martes, 31 de marzo de 2015

Muse - Dead inside (2015)


 
Ya tenemos aquí un nuevo adelanto del disco que saldrá en junio de Muse, titulado Drones. El primer single era Psycho del que hablamos aquí y que recuperaba el estilo de sus primeros discos, sin embargo este segundo adelanto, titulado Dead inside es más popero-electrónico y se parece más a la onda de sus últimos trabajos, aunque no deja de ser un buen tema, me deja menos satisfecho. Ya sabéis los que me conocéis que prefiero su primera época.




Os dejo con el tema Dead inside y el vídeo.

 

lunes, 30 de marzo de 2015

Guadalupe Plata - Serpientes negras (2015)



En el nuevo y delicioso disco de Guadalupe Plata, hay cosas constantes y algunas variables que sólo sirven para mejorar todavía más su propuesta. Estos novios de la muerte siguen obsesionados con la ultratumba, los gatos asesinados, la nocturnidad, el malditismo, el rollo santero mexicano, mientras su música sigue siendo puro y duro blues, donde la guitarra de Perico de Dios sigue disparando ráfagas a diestro y siniestro y mejora vocalmente aún más echando a volar definitivamente. Este trío es grande, muy grande, y me juego el cuello a que aquí no estamos preparados para tanta grandeza y tendrán más éxito fuera.
Loco estoy por que llegue el día 10 de abril para verlos en vivo, en mi caso por segunda vez.




Os dejo con Serpientes negras, un boogie bluesero de una calidad descomunal.
 
 

domingo, 29 de marzo de 2015

AC/DC - Hard as a rock (1995)

 
 
En 1995 la banda australiana AC/DC editó Ballbreaker, donde para mi recupera el mejor nivel, en el que probablemente sea su mejor disco de la década de los 90. Phil Rudd volvió a las baquetas y con los hermanos Young a tope, el disco es un muy buen disco de rock and roll con gotas de blues y boogie. El single fue Hard as a rock, que a día de hoy me sigue pareciendo un single brutal.
Además el vídeo es realmente inolvidable. La gira de aquel disco fue impresionante, del que se editó el dvd en directo en Las Ventas, un concierto mítico donde los haya.
 
 

Os dejo con el vídeo y el tema.

 

sábado, 28 de marzo de 2015

The Zombies - Time of the season (1968)


 
 
En 1968 The Zombies editan el que a la postre sería su último trabajo de estudio "Oddesey and Oracle" antes de separarse. Una banda que había parido singles y discazos desde 1964 de un nivel superlativo pero que visto su poco éxito comercial y demás decidieron poner punto y final.
Y este álbum se cerraba con Time of the season, palabras mayores, una obra maestra de tema en si misma. Curiosamente después del fracaso de sus singles antecesores, esta canción volvió a salir como single en 1969 y triunfó, ya demasiado tarde, ya que la banda estaba disuelta.
 



 
La canción está compuesta por Rod Argent e incluye la voz extraordinaria del cantante Colin Blunstone, el riff del bajo memorable y la improvisación psicodélica agitada al teclado de Rod Argent. La letra es una descripción arquetípica de las emociones que rodean el famoso Verano del amor y es famoso por sus versos de call-and-response (Llama-y-responde), "What's your name? (Cuál es tu nombre?) / Who's your daddy? (Quién es tu papi?) / Is he rich like me? (Es rico como yo?)".
 
Disfrutad de esta joya de este enorme grupo.

 

viernes, 27 de marzo de 2015

Mark Knopfler - Beryl (2015)

 
 
Mark Knopfler editó el 16 de marzo Tracker, su nuevo disco. No hay muchas novedades con respecto a sus últimos trabajos, temas de candencia a medio tiempo la mayoría y con aire tranquilo. Mark ya vive una vida sosegada, le gusta pasear con el perro, montar en viejos coches y motos de museo y hacer la música que le gusta, a medio camino entre el country, la música celta y el rock de toda la vida, pero con un toque más calmado. Eso si, siempre es una delicia escucharle tocar la fender stratocaster a su estilo, sin púa, como en el tema que hoy os pongo, Beryl, quizás de los que más me gustan del álbum.
 



Os dejo con Beryl, y disfrutad.

 

jueves, 26 de marzo de 2015

The Who - Who are you? (1978)

 
En 1978, la banda británica The Who editaba Who are you?, el que a la postre sería último disco de su batería Keith Moon, quien moriría justo un mes después de editarse el mismo. El tema que daba título al disco se convirtió pronto en un single muy radiado y reconocible de la banda, donde sintetizadores y teclados manejados por Pete Townsend empezaban a cobrar un tono muy significativo en la música del grupo. Muy destacable también la voz de Roger Daltrey en este tema.
 
 
Muchos y muchas no entendemos lo del accidente aéreo de los Alpes, ¿quien eras tu, copiloto alemán suicida?
Dedicado a todas las víctimas inocentes.
 
