Como llevo diciendo desde principios de mes justo el 4 de diciembre salió a la luz el nuevo Ep de la banda holandesa DeWolff titulado Fuego! y se trata de un disco homenaje a las canciones y artistas que les han ayudado a crecer desde sus inicios como músicos, se trata por tanto de versiones de temas inspiradores para ellos, esas joyas ocultas que les definieron como lo que son. Se trata de seis canciones, aunque la última es una mezcla de tres, por tanto serían ocho, de Redbone, Leon Russell, Little Fest (junto a Joe Bonamassa), Free, Eden Rose, Link Wray, Buzz Clifford y Dr. John.
El disco se grabó durante cuatro días en octubre en sus estudios Electrosaurus Studio en Maastricht, y en el tema The Fan Joe grabó su parte en su estudio Ocean Way Studio en Nashville, una locura de ocho minutos con punteos bestiales de Pablo Van de Poel y de Joe Bonamassa. También hablé de la versión de Free, que es del tema que daba título a su tercer disco de 1970, ese Fire and water, que en manos de los holandeses suena genial. Ayer hablaba de Judgment day, versión de Redbone, banda californiana con este tema compuesto por Lolly Vegas, con un sonido setentero realmente estupendo. Hoy le toca a Faster and faster, tema de Eden Rose, banda francesa de rock de los años 70, un tema compuesto por Henri Garella, y en la que los neerlandeses lo bordan con un Robin Piso estelar a las teclas.
J Mascis acab de editar este pasado 10 de diciembre nuevo single titulado Say it on. J Mascis editó en febrero de 2024 su último álbum de estudio en solitario titulado What do we do now, seis años después de aquel magnífico Elastic days que fue uno de los tres mejores discos de 2018 para un servidor. En 2019 salió un single que era una versión de Tom Petty & The Heartbreakers, aquel tema de 1979 del disco Damn the torpedoes, el Don't do me like that, y ahí volvió con su banda Dinosaur Jr., con los que editó disco en 2021. Ahora este single puede que sea adelanto de un nuevo trabajo, aunque está por confirmar. La tonada mezcla lo acústico y lo eléctrico y están en la línea habitual del músico bostoniano en solitario.
Como llevo diciendo desde principios de mes justo el 4 de diciembre salió a la luz el nuevo Ep de la banda holandesa DeWolff titulado Fuego! y se trata de un disco homenaje a las canciones y artistas que les han ayudado a crecer desde sus inicios como músicos, se trata por tanto de versiones de temas inspiradores para ellos, esas joyas ocultas que les definieron como lo que son. Se trata de seis canciones, aunque la última es una mezcla de tres, por tanto serían ocho, de Redbone, Leon Russell, Little Fest (junto a Joe Bonamassa), Free, Eden Rose, Link Wray, Buzz Clifford y Dr. John.
El disco se grabó durante cuatro días en octubre en sus estudios Electrosaurus Studio en Maastricht, y en el tema The Fan Joe grabó su parte en su estudio Ocean Way Studio en Nashville, una locura de ocho minutos con punteos bestiales de Pablo Van de Poel y de Joe Bonamassa. También hablé de la versión de Free, que es del tema que daba título a su tercer disco de 1970, ese Fire and water, que en manos de los holandeses suena genial. Ahora llega Judgment day, versión de Redbone, banda californiana con este tema compuesto por Lolly Vegas, con un sonido setentero realmente estupendo.
