La banda The Honeydogs se formó en Saint Paul, Minnesota en 1994 y estaban liderados por Adam Levy, un songwriter de muy buen nivel. Lo suyo era el country-folk-rock y estaban en la línea de grupos como The Jayhawks, The Replacements o incluso Soul Asylum. La música de raíz americana en la base, pero también le daban al rock and roll como en la canción que abría su primer disco homónimo de 1995, aquel What I want, un temazo realmente extraordinario. Como dice mi querido 61 & 49, otro de esos grupos gloriosos de la segunda capa, cuando en la primera estaban Jayhawks, Wilco, etc...
Los artistas con la pandemia no han podido hacer giras con normalidad y se han pasado aún en el estudio mucho más tiempo. Enrique Bunbury editó Posible este año, un trabajo que había cocinado en 2019 y que ultimó a principios de año, con su cambio de fachada sonora y otro nuevo giro musical. Ahora casi a final del año edita justo hoy nuevo álbum titulado Curso de levitación intensivo, cuando él ya había declarado que no iba a hacer conciertos con el público en un auto. Un trabajo al parecer muy influido por lo que ha pasado este año y que vislumbra un cambio (otro más) en su carrera, de hecho él mismo ha declarado: "decidí que el disco estuviera empapado de todo lo que estamos viviendo". Según el músico este disco cierra su etapa contemporánea, que ni él mismo sabe en qué dirección seguirá, pero que comenzó con Palosanto en 2013.
Uno de los temas más llamativos de los que he oído es Malditos charlatanes, con una letra de lo más interesante.
Si ayer recordaba la figura de Otis Redding, hoy la de Sam Cooke que también murió muy joven, con 33 años, y sinceramente me cuesta un mundo elegir entre ambos, así que los quiero a los dos por igual. En su caso no fue un accidente, sino que murió acribillado a balazos. La historia que más se ajusta a la realidad, desde mi punto de vista, describe así el suceso:
"Se sabe que Sam Cooke acudió la noche citada al Hacienda Motel, en Los Ángeles, en compañía de Elisa Boyer, una joven de 21 años que acababa de conocer en un club (aunque se rumorea que ya la conocía de antes). Había estado actuando en la ciudad y se había ido a festejarlo después. Se registraron como Mr. y Mrs. Cooke. Según la versión alternativa, la chica habría escapado un tiempo después con unos 5000 dólares que llevaba encima el cantante y, para evitar que la siguiera, su ropa. No obstante, Sam Cooke habría salido tras ella vestido con un zapato y la chaqueta hasta recepción, donde Bertha Franklin, la dueña, le disparó sin consideraciones previas tres veces con una 22 milímetros aterrada por ver en plena noche que un negro desnudo de 1’78 metros se le acercarse corriendo". Recordemos que es el año 1964 en Estados Unidos, y la situación de la gente de color era todavía muy precaria en casos como este.
Musicalmente Sam era una bestia del soul, rhythm and blues, góspel y el pop, compositor e incluso empresario (fundó SAR Records). Su evolución fue increíble, de hecho es uno de esos artistas cuya trayectoria siempre fue ascendente, y nunca sabremos a qué podría haber llegado por desgracia.
Siendo su padre predicador de la iglesia baptista, no es extraño que su hijo se empapara de la música góspel en su infancia y creciera bajo su influencia. Así acompañó durante varios años al grupo The Soul Stirres, hasta que la discográfica supo ver el talento de este chico de Mississippi criado en Chicago. Empezó cantando góspel con dicha banda The Soul Stirrers, a los 19 años, y abarrotaba las iglesias y escuelas donde tocaba. Publicó su primer single bajo pseudónimo, Dale Cook, para evitar que le reconocieran, ya que en aquellos tiempos el pop para los músicos de góspel era "música del diablo". En 1957 fue fichado por el sello Keen Records, con el que editó el single You send me, que duró dos semanas en el número 1 en listas. Cooke fue el primer artista afroamericano en llegar a las listas de R&B y pop al mismo tiempo. En sólo seis años de carrera grabó 29 singles, más que Buddy Holly, Jerry Lee Lewis y Little Richard juntos.
Hoy quiero recordarle con el tema (Somebody) Easy my troublin' mind, tema del disco póstumo de enero de 1965 Shake.