Os dejo con el vídeo del temazo.

 

miércoles, 25 de marzo de 2015

The Beatles - Beatles for sale (1964)



Beatles for sale es el cuarto disco de los Fab Four, dentro de un año en el que estaban a tope, y ya habían editado A Hard Day's Night. Pero este, siempre ha sido un disco menospreciado, aunque sin embargo yo le tengo bastante cariño. Es obvio que quizás hay demasiadas versiones, eso no lo voy a negar, pero hablamos de versiones de influencias fundamentales en los de Liverpool que venían de los 50, como Carl Perkins, Chuck Berry, Buddy Holly, etc., y algunas de ellas son realmente excelentes, en total 6 de 14 temas que componen el trabajo. Pero la explicación es clara, los Beatles por contrato debían grabar dos discos por año, y como no tenían más material (ya que a diferencia de otros grupos de la época, se negaban a incluir los singles en los LP's para luego rodearlos de relleno), lo completaron con covers que tocaban en los viejos tiempos de Hamburgo, eso si, grabadas a posta para el disco. Pero este álbum deja claro que los chicos ya querían hacer algo diferente, y este cuarto disco marcará el fin de la primera época, ya que en Help! el grupo empezará a virar y tirarse a territorios más folkies. En este sentido, en este trabajo a pesar de mantener un estilo pop-rock en algunas canciones, mostraba una transición en el sonido de los Beatles, que se alejaban del pop alegre y marchoso (Merseybeat) para acercarse un poco más al folk y las letras más reflexivas. La madurez también se nota en algunas letras de Lennon (No Reply, I'm a loser, Baby's in black, I don't want to spoil the party), que suenan pesimistas y tristes, en contraposición a la alegría fiestera de los primeros 3 trabajos.
Pero para entender bien este disco, hay que profundizar en la situación que en esos momentos vivía la banda. Hablamos de un año de máxima popularidad, todo Cristo quería verlos tocar, la agenda petada y conciertos continuos, horarios siempre ocupados y esa fama estaba agotándoles. La propia portada es una muestra de esa situación, con los cuatro cansados frente a un fondo otoñal. Llega la Navidad y la compañía quería sacar disco de los Beatles para sacar rédito en ventas, algo seguro en aquel momento. Hablamos de un disco que se graba en 3 semanas y en días libres entre gira y gira.




Comienza el disco con No Reply una canción melancólica y tranquila, una sutil joya acústica que es ya un signo de cambio a como empezaban los anteriores trabajos, aunque contiene los típicos cambios de ritmo grandes del grupo, a la vez que se nota la voz de Lennon. I'm a loser es para mi el gran hit del disco, junto con alguna otra, donde también canta John que se considera un perdedor, por tanto la letra es triste (Soy un perdedor, y perdi alguien que esta cerca mío, soy un perdedor, y no soy lo que aparento ser) pero cuya melodía es espléndida. Baby's in black cierra la trilogía inicial, donde aquí cantan John y Paul y si antes estaba triste y se consideraba un perdedor, aquí directamente se va de funeral. Y llega la primera versión, el Rock and roll music mítico de Chuck Berry, que no mejora a la original, pero para mi tiene, a parte de escuchar a Lennon cantando a su ídolo, esa reminiscencia a la época de Hamburgo, cosa muy lógica. I'll follow the sun remonta el vuelo , una composición pastoral de Paul, muy emparentada con Til there was you, con aires bucólicos y otoñales la mar de efectivos. Mr.Moonlight es quizás el tema más tedioso del disco, una versión de Johnson cantada por John algo monótona, donde el solo de teclado aporta poco. Con el medley de Kansas City/Hey-Hey-Hey-Hey! sube el tono, con Paul cantando rock and roll de manera portentosa, versión de Leiber/Stoller (que componían para Elvis mucho).
Eight days a week empieza la segunda cara, tema que llegó al número 1 en EEUU, y la primera en utilizar la técnica fade-in, cuyo título venía de una frase de Ringo que se quejaba de curraban demasiado, y necesitaban ocho días de la semana para completarlo, un tema que recobra alegría, con cambios preciosos, un single rotundo con Lennon cantando de vicio, con estribillo pegadizo y puente brillante. Words of love es una versión de Buddy Holly, melosa, con buenos arpegios de guitarra, no aporta nada del otro mundo, pero no desentona. Con Honey Don't llega para mi una de las grandes versiones del disco, que canta Ringo, y es que a Carl Perkins si que le pillaron el punto, gran rock and roll clásico con un irresistible fraseo de Ringo (C'mon George, rock for Ringo). Every Little thing es una bella canción con quizás una letra excesivamente cursi, pero con melodía muy pegadiza. I don't want to spoil the party regresa al pesimismo donde canta el dúo Paul-John, tema de buena melodía en el estribillo, algo folk con muy buenos coros. What you're doing tiene la peculiaridad de un punteo muy estilo Byrds de la guitarra, canción cantada por Paul como siempre insuperable. Y cierra el álbum la segunda versionaca de Perkins, Everybody's tryin' to be my baby, fastuosa con Harrison al cante en esta ocasión, magnífica reivindicación.