Si ayer recordaba la figura de Otis Redding, hoy la de Sam Cooke que también murió muy joven, con 33 años, y sinceramente me cuesta un mundo elegir entre ambos, así que los quiero a los dos por igual. En su caso no fue un accidente, sino que murió acribillado a balazos. La historia que más se ajusta a la realidad, desde mi punto de vista, describe así el suceso: "Se sabe que Sam Cooke acudió la noche citada al Hacienda Motel, en Los Ángeles, en compañía de Elisa Boyer, una joven de 21 años que acababa de conocer en un club (aunque se rumorea que ya la conocía de antes). Había estado actuando en la ciudad y se había ido a festejarlo después. Se registraron como Mr. y Mrs. Cooke. Según la versión alternativa, la chica habría escapado un tiempo después con unos 5000 dólares que llevaba encima el cantante y, para evitar que la siguiera, su ropa. No obstante, Sam Cooke habría salido tras ella vestido con un zapato y la chaqueta hasta recepción, donde Bertha Franklin, la dueña, le disparó sin consideraciones previas tres veces con una 22 milímetros aterrada por ver en plena noche que un negro desnudo de 1’78 metros se le acercarse corriendo". Recordemos que es el año 1964 en Estados Unidos, y la situación de la gente de color era todavía muy precaria en casos como este.
Musicalmente Sam era una bestia del soul, rhythm and blues, góspel y el pop, compositor e incluso empresario (fundó SAR Records). Su evolución fue increíble, de hecho es uno de esos artistas cuya trayectoria siempre fue ascendente, y nunca sabremos a qué podría haber llegado por desgracia.
Siendo su padre predicador de la iglesia baptista, no es extraño que su hijo se empapara de la música góspel en su infancia y creciera bajo su influencia. Así acompañó durante varios años al grupo The Soul Stirres, hasta que la discográfica supo ver el talento de este chico de Mississippi criado en Chicago. Empezó cantando góspel con dicha banda The Soul Stirrers, a los 19 años, y abarrotaba las iglesias y escuelas donde tocaba. Publicó su primer single bajo pseudónimo, Dale Cook, para evitar que le reconocieran, ya que en aquellos tiempos el pop para los músicos de góspel era "música del diablo". En 1957 fue fichado por el sello Keen Records, con el que editó el single You send me, que duró dos semanas en el número 1 en listas. Cooke fue el primer artista afroamericano en llegar a las listas de R&B y pop al mismo tiempo. En sólo seis años de carrera grabó 29 singles, más que Buddy Holly, Jerry Lee Lewis y Little Richard juntos.
Hoy en homenaje me quedo con el tema Everybody loves to cha cha cha, single de 1959.
El rey del soul sin duda fue, es y será Otis Redding (en dura pugna con Sam Cooke, aunque ese otro musicazo era más variado y tocaba más palos, etc...), su habilidad para transmitir emociones y su tremenda voz, dulce en las baladas y desgarrada y visceral en las marchosas, quedan ya para la historia, pero ojo, sin olvidarnos de que también llevaba y de qué forma muy dentro el rock and roll. Tal día como hoy fallecía en un accidente de aviación a los 26 años, del que sólo sobrevivieron 2 miembros de su grupo de acompañamiento, Bar-Keys (James Alexander y Ben Cauley). No me quiero ni imaginar todo lo que hubiera dado hasta hoy de haber seguido vivo, una locura con toda probabilidad, ya que su amplitud de miras y sus grandes influencias le concedían una evolución fantástica.
Otis Redding era un músico visceral y muy intuitivo, estamos ante un músico que rompía moldes y partiendo del soul iba más allá, uniendo a este el blues, el góspel, el rock, etc., y todos aquellos estilos que se fundían de manera perfecta, y dónde él sacaba un partido extraordinario gracias a su enorme rango vocal, para luego dar paso como concepto del arte musical a la hora de interpretar, entendido como una prolongación del cuerpo y un estallido del alma.
La música popular perdía a uno de los mejores cantantes de la historia, un artista total que le había dado un esplendor maravilloso al soul, y que por si fuera poco se encontraba en su momento más álgido cuando se fue para siempre. De hecho, al poco de morir, Sittin' on the dock of the bay alcanzaba el número 1 al inicio de 1968. La gran estrellaza de la música negra no podía ver como aquella pieza, descrita por él mismo como una composición de folk-soul (influenciada por los Beatles y su Sgt. Peppers), se convertiría en su mayor éxito, y de hecho era su trampolín definitivo al mundo del pop. No sabemos hacia donde hubiera ido su carrera, aunque desde luego con tanto talento y siendo tan joven, pienso que nos perdimos muchísimo. Pero reivindicarle es el mejor homenaje que se le puede hacer, opino.