En 1995 la banda australiana AC/DC editó Ballbreaker, donde para mi recupera el mejor nivel, en el que probablemente sea su mejor disco de la década de los 90. Phil Rudd volvió a las baquetas y con los hermanos Young a tope, el disco es un muy buen disco de rock and roll con gotas de blues y boogie. El primer single fue Hard as a rock, que a día de hoy me sigue pareciendo un single brutal, y otro de ellos fue Hail Caesar, que tiene un momento hacia la mitad donde baja al mínimo, para luego tener una subida bestial. Y como productor nada más y nada menos que Rick Rubin.
La gira de aquel disco fue impresionante, del que se editó el dvd en directo en Las Ventas, un concierto mítico donde los haya.
Os pongo los dos vídeos, el del tema del disco y su versión en vivo en Las Ventas.
El rey del soul sin duda fue, es y será Otis Redding (en dura pugna con Sam Cooke, aunque ese otro musicazo era más variado y tocaba más palos, etc...), su habilidad para transmitir emociones y su tremenda voz, dulce en las baladas y desgarrada y visceral en las marchosas, quedan ya para la historia, pero ojo, sin olvidarnos de que también llevaba y de qué forma muy dentro el rock and roll. Tal día como hoy fallecía en un accidente de aviación a los 26 años, del que sólo sobrevivieron 2 miembros de su grupo de acompañamiento, Bar-Keys (James Alexander y Ben Cauley). No me quiero ni imaginar todo lo que hubiera dado hasta hoy de haber seguido vivo, una locura con toda probabilidad, ya que su amplitud de miras y sus grandes influencias le concedían una evolución fantástica.
Otis Redding era un músico visceral y muy intuitivo, estamos ante un músico que rompía moldes y partiendo del soul iba más allá, uniendo a este el blues, el góspel, el rock, etc., y todos aquellos estilos que se fundían de manera perfecta, y dónde él sacaba un partido extraordinario gracias a su enorme rango vocal, para luego dar paso como concepto del arte musical a la hora de interpretar, entendido como una prolongación del cuerpo y un estallido del alma.
La música popular perdía a uno de los mejores cantantes de la historia, un artista total que le había dado un esplendor maravilloso al soul, y que por si fuera poco se encontraba en su momento más álgido cuando se fue para siempre. De hecho, al poco de morir, Sittin' on the dock of the bay alcanzaba el número 1 al inicio de 1968. La gran estrellaza de la música negra no podía ver como aquella pieza, descrita por él mismo como una composición de folk-soul (influenciada por los Beatles y su Sgt. Peppers), se convertiría en su mayor éxito, y de hecho era su trampolín definitivo al mundo del pop. No sabemos hacia donde hubiera ido su carrera, aunque desde luego con tanto talento y siendo tan joven, pienso que nos perdimos muchísimo. Pero reivindicarle es el mejor homenaje que se le puede hacer, opino.
Os dejo con su versión del mítico Louie Louie de 1964, del disco Pain in my heart.
Como dije en ocasiones anteriores, el pasado 16 de octubre salió a la venta una imponente y deslumbrante caja dedicada el álbum Wildflowers de Tom Petty que se editó en 1994. Es la edición 25 aniversario que se ha retrasado un año, pero que tiene varios formatos, todos ellos realmente interesantes, sobre todo la Super Deluxe con 70 cortes y tres discos inéditos, que incluyen nueve temas nunca antes editados y 34 tomas alternativas. La caja contiene el disco original, otro álbum titulado All the rest, que incluye 10 tomas descartadas de las sesiones, cinco inéditas. El tercer disco tiene 15 demos caseras, tres de ellas inéditas. El cuarto lleva 14 temas en vivo grabados entre 1995 y 2017, doce inéditas y el quinto disco Finding Wildflowers consta de 16 versiones de estudio alternativas. Además hay un libreto extenso con reflexiones de David Fricke y Rick Rubin (productor del disco junto al mismo Petty y Mike Campbell), más litografía, una réplica del programa de la gira, parches, pegatinas, ilustraciones encargadas especiales, etc., vamos que va a hacer las delicias de los fanáticos del Rubio de Florida.
Something could happen es un medio tiempo extraordinario, tremenda canción grabada el 26 de julio de 1993 y descartada en su día para Wildflowers.
Os dejo con el tema y vídeo de Something could happen.