 
 
Hablamos de un disco rompedor en ventas en su momento, en pleno auge de la Beatlemanía, pero los cuatro fantásticos no eran tontos y sabían que el cambio urgía, por ello en este trabajo empiezan a dar síntomas claros que se manifestarán ya en el siguiente trabajo Help!, pero mucho más en Rubber Soul.
 
Este texto fue realizado por mi para Exile SH Magazine, y ahora reposa en mi espacio.
 
Os dejo con el tema Baby's in black.
 
 

martes, 24 de marzo de 2015

Radio Futura - La canción de Juan Perro (1987)


Radio Futura es posiblemente una de las bandas, por no decir el grupo, cuyas transformaciones fueron legitimadas por una ambición creativa que está al nivel de muy pocos. En 1981, los madrileños se reinventaron, tras la frustración que supuso Música Moderna (donde estaba Enamorado de la moda juvenil, Divina, o incluso Interferencias). Resistieron dos larguísimos años a la indiferencia de medios e industria y recuperaron impulso con La Ley del Desierto/La Ley del Mar, el álbum que en 1984 les puso donde merecían. Un año después Un país en llamas, corroboró que estábamos ante un grupo de calado y de amplias miras. Pero en 1987 ya estaban jugando en las grandes ligas, grabando en New York con veteranos en estas lides, desarrollando una intuición y es que se podía trenzar un rock de sonido global con mimbres propios, estamos hablando del rock latino, y eso pasó en La Canción de Juan Perro, el disco del que hablo hoy. Al conjunto le sirvió para dar el empujón definitivo al mercado hispanoamericano y dar un salto cuantitativo en cuanto a repercusión mediática y de ventas. Radio Futura, se convirtieron en un grupo respetable y respetado por aquellos que no les habían prestado mucha atención desde los tiempos de la movida, pero sobre todo porque estábamos ante un disco clave en su discografía que marcaría un antes y un después, sin duda su álbum más logrado y cúspide de su carrera con canciones inolvidables.




El Rock latino, como lo entendían Santiago Auserón (voz y guitarra), Luis Auserón (Bajo) y Enrique Sierra (guitarra), significaba una música sobria, lo bastante maleable para que encajaran las rudezas del castellano, crónicas de la España profunda, viñetas de la Barcelona canalla, tormentas del alma, narraciones enigmáticas o el ejercicio glorioso de musicar al Edgar Allan Poe más gótico. Hablamos de una audacia conceptual, que requería poner toda la carne en el asador por los miembros del grupo, y así fue.
Para ello la banda paró los conciertos, reconstruyó y aumentó la formación con Pedro Navarrete a los teclados y Carlos Torero a la batería, aparcaron los sintetizadores ochenteros, se amplió el arsenal rítmico de la batería clásica, etc., todo ello con el fin de conseguir el objetivo antes citado. Meses de grabaciones, maquetas en la sede madrileña de Ariola Eurodisc y el productor Joe Dworniak desde Londres como cómplice fundamental, al que no llamaron hasta que no tenían los temas machacados a tope. El disco se grabó en Sigma Sound, en el 1967 de Broadway, New York. La sección de metales corrió a cargo de los Uptown Horns y eso le da un empaque al disco descomunal que amigos y amigas, a día de hoy sigue sonando de manera majestuosa.
Por si fuera poco, en el año 2013 salió una edición 25 aniversario del disco, verdaderamente memorable, con la que se le hace justicia poética a este disco, que contiene primero el álbum remasterizado, luego el disco con las maquetas y por último un concierto de presentación en Alcalá de Henares en 1988, precursor total de aquel directo grabado en 1989 en Valencia.
 