Hoy en homenaje le quiero recordar con el tema Hard to handle que salió como single ya de manera póstuma en 1968 dentro del disco The Immortal Otis Redding, tema compuesto por Otis, Alvertis Isbell y Allen Jones. Sirva esta tema de homenaje también a Steve Crooper que tocó la guitarra en este tema, y que se nos fue el pasado 3 de diciembre.
En 1996 The Mavericks, la banda afincada hace muchos años en Nashville editaron Music for all occasions y donde a temas de onda country empezaban a añadirles piezas como rancheras, de onda tex-mex, música fronteriza, bluegrass, ritmos caribeños, cumbia, etc.,
Uno de los singles era All you ever do is bring me down con la colaboración de Flaco Jiménez, tema compuesto por Al Anderson y Raúl Malo, un clásico en sus conciertos.
El año pasado la última formación del grupo con Raúl Malo a la voz y guitarra, Paul Deakin a la batería y coros, Eddie Pérez a la guitarra y coros y Jerry Dale McFadden a los teclados la interpretaron en el Austin City Limits de Texas, en directo, una maravilla.
En homenaje a Raúl Malo fallecido el pasado día 8 de diciembre, descanse en paz.
Os dejo con All you ever do is bring me down en vivo en Austin el año pasado.
Siii, siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 495 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un programa dedicado entero a la música que se hizo en el año 1990, cuando se cumplen 35 años, una tercera parte. Un repaso a un momento muy importante a nivel musical, donde grandes grupos estaban acabando, otros ya habían iniciado camino, y otras estrellas publicaban temas y discos míticos.
Suenan por orden The Cramps, Jellyfish, Mark Lanegan, Soundgarden, Nirvana, Fugazi, Galaxie 500, Prince, Lou Reed & John Cale, The Clean, Sisters of Mercy, Morrissey, The Charlatans, Happy Mondays, Blur, Deep Purple, The Dogs D'Amour, Billy Idol, Jean Michel Jarre e Ilegales.
Os dejo con el programa y espero que os guste tanto como a mí grabarlo.
En el año 1990 Ilegales editaron el disco (A la luz o a la sombra) Todo está permitido, un trabajo donde Jorge Martínez a la voz y guitarra seguía dando otra clase magistral con sus siempre letras incisivas y sus temas realmente impactantes llenos de buen rock. La formación que grabó el disco fue Jorge Martínez a la voz y guitarra, Alfonso Lantero a la batería, Rafa Nenuco al bajo y coros, Juan Flores al saxo y Tolo Delafuente a las teclas.
Suenan en los clubs un blues secreto iniciaba el disco, un clásico instantáneo del grupo, que además a Jorge le gustaba tocar también con su banda paralela Jorge Ilegal y los Magníficos en vivo.
Hoy Jorge nos ha dejado, se ha ido por un voraz cáncer que ya le obligó a suspender la gira del último disco allá por septiembre. Un icono absoluto del rock español que nunca dejó de decir lo que pensaba, pero al que todos apreciaban.
Sirva esta canción de pequeño homenaje. Descanse en paz.
Como llevo diciendo desde finales de octubre, el pasado 24 de octubre salió a la luz una edición expandida del disco Nebraska de 1982 de Bruce Springsteen, a la vez que se estrenaba la película Springsteen: Deliver me from nowhere en la que se cuenta la historia que hay detrás de este trabajo. Nebraska '82: Expanded edition reúne material inédito y muy revelador de ese prolífico período del artista, que después del éxito de The River editó este trabajo más intimista, en el que se incluyen las legendarias sesiones de 'Electric Nebraska' con la E Street Band y grabaciones en solitario en casa y en estudio, junto con una remasterización de este año del álbum original, además de una nueva película en Blu-Ray con las diez canciones de Nebraska interpretadas en secuencia. Es por esto que nos encontramos con todo el proceso creativo de este magnífico álbum y todas las perspectivas posibles del músico, ampliando lo conocido con 17 grabaciones contemporáneas (15 inéditas) que formaron parte de aquella fiebre de inspiración que dio forma al mítico trabajo, la gestación del mismo al completo, un momento crucial de la carrera del Boss.