Como dije en su día antes y después de la edición el 13 de noviembre del nuevo álbum de AC/DC, titulado Power Up, el rock and roll también necesita de sus referentes en tiempos de pandemia y aquí está la banda más importante al rescate. La formación sigue siendo la que grabó Rock or Bust hace seis años, es decir, Brian Johnson a la voz (le han puesto unos aparatos en los oídos para su sordera), Angus Young a la guitarra solista, Stevie Young a la guitarra rítmica y coros, Cliff Williams al bajo y coros y Phil Rudd a la batería (arreglados ya sus problemas con la justicia). Y francamente creo que se han superado a sí mismos con un muy buen disco, que suena potente, directo y con nuevos riffs que parecen sacar de alguna chistera mágica, otras nuevas variaciones. Y si hay algo que destaca de este trabajo, es que es tremendamente electrizante, y eso es una señal muy reconfortante para los australianos y para los que somos sus fans. Brendan O'Brien ha sido el encargado de producir el disco, y la verdad que se nota su mano para bien, ha energizado al combo aún más, incluso con la novedad de unos teclados. Las composiciones siguen correspondiendo a Angus y Malcom Young, aunque en el caso del segundo sea un homenaje, ya que en breve se cumplen tres años de su fallecimiento, un detallazo.
Ahora tenemos el vídeo del single Demon fire es una bomba de relojería, con su ritmo abrupto y comandado por las guitarras es una vuelta de tuerca realmente gloriosa, que pedazo de tema que vuelve a traerme a algunas de las mejores fases del grupo en su carrera.
Siii, sii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 233 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un repaso a un año fundamental en la música, 1995, lleno de grandes discos y singles, un año clave justo en medio de una década tremenda musicalmente hablando, 25 años después siguen sonando tremendos.
Suenan por orden Radiohead, Supergrass, Blur, Oasis, Paul Weller, Elastica, PJ Harvey, Pulp, David Bowie, Teenage Fanclub, AC/DC, You Am I, Neil Young & Pearl Jam, The Smashing Pumpkins, Garbage, Alice in Chains, Sonic Youth, Chris Isaak, The Jayhawks, Wilco, Lenny Kravitz, Héroes del Silencio y 091.
El 8 de diciembre de 1980, en el edificio Dakota de Nueva York, Mark David Chapman le pegaba 5 tiros a John Lennon, justo después de haberle pedido firmar un autógrafo, el Beatle rebelde, uno de los grandes iconos del siglo pasado, y una de las mentes más prolíficas, talentosas y descomunales que el mundo del arte ha tenido, y el de la música en particular. 40 años ya, y yo particularmente le sigo echando de menos.
Su trayectoria con The Beatles impresionante, su trabajo en solitario con momentos espléndidos y otros no tan brillantes, pero siempre en la cresta de la creatividad, excepto en los años de retiro. Su legado es tan extenso, que es imposible olvidarnos de él, aunque en solitario demostrara algún momento de enfado con sus ex-compañeros, en el fondo se querían. El tándem compositivo y vocal que formó con Paul McCartney, tiene pocos, muy pocos rivales.
Su carrera en solitario, es en la que me centro hoy, como pequeño homenaje. John hizo discos realmente brillantes antes de su parón (1975-1979), el primero me parece excelente, y su último disco de estudio, publicado antes de su asesinato, el Double Fantasy, nos mostraba lo que iba a ser el Lennon de los 80, abierto a los tiempos que corrían, pero nos quedamos sin saber su evolución posterior. Juntos Lennon y Ono formaron otro tándem, en cuya base, el músico se basó para dar forma a canciones de su época en solitario, muchas de ellas reivindicativas, como Give peace a chance, hasta la inmortal Imagine (tan machacada por todos lados). Tan lleno de altos y bajos, de contradicciones, como de una genialidad desbordante, John Lennon forma parte de la memoria colectiva universal. Hace 40 años nos arrebataron a un pedazo de músico, probablemente su lucha pacifista en un país como EEUU le granjeó no pocos enemigos, aunque según dicen algunos de sus amigos, allí en Nueva York había encontrado la paz. Es increíble a la cantidad de músicos a los que ha influido, su tono ácido en muchas canciones le daba un carácter especial a sus composiciones.