Abría el disco En un baile de perros que es un rythym and blues de tomo y lomo, donde metales, teclados, la sección rítmica, guitarras y la voz de Santiago, tejen una madeja sonora que es realmente abrumadora, menudo comienzo de álbum. El hombre de papel es un medio tiempo, casi en tono de balada, pero con aires blueseros claros, donde Santiago está luminoso cantando de lujo, además de contener una preciosa letra y adornarse con dobles voces. A Cara o Cruz pone el listón en el cielo, uno de los temas más perfectos jamás oído antes del grupo, una canción de mezcla de salsa, ritmos cubanos y mestizaje donde los teclados humean de manera tremenda, la guitarra de Enrique destaca y esa letra que dice "La cosa pierde color cuando la piensas dos veces...". Lluvia del provenir ahonda en el mestizaje de sonidos y fusión orientada al baile, en este caso propia de su época, convirtiéndose en un tema de perfecta ejecución pop. La Negra Flor es otra joya rock con toque reggae evidente, donde describen la Barcelona de las Ramblas, la más sórdida y canalla, que posteriormente sería desarrollada como El paseo con la negra flor, digamos así la versión extendida, que era la que tocaban en vivo.
37 Grados es una obra maestra en si misma, que abría la segunda cara y fue el primer single del disco, en el que para mi se define el rock latino totalmente, con toques incluso de merengue, pero con una letra soberbia que Santiago Auserón borda al cante... "No te sofoques, mi amor pero tengo que verte primero, antes de dar más dinero sin conocer tu valor". Annabel Lee es el poema de Poe musicado, su versión gótico-rockera realmente impactante y quizás el tema más alejado del concepto global del álbum. Luna de Agosto es un tema donde destacan los vientos y hay mucho groove, una canción muy tocada en vivo para el lucimiento de Enrique Sierra en el sólo de guitarra. La Mala hora es un blues melancólico, retorcido, un remordimiento llevado a canción con tono decadente a posta, buen contrapunto para el final. El canto del gallo cerraba el disco, una canción de rock latino de temática campestre y rural (de esa España profunda) para cuya promoción Max, autor de Peter Pank, realizó un cómic reproducido en el libro, donde destacan de manera genial los metales.
 


 
Con este álbum Radio Futura salieron muy fortalecidos, y aunque al inicio las ventas no eran las esperadas por la compañía, cada salida de single fue como una bola de nieve que crecía conforme salía al mercado, todo esto reforzado por un directo descomunal, inapelable, contundente, donde la banda demostraba que era capaz de batirse el cobre en terrenos musicales muy variopintos.

Os dejo con 37 Grados por un lado...

 




Y con el Canto del Gallo por otro...

 

Pinchada inaugural de Dj Savoy Truffle en Lucy in the sky Club.



Primera pinchada de Dj Savoy Truffle en un nuevo club con ubicación conocida, en el que daré rienda suelta a todos mis estilos, rock, pop, powerpop, surf, soul, garaje, punk, rockabilly, etc., y todas las épocas, 50's, 60's, 70's, 80's, 90's y este siglo.
La cita es este jueves 26 de marzo a partir de las 23:00h. en la Calle San Vicente Ferrer 55, Metros Noviciado o San Bernardo.



 
Como aperitivo de lo que se podrá escuchar os pongo dos temas.
 
Primero a los Wave Pictures y su tema Spaguetti del año 2012.
 
 





Por otro lado sonará ese New Killer Star de David Bowie de 2003.

 

lunes, 23 de marzo de 2015

Gabinete Caligari - Camino Soria (1987)


Gabinete Caligari en el año 1987. Estamos en una situación, dónde la movida de la que ellos han sido parte integrante, está en su final, en sus últimos coletazos, y es cuando el grupo madrileño precisamente ficha por EMI, una multinacional, es el momento de un cambio, con varias cosas aprendidas ya en el zurrón. Han pasado unos cuantos años desde que debutaran esos chavales con sus camisas negras, su actitud chulapona y en ocasiones soberbia y que realizaban un estilo oscuro cercano al punk, y por si fuera poco han sobrevivido a las castañuelas, al rock torero y ya han conocido la popularidad.
Con todo lo dicho van y sacan Camino Soria, uno de los mejores discos de pop-rock, en este caso castizo, muy castizo, de la historia de nuestro país, así de claro. El disco es en cierta medida conceptual, tiene una inmersión y un homenaje al recio carácter castellano, a lo largo de todo su minutaje, pero en él predomina la melancolía y cierto poso de desamor.
La heroína se había llevado el 29 de diciembre de 1986 a Uli (Santiago Ulises Montero), saxofonista principalmente y multi-instrumentista que dotaba con su impronta un espíritu esencial en el conjunto formado por Jaime Urrutia, Ferni Presas y Edi Clavo.

 
Camino Soria empieza a grabarse en Mayo de 1987, en los estudios Doubletrownics, con Jesús N. Gómez a los mandos de la producción. El álbum mantiene una línea cercana al tema amoroso, que trastocó los corazones de propios y ajenos, además de deprimir al propio Jaime Urrutia tras haber roto una temprana relación con Christina Rosenvinge, cuando el primero militaba en Ejecutivos Agresivos con dieciocho años y la segunda en Ella y Los Neumáticos (curiosamente junto a los “Gabinete” Edi y Ferni) con quince años. Pero la mujer que inspira la canción Camino Soria en concreto es Teresa Verdera, hermana de Juan Verdera, bajista de Derribos Arias, relación que acabó después de cuatro años y que fue el germen de muchas ideas para el disco.
Quizás estamos ante uno de los discos en castellano que más haya escuchado, en aquella mítica cinta de cassette de color amarillo, que a día de hoy conservo y pongo de vez en cuando con cariño.
 