Hoy me detengo en Open all night, cuya versión eléctrica dota de un ritmo rockero vibrante y la sección rítmica de la banda da una energía que la versión acústica obviamente no tenía, y encima se nota disfrutar al Boss.
Os dejo con la versión eléctrica de Open all night.
El 8 de diciembre de 1980, en el edificio Dakota de Nueva York, Mark David Chapman le pegaba 5 tiros a John Lennon, justo después de haberle pedido firmar un autógrafo, el Beatle rebelde, uno de los grandes iconos del siglo pasado, y una de las mentes más prolíficas, talentosas y descomunales que el mundo del arte ha tenido, y el de la música en particular. 45 años ya, y yo particularmente le sigo echando de menos.
Su trayectoria con The Beatles es impresionante, su trabajo en solitario con momentos espléndidos y otros no tan brillantes, pero siempre en la cresta de la creatividad, excepto en los años de retiro. Su legado es tan extenso, que es imposible olvidarnos de él, aunque en solitario demostrara algún momento de enfado con sus ex-compañeros, en el fondo se querían, pero como siempre pasa, tanto roce genera disputas. El tándem compositivo y vocal que formó con Paul McCartney, tiene pocos, muy pocos rivales.
En el reciente documental Get Back dirigido por Peter Jackson se ve a un John Lennon en enero de 1969 jovial, muy unido a Yoko Ono, cansado por momentos, pero que se seguía divirtiendo en la composición de temas, además de ser muy payaso gastando bromas continuamente. No vamos a negar que era una época donde las drogas le afectaban, llegaba tarde a los ensayos, pero nunca dejó de querer a la banda que había creado.
Su carrera en solitario, es en la que John hizo discos realmente brillantes antes de su parón (1975-1979), el primero me parece excelente, y su último disco de estudio, publicado antes de su asesinato, el Double Fantasy, nos mostraba lo que iba a ser el Lennon de los 80, abierto a los tiempos que corrían, pero nos quedamos sin saber su evolución posterior. Juntos Lennon y Ono formaron otro tándem, en cuya base, el músico se basó para dar forma a canciones de su época en solitario, muchas de ellas reivindicativas, como Give peace a chance, hasta la inmortal Imagine (tan machacada por todos lados). Tan lleno de altos y bajos, de contradicciones, como de una genialidad desbordante, John Lennon forma parte de la memoria colectiva universal. Hace 45 años nos arrebataron a un pedazo de músico, probablemente su lucha pacifista en un país como EEUU le granjeó no pocos enemigos, aunque según dicen algunos de sus amigos, allí en Nueva York había encontrado la paz. Es increíble a la cantidad de músicos a los que ha influido, su tono ácido en muchas canciones le daba un carácter especial a sus composiciones.
Como vengo diciendo desde el mes de septiembre, el pasado 21 de noviembre salió a la luz la compilación Anthology Collection de 8 cd's que incluye los 3 Anthologys de mediados de los 90, remasterizados por Giles Martin en este 2025, pero también un cuarto volumen, el Anthology 4, la locura, 36 temas más que unido a los antiguos donde hay actuaciones en vivo, emisiones y tomas descartadas, incluyendo el Now and then de 2023 y nuevas mezclas de Free as a bird y Real love, con su productor original Jeff Lynne, lo hacen muy atractivo. Mucha gente pensaba que ya estaba todo dicho con The Beatles, pero esto va a hacer las delicias de los fans, que somos poquitos.