Siempre se dice que se ensalza la carrera de un músico si muere antes de tiempo, es posible, pero creo que John Lennon tiene un catálogo, tanto con The Beatles como en solitario, que ya quisieran muchos, la pena es que el asesino que nos lo quitó no nos dejó ver su evolución, y que hubiera sido en los 80, 90, incluso este siglo.
En 1975 editó un disco de versiones maravilloso titulado Rock and roll, con versiones de sus maestros, Chuck Berry, Gene Vincent, Ben E. King, Sam Cooke, Little Richard, etc...
Es un disco que me encanta, es fresco y John está fantástico, su último disco antes del parón. De ese disco quería recuperar hoy la versión que hacía de Sweet little sixteen de Chuck Berry.
La banda granadina 091 editó el último disco de estudio de su primer época en 1995, con el título de Todo lo que vendrá después. Después de pasar por Polydor y darse cuenta de que con su magnífico Tormentas Imaginarias de dos años antes, no conseguían el nivel de repercusión esperado acorde con su calidad, deciden dar carpetazo con este muy digno álbum, editado en una independiente andaluza llamada Big Bang.
Sigue estando Dios de nuestra parte comenzaba el trabajo, un tema rockero y en su estilo de siempre, otro clásico en sus conciertos.
Os dejo con Sigue estando Dios de nuestro lado en vivo en el Último Concierto de 1996, reeditado en 2006 en dvd.
La banda zaragozana Héroes del Silencio editaron Avalancha en 1995, el que a la postre sería su último álbum de estudio. Se fueron a Los Ángeles a grabarlo con la producción de Andrew Jackson y Bob Ezrin. Hubo una incorporación al cuarteto original en este álbum, el guitarrista Alan Boguslavsky ("El Azteca de oro"). Influenciados por el grunge de bandas como Soundgarden o Alice in Chains es un álbum innovador, pero no llegó a tener el alcance de otros trabajos anteriores.
Iberia sumergida fue uno de los singles, tremendo tema y donde el hard rock también tenía mucha influencia en el sonido del grupo.
Uncle Tupelo se separan porque Jeff Tweedy y Jay Farrar no se soportaban, pero en esa separación el único que sale es Farrar y Tweddy se monta Wilco, que era simplemente una continuación con Tweedy a la voz y guitarra, Ken Coomer a la batería, John Stirrat al bajo, Max Johnston a los instrumentos tradicionales, mientras Brian Henneman tocó la guitarra solista en un puñado de temas y Lloyd Maines el pedal steel guitar en otros tantos. Realmente este proyecto era continuista, no aportaba mucha diferencia con el proyecto anterior y Jay formó su proyecto Son Volt.
5 A.M. es el primer álbum de Wilco, editado en 1995, lleno de una colección de temas correctos, que dieron una palmada en la espalda al movimiento llamado Americana, pero es un country-rock algo conformista que parece no querer saltarse las reglas, donde mandolinas y pedal steel guitar son los que brillan. Casino Queen quizás era el tema que se salía algo de la norma, con su sonido de guitarras.
PJ Harvey editó en 1995 su tercer álbum de estudio titulado To bring you my love en el que Flood y John Parish fueron los productores del disco, grabado tras la desintegración del trío con el que comenzó su carrera, por lo que realmente este sería su primer disco sóla. Hay influencia del blues norteamericano en el trabajo, pero es un paso al frente de ella misma y el nacimiento de la estrella en ciernes. La música de PJ Harvey empezó siendo muy árida, perversa y visceral, pero es en este disco donde se empieza a moldear un sonido propio mucho más amable a los oídos. Este es un trabajo profundo y en el que la diva británica dio un salto cualitativo importante, y se consagró como un artista fundamental. Las letras se centran en el anhelo y la pérdida, además de referencias bíblicas a Dios o Jesucristo, aunque la autora siempre ha dicho que no es religiosa y ni siquiera fue bautizada, pero como ella dice "miro a la religión como un medio para encontrar respuestas". En el tema que da título al álbum, el narrador no sólo quiere amor, sino que está dispuesto a sacrificar todo para conseguirlo.
Momento álgido del britpop este 1995, y en el duelo que mantienen por el trono del mismo Blur y Oasis, los de Manchester sacan su segundo y para el que escribe mejor trabajo de esta banda, que ya no volverían a superar. Este álbum titulado (What's the story) Morning glory? tiene dos cosas fundamentales, primero y ante todo excelentes canciones, pero segundo y no menos clave y es que la formación estaba de dulce, sonaban como un tiro y era un disco lleno de singles donde elegir y de canciones realmente redondas y bien acabadas. Menos estridencia que en el primer álbum y concreción con otro toque pop.