El disco empieza con Pecados más dulces que un zapato de raso, una declaración de amor a pesar de la distancia, coescrita por Urrutia y Eduardo Haro-Ibars está subtitulada como “Carta a Nieves” mientras en la música participan todos, donde destacan unos preciosos arreglos de cuerda. Llega Suite Nupcial un tema con aire o aroma a tema cincuentero, en una pieza con vientos maravillosos y donde la letra es un disfrute total dónde el amor llega a saco en un hotel, una canción llevadera, con estribillo pegadizo y acabado perfecto.
Pero no todo es felicidad, y con La fuerza de la costumbre, es a partir del punto en el que las dificultades de la relación hombre-mujer empiezan, un tema a medio tiempo muy bien desarrollado y con estribillo encajado a la perfección. Tócala Uli es el homenaje a Ulises Montero, maravillosa canción de principio a fin, con una letra espectacular, donde recuperan con clase, estilo y elegancia su estilo más chulapo, con vientos gloriosos, el bajo brutal, redobles de batería clavados, y en definitiva una banda en estado de gracia. Como un pez cierra la Cara A, y habla de la suerte en la vida o simplemente el destino feo, que es la recompensa del riesgo en el amor.
 

 
Comienza la Cara B con La Sangre de tu tristeza, el que fue single del disco, una tremenda canción melancólica, dentro de un disco melancólico como este, pero a su vez cargada de una belleza descomunal. Canción para perdedores, que siempre que intentan siempre sacar el lado positivo a través de una melodía atractivísima con arreglos de cuerda preciosos, gran tonada. Saravá es el baladón del álbum, donde se descubre el oscuro objeto del deseo, la cruel y bella a la vez mujer que te mata de lo malvada que es, una canción con aires de bossanova, con otra vez arreglos de cuerda claves. Rugido de tigre es el tema más rockero del disco, con fuerte presencia de los teclados que están inmensos, en cuya letra apreciamos una cura de heridas del amante abandonado (me suena esto...), que te permite remontar el vuelo.
Y acaba la joya con el tema que da título al trabajo, Camino Soria un tema completo, luminoso a pesar de contener cierta amargura (yo también he curado el olvido del amor en soledad) y de gran belleza lírica que cuenta además con menciones a Gustavo Adolfo Bécquer y Antonio Machado, que cubrió de gloria tanto a la banda como a la ciudad, a la que fueron más turistas:
 
"Voy camino Soria, ¿tú, hacia dónde vas? Allí me encuentro en la gloria que no sentí jamás.
Voy camino Soria quiero descansar borrando de mi memoria traiciones y demás."
 
 

 
No quedaban muchas soluciones, pero a la banda se le ocurrió una, que fue hacer las maletas (la magnífica imagen de la contraportada del austero disco, realizada por Alberto García-Alix) y huir a la meseta castellana, y allí encontrar la paz que necesitaban, arropado por melodías excelentes, así se fraguó este maravilloso álbum.
 
Este post está dedicado al compañero Addison de Witt, con quien comparto devoción por esta grupo y quien ha sido mi fiel escudero en un fin de semana inolvidable en Madrid.
 
Os dejo con La sangre de tu tristeza.
 
 

Stereophonics - Sunny Afternoon (Live) (1999)



Hace poco tiempo en mi último programa de radio, puse una versión que realizaron en 1999 el grupo galés Stereophonics del mítico Sunny Afternoon de 1966 de The Kinks, en versión acústica (que tenía pensado pincharla en la Konvención, pero los recortes de la jefatura se la cargaron). Pero también la tocaban cañera y guitarrera en los directos, como este que os pongo en el día de hoy en vivo en la televisión en TFI Friday, que maravilla poder escuchar esto un viernes por la tele, por dios.
 
Os dejo con el vídeo.
 


The Kinks - Waterloo Sunset (Live) (1973)

 
Este fin de semana, con la III Konvención en la cabeza, todo es felicidad, buenos recuerdos y un poso de fraternidad en el que ha habido reencuentros con viejos amigos, charlas tremendas y momentos gloriosos de todo tipo. Y en homenaje a todo lo vivido, hablaré de un tema mítico de la banda inglesa, el Waterloo Sunset de 1967, incluída en Something else by The Kinks.
La letra describe a dos amantes pasando por un puente y consiste en una historia narrada por un observador (Ray Davies) que habla de la pareja, el Río Támesis y la Estación de Waterloo en Londres. Deshaciendo mitos, Ray en una entrevista en 2008, dijo sobre el tema que "Era una fantasía sobre mi hermana yéndose con su novio a un nuevo mundo y luego emigrarían e irían a otro país". Es característico el sonido de eco de la guitarra, que creó tendencia en su día, pero ante todo esa melodía fastuosa que ha pasado a la historia como una de las mejores de la siempre. Además las segundas voces, la manera de cantar de Ray... todo glorioso.