Hoy en homenaje a John me quedo con la toma 26 de Strawberry fields forever de 1967, que es de lo más interesante, recordemos que se quedó fuera del Sgt. Peppers, pero estaba en las sesiones de grabación...
Mark Lanegan, como casi todo el mundo sabe, era el líder de Screaming Trees, otra de las grandes bandas del grunge, aunque ellos se formaron en Ellensburg, Washington, cerca de Seattle, donde estaba el verdadero centro neurálgico de aquel estilo. Después del disco Buzz Factory de 1989 de la banda, Mark editó su primer disco en solitario en 1990, justo en medio entre el citado álbum de el grupo y el Uncle Anesthesia de 1991. Ese primer disco en solitario llevaba por título The winding sheet y fue editado en el sello Sub Pop.
Lanegan en solitario tiene momentos donde recuerda a lo que hacía con su banda, que despachaban un rock psicodélico fuerte y también ácido por momentos, pero sobre todo su aire es más de composiciones suaves con evolución hacia el blues, y con letras reflexivas de solitaria oscuridad y con su característica voz grave que no dejaba indiferente. Para este primer disco tuvo colaboraciones como la de Kurt Cobain a la guitarra en un tema y coros en otra, Krist Novoselic al bajo en un tema también, además del multiinstrumentista Mike Johnson a las guitarras, más tarde bajista de Dinosaur Jr. y asistido por Jack Endino, por entonces bajista de Babes in Toyland, además de Steve Fisk al órgano y piano y Mark Pickerel en la batería en varios temas.
En este primer disco había buenos temas, como el Down in the dark, muy eléctrica y que se emparenta más con la banda madre.
Mark nos dejó en febrero de 2022 a los 57 años, una pérdida demasiado temprana.
Jellyfish fueron una banda de San Francisco, California, formada por Andy Sturmer que tocaba batería y cantaba y Roger Manning que tocaba teclados y cantaba. Ambos se conocieron en 1988 mientras militaban en el grupo Beatnik Beatch donde descubrieron que hacían un magnífico tándem compositivo. Al líder de aquella formación no le gustaba tanto y ambos decidieron dejar el grupo para formar el suyo propio al que llamaron Jellyfish. Cuando estaban en la grabación de su primer disco titulado Bellybutton, se les unió el guitarrista Jason Falkner, además de tocar bajo y hacer coros y al que Manning conocía de años atrás gracias a su pasión común por XTC. Pero no acaban ahí las apariciones estelares en el disco ya que Steven McDonald de Redd Kross tocaría el bajo en dos canciones, John Patitucci en otras tres, Tommy Morgan tocó armónica y Chuck Findley la trompeta. La portada del trabajo parece sacada de la película Charlie y la fábrica de chocolate, pero ese es otro tema.
El asunto estuvo en que después de la grabación de este disco empezaron las disputas estilísticas entre los dos creadores del grupo, a lo que se unió que Falkner quería más protagonismo, total que hicieron un disco más Spilt milk en 1993 ya sin el guitarrista y con Manning medio fuera y se disolvieron en 1994.
Hacían una mezcla de jangle pop, powerpop, un poco de psicodelia, gotas soul y demás estilos que influyeron mucho en bandas posteriores a pesar de su corto recorrido.
The man I used to be comenzaba ese primer disco, que empezaba con una intro de órgano de catedral hasta que llegaban los riffs de guitarra y la voz dentro de un rock con tintes soul, con un teclado muy presente, un gran medio tiempo de bonita melodía.
Happy Mondays es una banda británica formada en Salford en 1980, y que editó su primer disco de estudio en 1987. La formación original era Shaun Ryder a la voz, su hermano Paul Ryder al bajo, Gaz Whelan a la batería, Paul Davis a los teclados y Mark Day a la guitarra. Mark "Bez" Berry se unió posteriormente como bailarín y tocando maracas, así ya participaría en el primer disco como percusionista y Rowetta entraría como segunda vocalista ya en el tercer disco. Ya desde el primer álbum firmaron con el sello Factory Records de Tony Wilson, con todo lo que eso conllevaba de merodear por la discoteca Hacienda y este tercer trabajo de 1990 llevaba el título de Pills 'n' thrills and bellyaches.