Es el caso de Some might say, gran tonada de los Gallagher, con un Liam cantando como dios manda y esos riffs de guitarra imprescindibles y ese toque glam.
La banda neoyorkina Sonic Youth editó en 1995 Washing Machine, el noveno disco de estudio, un trabajo donde llevaron la experimentación a un estadio muy avanzado, estructuras complejas, atonalidad casi permanente, desarrollos instrumentales prolongados y cambiantes, una clara notoriedad por hacer música anticomercial, poniéndose en frente de la música alternativa que emergía en la época. Había una colaboración de Kim Deal de Pixies a la voz, que empasta muy bien con Kim Gordon en Little trouble girl.
Os dejo con el tema y vídeo de Little trouble girl.
En el año 1995 pasaron muchas cosas en Gran Bretaña, pero el contexto musical era el punto álgido del Brit Pop, donde Blur y Oasis se pegaban por el trono, con el permiso de Suede, Supergrass, Radiohead, Pulp, Manic Street Preachers y demás... Es cuando aparece en escena Elastica, con Justine Frischmann como voz y líder, chica que era ex de Brett Anderson y en ese momento la novia de Damon Albarn. Este grupo de Londres tenía tres chicas a las guitarras y bajo y un chico a la batería (Justin Welch), teniendo como estilo gotas de punk rock, otras de post-punk, pero en definitiva música alternativa que aglutinaba muchas cosas.
Este primer disco homónimo es de muy buen nivel y casi de culto, ya que su segundo disco del año 2000 no tuvo ni por asomo la misma repercusión.
Hoy recuerdo el tema Waking up, que tiene muchas de las coordenadas antes citadas.
Finalmente habrá nuevo álbum de Greta Van Fleet el 16 de abril de 2021 titulado The Battle at Garden's Gate, su primera publicación desde que editaran su primer álbum largo Anthem of the peaceful army que tanto éxito y buenos réditos ha dado a la banda de Detroit, entre ellos una tremenda gira de tres años. Lo último que supimos de ellos fue Always there, un descarte de su disco del año 2018 que se incluyó en la banda sonora de la película A million little pieces (traducida aquí como "En mil pedazos") un film dirigido por Sam Taylor-Johnson y que salió el año pasado. Ya tuvimos un primer adelanto de este segundo álbum, la gran canción My way, soon y ahora tenemos Age of machine, más larga de duración y épica, veremos si el disco apunta más evolución. Ha sido producido por Greg Kurstin (productor habitual de Foo Fighters).
El caso de Pulp es extraño en la música, se forman a finales de los 70, sacan su primer disco en 1983 y nadie les hace caso, siguen con dos discos más e igual, y no sería hasta 1993 con dos singles y en 1994 con su cuarto trabajo cuando tendrían su reconocimiento. A partir de ahí adorados los de Sheffield, cuya paciencia tuvo su recompensa.
En 1995 editarán su quinto álbum, Different Class, una joya, con letras llenas de inteligencia, humor e incluso algo depravadas, pero ante todo refleja lo que es sentirse diferente y distinto en Reino Unido en los 90, una época donde la prensa solo hablaba de britpop y era Oasis o Blur, pues bien, ellos también hacían gran música, pero diferente, sin pelearse con nadie.
Uno de sus tremendos singles era Disco 2000, un temazo de tomo y lomo que hemos bailado muchos por los garitos...
Garbage, la banda norteamericana de Wisconsin, editaron su primer álbum homónimo en 1995. Pero veamos el contexto, ya con el grunge en cuesta descendente, empezó una corriente alternativa que provenía de todo lo que había sucedido años atrás. Nirvana abrió un paso muy importante al hacer que una música en principio para minorías, se convirtiera en música para mayorías. Así bandas que rompían con el sonido, digamos tradicional, dieron ese paso adelante. Y hablo de Nirvana porque el productor de su tremendo Nervermind, Butch Vig, sería componente de este primer disco de Garbage. Vig desde luego era un visionario captando tendencias y sabiendo moldear nuevos sonidos, y con esta banda dio en el clavo totalmente. Junto a sus amigos Steve Marker y Duke Erikson eligieron a Shirley Manson para tener una voz que fuera perfecta para su mezcla de rock, dance y toques chill-out. Uno de mis temas favoritos es Vow que fue el primer single del álbum, menudo pelotazo, me sigue estremeciendo.
