vuelven a destacar. Es un disco que suena ya sin sorpresas, pero los que estamos acostumbrados a escuchar a este portento de la música, entendemos cada disco que hace como otra proeza, aunque no descubra algo nuevo. Por eso el tema del que hablo hoy, Tumblin' thru the years, con un piano de protagonista junto a la quebrada voz de Young, es muy elocuente de lo que digo ya que la canción no sorprende, pero si se entiende enseguida.
Os dejo con el tema y vídeo de Tumblin' thru the years.
El 10 de diciembre del pasado 2021 Enrique Bunbury editó un Ep de cinco temas titulado El Puerto, son composiciones nuevas junto a una versión del mexicano José José del tema El triste. La banda con la que ha grabado los temas este verano ha sido Santos Inocentes junto con Erin Memento en los coros y ha sido grabado en El Puerto de Santa María con Paco Loco en su estudio y de productor. Antes de desayunar es una de las canciones del Ep, un tema pegadizo, gran composición (a medias con Robert Castellanos) en el estilo clásico del maño. El videoclip del tema dirigido por Mario Ruiz tiene siempre panorámicas relacionadas con el cine. Al hacer la versión de El Triste, Enrique adopta un aire a los cantantes españoles de los años 60, tales como Nino Bravo o Bruno Lomas. Otro tema incluido en el EP es El ritual de alambre, un buen medio tiempo donde el propio Bunbury parece tocar la guitarra (al menos en el vídeo animado).
Os dejo con el tema y vídeo de El ritual del alambre.
Siii, siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 290 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un programa dedicado a desglosar mi lista de mejores discos internacionales y nacionales que he ido desgranado la semana pasada en este espacio, concretamente los 16 primeros internacionales y los 5 primeros nacionales.
Suenan por orden Robert Plant & Alison Krauss, The Surfing Magazines, Night Beats, Nick Waterhouse, The Datsuns, Dirty Honey, Reigning Sound, Foo Fighters, John Paul Keith, Van Morrison, Greta Van Fleet, Pond, The Felice Brothers, Wolfmother, The Coral, Bobby Gillespie & Jehnny Beth, The Soul Jacket, Capsula, Maika Makovski, Depedro y Morgan.
Os dejo con el programa y espero que os guste tanto como yo lo disfruté grabando.
Crime of the century fue el tercer disco de estudio de Supertramp, para muchos el mejor de la banda inglesa comandada por Roger Hodgson y Rick Davies. Rock sinfónico y progresivo con sus matices claro está, no eran Pink Floyd, eran distintos, ya que éstos utilizaban las bases melódicas de los teclados con bastante más entusiasmo, siendo menos guitarreros que sus compatriotas. Incluso en algunos temas tienen toques jazz y blues, algo que le daba al conjunto del álbum un empaque tremendo. Después de dos buenos discos que pasaron desapercibidos, el éxito les llegaría con este trabajo y después de varios cambios en la formación ya que solo Hodgson y Davies permanecían de la formación original, y para este álbum reclutaron a el bajista Dougie Thomson, el batería Bob Siebenberg y el multiinstrumentista John Heliwell, después de un proceso minucioso de selección.
Dreamer es uno de mis temas favoritos del disco y un clásico absoluto con ese pedagizo y adictivo estribillo con base de teclado.
Como decía antes, a finales del pasado 2021 vio por fin la luz un disco legendario acerca de una actuación en vivo mítica de Bruce Springsteen & The E Street Band en 1979. Estamos hablando de una serie de conciertos organizados los días 21 y 22 de septiembre de 1979 por Musicians United for Safe Energy (M.U.S.E.), un grupo activista en contra del uso de la energía nuclear, que tuvo como lugar de celebración el Madison Square Garden de New York. Por ese escenario pasó lo más granado del momento como Tom Petty & The Heartbreakers, Jackson Browne, Bonnie Raitt, Crosby, Still & Nash o incluso Dobbie Brothers, pero Bruce en aquel momento estaba en un momento espectacular, y se podría hacer un paralelismo lejano con el Rock and roll circus de 1968 donde The Who se comieron con patatas a todos, incluidos los organizadores The Rolling Stones. En 1980 hubo una película documental sobre estos conciertos que incluían tres temas, uno de ellos una versión del Quarter to three de Gary US Bond, pero han tenido que pasar 42 años para ver el resto de temas que sonaron, por lo que la mística que ha rodeado siempre a esta actuación es tremenda. La caja, que es un lujazo incluye dos cd's y un dvd con todo lo que hicieron y constata el momento espectacular en el que está el Boss con su banda, no había quien los parara, de hecho cumplió 30 años en esos conciertos, estaba realmente imponente.
Sherry darling, tema que iría en The river ya la tocaban en directo un año antes y en estos conciertos es un puro deleite, el sólo de Clarence Clemons como siempre bestial, y el Boss desatado para los fans, camisa abierta y todo. Hay que tener en cuenta que los shows de esa época del Boss y sus chicos eran muy largos (estaba en la gira del Darkness on the edge of town) y en estas actuaciones concentraban toda su energía en hora y media, era como soltar a unos animales bravidos...