 
Siempre estará la discusión de los hermanos, pero no hay Kinks sin Ray, pero tampoco sin Dave. Como anécdota, una de las caras B del single era Act Nice and Gentle (tema con el que acabé mi sesión en la III Konvención).

Disfrutad de esta versión en vivo en 1973 de esta maravillosa canción.

 

domingo, 22 de marzo de 2015

Concierto The Village Green Experience, Madrid, Sala El Intruso, 21-3-2015


El remate de el gran día de ayer de la III Konvención de Fans de los Kinks, fue anoche en la Sala El Intruso con el concierto de The Village Green Experience, grupo de Sevilla comandado por José Casas (en el papel de Dave Davies) y Daniel Pérez Astiárraga (haciendo de Ray Davies), y completaban la banda Julio Zabala a los teclados, Álvaro Márquez al bajo y Toni Gavilán a la batería.
Sólo puedo decir que me lo pasé de vicio acompañado de Addison de Witt, Johnny J.J., Chals, Nikochan, Mr.Mepple, Joserra Rodrigo, Gonzalo Aróstegui, Javier de Gregorio, Paco Romero, Manu Grooveman, Isa JMoya, Iñaki García, etc., una noche inolvidable después de que antes hubiéramos tenido charlas, comida de KinkFraternización, proyección de DVD, teloneros y demás historias que hicieron de la fecha de ayer algo inolvidable.



El repertorio fue excelente, mezclando temas de todas las épocas (desde el 64 hasta el 84), temas más conocidos y otros menos. Teniendo en cuenta que el concierto de ayer era muy especial ya que al parecer (por un problema del batería que ha de ser operado) el de anoche puede que sea su último concierto. Daniel cantó de una manera fenomenal, te engancha desde el primer tema, y la banda suena de lujo, mejor todavía que la vez anterior (y eso era difícil).
Cayeron temazos uno detrás de otro, empezando por temas del disco Village Green Preservation Society como Village Green, Big Sky, Do you Remember Walter?, Johnny Thunder, Picture Book, Animal Farm, Starstruck y Days más luego All Day and All of the night, Sunny Afternoon, She's got everything, Yes Sir, No Sir, I need you, Don't Ever Let Me Go, Just Can't Go To Sleep, Set Me Free, Till the end of the day, Something better begining, I'll remember, Autumn Almanac, Waterloo Sunset, Victoria, This Time Tomorrow, I'm In Disgrace, Better Things, A Rock 'N' Roll Fantasy, Celluloid heroes, Dead End Street, Dedicated Follower Of Fashion, This Is Where I Belong, David Watts, Lola o The Hard Way, siendo los bises Strangers y You Really Got Me.



Os dejo con el Better things tal y como sonó en la II Konvención.


viernes, 20 de marzo de 2015

The Wave Pictures - Lisbon (2013)


 
Hace 2 años (realmente año y medio) The Wave Pictures editaba el disco City forgiveness, de una gran calidad, donde la voz de su cantante dibuja melodías que son acompañadas por el bajo y la batería, hasta que él mismo impulsa con su guitarra todo lo que lleva dentro. Esto mismo sucede con uno de los singles del disco, el tema Lisbon, donde el solo de guitarra tiene influencias blueseras (Jimi Hendrix anda por ahí) y se convierte en una canción muy apoyable en un directo.


 
 
Os dejo con el vídeo de Lisbon, muy divertido, en el que ellos son sustituidos por gente algo más mayor.

 

Concierto The Wave Pictures, Madrid, Sala Joy Eslava, 19-3-2015



Muchas eran las ganas de un servidor de ver por primera vez a la banda inglesa The Wave Pictures en directo, y la verdad es que el resultado no ha podido ser más satisfactorio. El grupo en formación de trío, está compuesto por voz y guitarra (David Tattersall), bajo (Franic Rozycki)  y batería (Jonny Helm) que además canta un par de temas y se hacen acompañar de un percusionista que hace de batería en algún tema también. Destacar que el bajista, es un auténtico espectáculo ya que no sólo borda su instrumento durante los temas, sino que va tan sobrado que incluso hace sólos de bajo, rivalizando con los solos de su compañero guitarrista, un duelo maravilloso.
En su directo, muestran sus tablas sobre el escenario labradas con esfuerzo durante los últimos 10 años. David Tattersall ejerce de maestro de ceremonias en conciertos que buen humor, improvisación y cercanía con el público.




En cuanto al repertorio, venían a presentar Great Big Flamingo Burning Moon recién editado, del que han caído varios temas tales como Pea Green Coat, I could hear the telephone (3 Floors above me), la propia Great Big Flamingo Burning Moon o Fake Fox Fur Pillowcase. Del anterior trabajo "City forgiveness" han podido oírse All my friends are going to be strangers, Before this day, Chestnut, Better to have loved (impresionante), Shell o Red cloud road Part.2.
De sus temas más anteriores también se escucharon Long black cars, Spaguetti (donde participó todo el público) y alguna versión de Daniel Johnston como el My life is starting over, más algún tema más antíguo todavía como We Dress Up Like Snowmen.