Prefab Sprout, la banda británica liderada por Paddy McAloon editó su segundo álbum de estudio Steve McQueen en 1985, teniendo que cambiar el título en Estados Unidos por el de Two wheels good (el mismo significado vaya) ante las protestas de la familia del actor. Es este un trabajo muy conseguido, y les llevaría a convertirse con un estilo muy propio en los reyes del pop-rock sofisticado con una lírica agridulce y esas voces frágiles pero con mucho estilo. Un disco este muy curioso, ya que hay onda rockabilly incluso en algún que otro tema, e incluso toques jazzísticos, una mezcla de lo más ecléctica. Appetite fue uno de los singles, gran tema de pop con estilo y clase.
Como dije ya en su día The Strokes, la banda neoyorkina, editaron nuevo álbum el 10 de abril, bajo el título de The New Abnormal, siete años después de su último disco de estudio, aquel pobre Comedown machine. En 2016, el Ep Future, Present, Past fue un cambio de fachada sonora pero con buenos temas, tirando más a una onda electrónica y ochentera. Todos estos años, los proyectos de Albert Hammond Jr., con varios discos en solitario de buena calidad, y de Julian Casablancas con The Voidz (dos discos en 2014 y 2018) han tenido al grupo en barbecho y ahora era el momento del regreso con un disco de nueve temas.
El segundo adelanto Bad Decisions mejoró bastante la primera entrega, At the door, sin ser una joya, era una tema más clásico dentro del sonido que esta misma banda creó. Una de cal y una de arena, luego llegó Brooklyn Bridge to chorus y bueno, por un lado es un tema rock, pero por otro esa mezcla con teclados claramente ochenteros no le queda bien y afea la composición que no es mala. Y llegó luego el cuarto single, Ode to the mets que termina el disco, y volvían a lo mismo, intentan ir por la onda ochentera, mezclado con su propio estilo, pero en una canción crepuscular (como casi todas las que cierran los discos), provoca que el tema se haga hasta cierto punto algo cansino y repetitivo (la voz de Julian es muy culpable).
Ahora tenemos el vídeo de The adults are talking, que es el tema que abre el disco y me parece que escuchar esta canción es un buen resumen de lo que viene después en el trabajo, y francamente me parece que es un disco que se queda a medias en muchas cosas y no termina de rematar, es un querer y no poder. Siempre tengo esperanza en ellos, pero...
Os dejo con el tema y vídeo de The adults are talking.
Siii, sii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 232 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un último repaso a un año tan raro como este y a sus incesantes novedades, que está siendo muy prolífico.
Suenan por orden Paul McCartney, Teenage Fanclub, Maxïmo Park, The Psychedelic Furs, Elvis Costello, Gary Moore, Rory Gallagher & Jerry Lee Lewis, B.B. King & Eric Clapton, Neil Young & Crazy Horse, AC/DC, The Casanovas, Foo Fighters, The Dirty Knobs, Tom Petty, Bruce Springsteen, Brent Cowles, Waxahatchee, Eels, The Smashing Pumpkins, The Fleshtones, Radio Days, The Mavericks y Xoel López.
The Mavericks han editado por fin un álbum con temas íntegramente en castellano el 21 de agosto y bajo el título de En Español. Raúl Malo (de origen cubano) a la voz y guitarra, Eddie Pérez a las guitarras, Jerry Dale McFadden al piano y órgano y Paul Deakin a la batería sigue siendo la formación que navega entre el country, el tex-mex, la americana y con esa mezcla entre música latina y rockabilly que tan bien se les da. Aquí han tenido la colaboración de The Fantastic Five a los vientos y cameos de Flaco Jiménez, Alberto Salas, Glen Garuba o Lisset Diaz.
El primer tema que puse fue Recuerdos, un medio tiempo de corte clásico y compuesto por Raúl Malo y Alejandro Menéndez Vega. Luego escuchamos La Sitiera, una guajira que era una versión de Rafael López González, un compositor cubano de Bahía Honda.
Ahora tenemos No vale la pena, una ranchera que hizo popular Juan Gabriel y que fue compuesta por Alberto Aguilera Valadez.