Pero vamos a dejar varias cosas claras, Happy Mondays estaban liderados claramente por Shaun Ryder, su cantante, que es un individuo de aspecto desgarbado, cero atractivo, anti-héroe pop por antonomasia, heroinómano confeso (algo que no debería ser digno de enorgullecerse) que cantaba de forma extraña, por así decirlo, desganada, como si pasara por ahí, pero a la vez con la cercanía del colega que te muestra que cualquiera podría ser capaz de hacerlo. De hecho, toda la banda tenía ese aspecto de unos colegas que se juntan en un bar de polígono después de una jornada de trabajo algo dura.
Pero volvamos a este tercer disco, el más exitoso del grupo, donde tenían un single titulado Step on que empezaba con un piano en onda house, la voz casi en speech de intro, hasta que entran esas guitarras con feedback y la voz extraña y susurrada de Ryder, que luego cederá protagonismo a Rowetta con sus coros femeninos en onda soul, una canción de esas que se te meten y no te sueltan.
The Cramps, la banda neoyorkina, editaron en 1990 su cuarto álbum de estudio Stay sick!, donde seguía habiendo influencias del garage rock, del blues, el surf y la psicodelia de los 60, el rock and roll de los 50 y el punk de los 70, un cóctel explosivo que en las actuaciones de directo con su intensa actitud alcanzaba cotas supremas. El combo estaba liderado por Lux Interior (Erick Purkhiser) y Poison Ivy (Kristy Wallace), mientras en este trabajo Candy del Mar estaba al bajo y Nick Knox a la batería.
Steve Macmillan fue el ingeniero de sonido, mientras que Poison Ivy se dedicó a la producción, siendo grabado el álbum en Music Grinder Studios en Hollywood, California.
En la reedición de 2001, hecha por la misma banda, había versiones de Carl Perkins o Elvis Presley.
Bikini girls with machine guns era uno de los singles, un tema de bajo muy presente en el inicio hasta que las guitarras entran y la voz de Lux despacha un estribillo que engancha.
Los DelTonos, la banda de Muriedas, Cantabria, editarán nuevo álbum de estudio el 12 de diciembre titulado El futuro. Ya lo anunciaba Hendrik Röver en el último concierto que les pude ver allá por el mes de septiembre en Madrid, y no han fallado ni un milímetro, El futuro ya está aquí y da el relevo a Evolución del año pasado, aquel disco donde rescataban temas antiguos de la otra banda de Hendrik en los 90, Hank. Recordemos que la formación actual es Hendrik Röver a la voz y guitarra, Javier Arias a la batería y Sergio "Tutu" Rodríguez al bajo, un powertrío que suenan como una apisonadora y que en 2026 van a estar por todo el territorio nacional presentando este trabajo.
El primer single es precisamente el tema que da título al disco, un buen rock en el más puro estilo clásico del grupo.
La banda canadiense The Sheepdogs, muy querida en este espacio, editarán nuevo álbum el 27 de febrero de 2026 titulado Keep out of the storm. Ha habido una novedad en la formación ya que Sam Corbett, el batería de larga trayectoria ha dejado el grupo, siendo sustituido en esta grabación por Jordan Murphy, el resto del grupo siguen siendo Ewan Currie a la voz y guitarra, Ricky Paquette a la guitarra solista y coros, Ryan Gullen al bajo y coros y Shamus Currie al piano, órgano y coros.