A finales del pasado 2021 vio por fin la luz un disco legendario acerca de una actuación en vivo mítica de Bruce Springsteen & The E Street Band en 1979. Estamos hablando de una serie de conciertos organizados los días 21 y 22 de septiembre de 1979 por Musicians United for Safe Energy (M.U.S.E.), un grupo activista en contra del uso de la energía nuclear, que tuvo como lugar de celebración el Madison Square Garden de New York. Por ese escenario pasó lo más granado del momento como Tom Petty & The Heartbreakers, Jackson Browne, Bonnie Raitt, Crosby, Still & Nash o incluso Dobbie Brothers, pero Bruce en aquel momento estaba en un momento espectacular, y se podría hacer un paralelismo lejano con el Rock and roll circus de 1968 donde The Who se comieron con patatas a todos, incluidos los organizadores The Rolling Stones. En 1980 hubo una película documental sobre estos conciertos que incluían tres temas, uno de ellos una versión del Quarter to three de Gary US Bond, pero han tenido que pasar 42 años para ver el resto de temas que sonaron, por lo que la mística que ha rodeado siempre a esta actuación es tremenda. La caja, que es un lujazo incluye dos cd's y un dvd con todo lo que hicieron y constata el momento espectacular en el que está el Boss con su banda, no había quien los parara, de hecho cumplió 30 años en esos conciertos, estaba realmente imponente.
Badlans es una demostración del momento que vivían Bruce y su banda, esplendor soberbio creo que es una buena definición.
Como dije en su día allá por abril del año ya pasado, una interesante colaboración tuvo como resultado un nuevo disco a dúo, se trata del líder y motor compositivo de la banda escocesa Primal Scream y Jehnny Beth, la cantante del grupo de post-punk Savages. El título del trabajo compuesto por 10 temas es Utopian Ashes y se publicó el 2 de julio e iba a ser en el sello de Jack White, Third Man Records, pero finalmente fue lanzado por Sony Music. Hablamos de dos músicos cuyos estilos son bastante dispares (se conocieron en un concierto de Suicide cuando Alan Vega aún estaba vivo), pero que han cedido lo que era necesario para confluir en una música conjunta con referentes en Gram Parsons, Emmylou Harris, George Jones, etc., como se pudo apreciar en su primer adelanto, ese Remember we were lovers, evidentemente alejado de lo que hacen con sus respectivas bandas. Y que luego corroboraron con el segundo adelanto, un gran medio tiempo titulado Chase it down, donde ambos engarzan de manera perfecta. También tuvimos el tema Your heart will always be broken, que empieza cantando ella, luego se une él y mezclan las voces de manera perfecta en un medio tiempo que suena folk y con un piano estupendo, gran canción. Ahora escuchamos la canción Living a lie con un arpa en el inicio y que luego forma parte de la melodía, donde ambos están muy bien con el engarce de las voces.
Como decía ayer, otra mítica banda australiana que editará trabajo en 2022 serán Midnight Oil que sacarán el 18 de febrero Resist. La formación volvió en 2017, después de un largo parón, en un emocionante concierto en el pub Salinas de Sidney, un sitio legendario. En medio de aquel concierto, su líder Peter Garrett dijo "Furia, furia contra la muerte de la luz", nunca olvidemos lo reivindicativa que esta banda, su ecologismo y su implicación en el cuidado de la Tierra. Agotaron entradas en 77 conciertos de 16 países en una gira llamada Great Circle Tour, recorriendo Europa y haciendo un concierto memorable en la zona despoblada de Australia, y como final volvieron al estudio, editando nuevo material en 18 años, aquel disco fue The Makarrata project, a la vez que fallecía su bajista original Bones Hillman.
Ahora vienen 12 nuevos temas en Resist, del que ya tenemos dos adelantos y el que me tiene volada la cabeza es el segundo, Tarkine, un medio tiempo soberbio, en el que siguen denunciando tala indiscriminada de árboles y demás ataques al planeta. El primero era Rising seas, otro gran tema donde la vena rockera sale más a la luz, aunque el comienzo es tranquilo y cuya letra habla de la crisis climática de forma implacable.
Otra mítica banda australiana que editará trabajo en 2022 serán Midnight Oil que sacarán el 18 de febrero Resist. La formación volvió en 2017, después de un largo parón, en un emocionante concierto en el pub Salinas de Sidney, un sitio legendario. En medio de aquel concierto, su líder Peter Garrett dijo "Furia, furia contra la muerte de la luz", nunca olvidemos lo reivindicativa que esta banda, su ecologismo y su implicación en el cuidado de la Tierra. Agotaron entradas en 77 conciertos de 16 países en una gira llamada Great Circle Tour, recorriendo Europa y haciendo un concierto memorable en la zona despoblada de Australia, y como final volvieron al estudio, editando nuevo material en 18 años, aquel disco fue The Makarrata project, a la vez que fallecía su bajista original Bones Hillman.
Ahora vienen 12 nuevos temas en Resist, del que ya tenemos dos adelantos y el que me tiene volada la cabeza es el segundo, Tarkine, un medio tiempo soberbio, en el que siguen denunciando tala indiscriminada de árboles y demás ataques al planeta.
El 10 de diciembre del pasado 2021 Enrique Bunbury editó un Ep de cinco temas titulado El Puerto, son composiciones nuevas junto a una versión del mexicano José José del tema El triste. La banda con la que ha grabado los temas este verano ha sido Santos Inocentes junto con Erin Memento en los coros y ha sido grabado en El Puerto de Santa María con Paco Loco en su estudio y de productor. Antes de desayunar es una de las canciones del Ep, un tema pegadizo, gran composición (a medias con Robert Castellanos) en el estilo clásico del maño. El videoclip del tema dirigido por Mario Ruiz tiene siempre panorámicas relacionadas con el cine.
Al hacer la versión de El Triste, Enrique adopta un aire a los cantantes españoles de los años 60, tales como Nino Bravo o Bruno Lomas.