 
En definitiva un concierto espléndido de un grupo que tiene muchísimo recorrido, un directo súper divertido y consiguen que te vayas a casa con una sonrisa de oreja a oreja.
 
Os dejo con un tema que no dejo de canturrear desde que he salido del concierto, ese Better to have loved del anterior disco, una pasada, interpretado a finales del año pasado en Múnich.
 
 

jueves, 19 de marzo de 2015

The Police - Outlandos D'Amour (1978)


Año 1978, y en Inglaterra el punk se hace con el poder, la anarquía es total, y justo un año antes en 1977, tres chicos habían decidido ya meterse de lleno en el fregado musical, con un single editado (Fall out, del que hablé aquí) y muchas ideas en sus cabezas. El primer álbum del trío de Gordon Matthew Thomas Sumner (mejor conocido como Sting y cuyo famoso apodo fue dado por su uso de un sweater negro y amarillo que lo hacía parecer una abeja en los conciertos que ya daban), Andy Summers y Stewart Copeland fue grabado durante 6 meses en ese año de 1978, gracias al hermano de Copeland, que les prestó el dinero para utilizar un studio en Surrey, para grabar cuando no estuviera ocupado el local. Inicialmente, eran un trío con otro miembro, pero el guitarrista Henry Padovani fue expulsado de la banda antes de grabar éste álbum, por el que entró Andy Summers.
Sting y Copeland, a pesar de provenir de un ambiente emparentado con el jazz, al momento de conformar el disco debut del grupo, también les tiraba el punk que como he dicho, que dominaba la escena, y The Police tendría bastante influencia de aquel estilo en este primer trabajo. Luego el reggae se convirtió en otro recurso que Sting supo mezclar con el rock y de manera brutal, por cierto. Se gesta así, un primer disco de un nivel superlativo y en el que ya había hits demoledores, que pasarían a formar parte siempre de su repertorio de directo.
Esta irreverencia punk de la banda, se siente en el álbum al tratar temas normalmente sensitivos como la prostitución, el suicidio y el uso de muñecas sexuales inflables con humor negro y sarcasmo, evidentemente eran ingleses y lo dejaban notar. Por estos y otros motivos, al principio la banda no era tomada muy en serio por las revistas musicales dominantes, pero la insistencia de la gente que pedía los temas en la radio, hizo que A&M Records relanzara la edición del álbum un año después y esas críticas se volvieron alabanzas, como suele suceder en tantos casos.
 
 

 
El disco comienza con Next to you, tema romántico con la batería de Copeland marcando un ritmo apabullante desde el inicio, una voz de Sting muy marcada y desgarrada, dentro de un tema muy enérgico y punk, además de un slide guitar sólo de Summers atípico en este estilo. So lonely es el primer acercamiento al reggae, aunque realmente hablamos de un tema de pop-rock que se aleja del punk, con sus paradas, sus subidas y bajadas, y un Sting que canta como los ángeles en una pieza que habla de la soledad. Roxanne es un punto y aparte, una obra maestra en si misma, con la famosa nota de piano y la risa inicial de Sting, la canción fue escrita por él mientras la banda se encontraba en un hotel de la zona roja de Paris, donde se imaginó la historia de un hombre que se enamora de una prostituta, un tema donde se mezclan new wave, reggae, rock y que como no, es mítica donde las haya. En un principio la BBC lo censuró, pero fue tal el éxito que causó que pronto se convirtió en el tema de referencia del trío. La popularidad de este tema ha llegado al punto que existe un “Drinking game” en el cual los hombres ingieren un shot cuando mencionan la palabra “Roxanne” mientras que las mujeres beben cuando dicen la palabra “red light”, e incluso ha sido cantada por actores en películas y series (Eddie Murphy en Límite 48 Horas y John Cryer en Dos Hombres y Medio). Hole in my life es otro tema de mezcla de estilos, aunque el resultado es para mi gusto de puro pop-rock, con ese vozarrón de Gordon Sumner llegando a tonos descomunales y Copeland saliéndose a las baquetas. Peanuts vuelve al sello punk, subiendo el ritmo y donde Andy Summers es más protagonista con sus riffs distorsionados.
La segunda cara comienza con otro clasicazo del trío, Can't Stand Losing you, con el mítico redoble de batería del principio y el ritmo reggae de la guitarra, un tema que habla del suicidio (sobre un joven obsesivo que sufre una mortal depresión al ser dejado por su novia), y que claro, generó polémica ya que la portada del single en la que se veía a un hombre ahorcándose, no resultó de lo más atractivo para el público inglés. Sea como fuere, un temazo de tomo y lomo con un estribillo cantable a más no poder, una canción para mi imprescindible. Truth hits everybody es un potente tema de punk-rock que habla de las realidades de la vida, energía revitalizante total con un estribillo muy pegadizo. Born in the 50's habla de la época en la que nacieron los miembros de la banda, en un tono de punk melódico que estaba poco explotado hasta ese momento, con la voz de Sting descomunal. Be my girl-Sally es un tema donde se ve el humor negro de la agrupación, al tratarse sobre la dedicación de amor a una muñeca inflable. Incluso Summers recita un poema a su enamorada en la mitad de la canción. Masoko Tanga remata el discazo, tema totalmente reggae que se convierte en una jam semi-instrumental.