El pasado 3 de octubre han editado el primer single de adelanto del nuevo trabajo titulado Nobody but you, que el propio Ewan Currie ha definido así: "Las columnas gemelas del amor y el rock and roll se unen aquí en una expresión pura de felicidad musical, es el sonido de bajar las ventanillas del coche al final de la jornada, con la esperanza de un largo fin de semana por delante. Voces de powepop y guitarras de rock sureño irrumpen como un doble cartel entre April Wine y Lynyrd Skynyrd".
Como decía ayer, justo el 4 de diciembre salió a la luz el nuevo Ep de la banda holandesa DeWolff titulado Fuego! y se trata de un disco homenaje a las canciones y artistas que les han ayudado a crecer desde sus inicios como músicos, se trata por tanto de versiones de temas inspiradores para ellos, esas joyas ocultas que les definieron como lo que son. Se trata de seis canciones, aunque la última es una mezcla de tres, por tanto serían ocho, de Redbone, Leon Russell, Little Fest (junto a Joe Bonamassa), Free, Eden Rose, Link Wray, Buzz Clifford y Dr. John.
El disco se grabó durante cuatro días en octubre en sus estudios Electrosaurus Studio en Maastricht, y en el tema The Fan Joe grabó su parte en su estudio Ocean Way Studio en Nashville, una locura de ocho minutos con punteos bestiales de Pablo Van de Poel y de Joe Bonamassa.
La versión de Free es del tema que daba título a su tercer disco de 1970, ese Fire and water, que en manos de los holandeses suena genial.
Como vengo diciendo desde el mes de septiembre, el pasado 21 de noviembre salió a la luz la compilación Anthology Collection de 8 cd's que incluye los 3 Anthologys de mediados de los 90, remasterizados por Giles Martin en este 2025, pero también un cuarto volumen, el Anthology 4, la locura, 36 temas más que unido a los antiguos donde hay actuaciones en vivo, emisiones y tomas descartadas, incluyendo el Now and then de 2023 y nuevas mezclas de Free as a bird y Real love, con su productor original Jeff Lynne, lo hacen muy atractivo. Mucha gente pensaba que ya estaba todo dicho con The Beatles, pero esto va a hacer las delicias de los fans, que somos poquitos.
Pues de esas tomas descartadas hablé de la toma 17 de Helter Skelter del disco blanco de 1968, una auténtica barbaridad, con McCartney desatado. También lo hice de la toma 27 (tercera versión) de While my guitar gently weeps del disco blanco de 1968, tema de George Harrison quizás con un ritmo un pelo más lento, y con George con la voz incluso más dulce. Hice referencia de I've just seen a face, la toma 3, tema de 1965 incluido en Help! y que en esta toma tiene la cualidad de que va a un ritmo superior a la finalmente editada. También hablé de In my life, la toma uno de esa gran canción del Rubber Soul de 1965, y se nota que estaba ya muy avanzada y faltaba el relleno de la parte central, muy interesante toma. Ahora llega I need you, la toma 1 en tono acústico, muchas risas entre ellos y sin definir toda la canción del todo compuesta por George Harrison.
Hoy 4 de diciembre sale a la luz el nuevo Ep de la banda holandesa DeWolff titulado Fuego! y se trata de un disco homenaje a las canciones y artistas que les han ayudado a crecer desde sus inicios como músicos, se trata por tanto de versiones de temas inspiradores para ellos, esas joyas ocultas que les definieron como lo que son. Se trata de seis canciones, aunque la última es una mezcla de tres, por tanto serían ocho, de Redbone, Leon Russell, Little Fest (junto a Joe Bonamassa), Free, Eden Rose, Link Wray, Buzz Clifford y Dr. John.
El disco se grabó durante cuatro días en octubre en sus estudios Electrosaurus Studio en Maastricht, y en el tema The Fan Joe grabó su parte en su estudio Ocean Way Studio en Nashville, una locura de ocho minutos con punteos bestiales de Pablo Van de Poel y de Joe Bonamassa.
Como llevo diciendo desde mediados de diciembre, el próximo 16 de enero de 2026 The James Hunter Six editarán su nuevo disco titulado Off the fence, por primera vez en el sello de Dan Auerbach, Easy Eye Sound. Soul, temas llenos de ritmo, vientos y composiciones del propio Hunter son el cóctel que se nos presenta en este trabajo que apunta muy alto. Una de las colaboraciones del disco es la de Van Morrison, en el tema Ain't that a trip, y que es algo así como un cierre del vínculo creativo para el artista, ya que ambos trabajaron por primera vez juntos en 1994 apareciendo Hunter en el disco A night in San Francisco, un directo del irlandés de ese año y posteriormente fue invitado a la grabación de Days like this en 1995, devolviéndoles la jugada Hunter en su disco de 1996 Believe what I say, con esta nueva colaboración es como cerrar el círculo. James Hunter recordemos que es británico de Colchester, condado de Essex, Inglaterra, y publicó su primer disco en 1986.
El tema era una gozada y tiene un ritmo fantástico donde guitarras, vientos y sección rítmica lo bordan, además de tener un vídeo tremendo con bailarines brutales. Luego llegó el segundo adelanto titulado A sure thing, tema que cierra el trabajo y donde esos sonidos que recuerdan épocas pasadas dentro de una preciosa melodía, hacen que la tonada enganche rápidamente. Ahora llega el tercero titulado Here and now, dulce tonada en clave de medio tiempo con bonitos adornos y la voz de James como protagonista.
Como decía hace unos días, Tom Smith, líder de Editors, y componente de Smith & Burrows editará su primer disco en solitario el 5 de diciembre con el título de There is nothing in the dark isn't there in the light. Producido por Iain Archer y a través del sello Play it again Sam el disco sale motivado por el deseo del artista de reconectar con los orígenes acústicos y crudos de su composición, así Smith se propuso crear algo más íntimo y personal, alejado de todo lo que hace con su banda más importante y sus otros proyectos. Mucha esencia acústica en los temas, honestidad emocional y donde hay temas de conexión, memoria y resiliencia.
Lights of New York City, era uno de los adelantos, una muestra de todo eso, tema de esencia acústica con adorno de vientos en este caso, siendo un tema austero y melancólico. Leave es otro de los adelantos, un buen medio tiempo de base acústica y donde la personalidad del artista destaca con su gran voz.
Los 091, la mítica banda granadina, editarán en el mes de febrero de 2026 su nuevo disco Espejismo Nº9, que dará el relevo a la otra vida de 2019. Hoy la banda declaraba en redes sociales: "Tantas cosas han pasado en ese tiempo que realmente nos pareció una vida entera, la huella que ha dejado en nosotros está registrada en este Espejismo Nº9, del que hoy adelantamos 'No tiene sentido esperar'".
No tiene sentido, ese adelanto del álbum, es un medio tiempo de bonita melodía, que tiene estribillo que engancha y unos riffs de guitarra de José Ignacio Lapido clásicos del grupo, en una letra siempre atinada y reflexiva.
Justo en febrero del año que viene, a la vez que salga el álbum, los granadinos empezarán la gira de presentación del trabajo, que comienza en Madrid, e irá por Granada, Sevilla, Valencia, Murcia, Bilbao, Barcelona, Santiago, Gijón, etc...
Os dejo con el tema y vídeo de No tiene sentido escapar.
Siii, siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 494 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un programa que versa sobre las undécimas novedades de este 2025 que hasta el momento ha tenido multitud de publicaciones y de calidad.
Suenan por orden The Lemon Twigs, Midlake, Jeff Tweedy, David Lowery, Marcus King Band, Robert Finley, Charley Crockett, The Struts, The Black Crowes, The Rolling Stones, The Beatles, Neil Young, The James Hunter Six, The Wave Pictures, The Charlatans, Los DelTonos, Fito & Fitipaldis y Santiago Auserón, Vaggelis Tzeretas y Theodoros Karellas.
Os dejo con el programa y espero que os guste tanto como a mí grabarlo.
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