 
 
El debut de The Police fue grandioso, incluyendo temas memorables y bien pegadizos, hecho que ayudaría a la popularidad del grupo sin duda, pero con ciertas dosis de polémica, que porqué no decirlo, siempre vinieron bien a las huestes de Sting.
 
Os dejo con el tema Next to you, interpretado en vivo en The Old Grey Whistle Test (02/10/1978).
 
 

miércoles, 18 de marzo de 2015

The Beatles - A hard day's night (1964)

 
 
A Hard Day's Night es el tercer disco de la banda mítica de Liverpool, The Beatles, y estaba proyectado como banda sonora de la película del mismo título dirigida por Richard Lester. Al final sólo la cara A era la correspondiente de la banda sonora. Es un disco dominado por completo por las composiciones de Lennon y McCartney, que al igual que en otros temas de su primera etapa Merseybeat, incide en las relaciones de pareja con tono algo agridulce (como mi vida, vaya). Presionados por los plazos de la discográfica, se embarcaron en una carrera contrarreloj en la que la grabación del disco en Abbey Road competía con la de la película homónima, distribuída en Estados Unidos por United Artists. La compañía invirtió un presupuesto muy limitado, contando con que el producto no llamaría demasiado la atención, y motivados más por las ventas de la banda sonora. No podrían quejarse tiempo después de la recaudación de una ni de otro, ya que la película recibió un seguimiento considerable y el disco se convirtió en un éxito de ventas instantáneo. La fiebre por The Beatles ya era patente, una auténtica pandemia a un lado y otro del Atlántico. Pero claro, hablamos de los Beatles, que incluso corriendo y a toda prisa, parían joyas una detrás de otra... esas máquinas.
Pero es que amigos y amigas hablamos de un disco soberbio, con quizás algunos de los momentos y de los temas más reconocibles por siempre jamás de los Fab Four. Con predominio de sonidos acústicos, el disco contiene dinámicas piezas pop, la armónica de John es fastuosa en varios temas, la increíble facturación vocal que incluye falsetes a tres voces, temas que tiran al country y baladas de armonías y melodías fastuosas, un álbum que sigue teniendo para mi a día de hoy (y hace ya 51 años de este trabajo) una fuerza y una vigencia descomunales.
 
 
 
 
A Hard Day’s Night tiene uno de las aperturas más reconocibles en la historia de la música, con la canción que da título al álbum y que abre con ese acorde tan absolutamente inolvidable, donde la guitarra deja el camino expedito a las voces, un tema rockero y bailongo (en la onda de Twist and shout). Al igual que el resto de las canciones del álbum, Lennon fue el compositor principal, viéndose ayudado y respaldado por Paul, que fue quien interpretó las estrofas del tema al no llegar John a las notas más altas, como no tuvo problema en declarar años después en una entrevista, es decir, el disco lennoniano por antonomasia de la primera época. I should have known better es una de mis canciones favoritas de toda la vida, dónde la armónica de John se sale, su voz, un estribillo fastuoso, y una de las mejores transiciones jamás hechas, quien no cante este tema... es que no tiene alma. If I fell es una balada preciosa, un medio tiempo donde los juegos vocales de las voces son una delicia. I'm happy just to dance with you es el regalo de John a George, temazo pop de factura movida y con uno juegos vocales primorosos. And I love her es una maravilla absoluta, una balada logradísima donde Paul lo borda con cálida ligereza romántica a ritmo de bongos y caja china. Tell me why es la canción del falsete a tres voces que es un pasote, desatados todos en este rápido tema y muy llevadero. Can't buy my love es una oba maestra en si misma, uno de esos singles directos que los chicos de Liverpool hacían como si fuera fácil, donde Paul canta muy rock and roll estilo Little Richard, porque hablamos de un tema que es rock and roll de onda cincuentera total, cuya letra levantó un revuelo considerable en los medios americanos de perpetua doble moral, que no dudaron en afirmar que el significado último de los versos hacía referencia clara a la prostitución (claro, claro, como no, ¡¡¡por Dios!!!).
Any time at all comienza la cara B y es una jubilosa pieza pop, con John a los mandos de la nave vocal, y sin ser un tema complejo da la talla. I'll cry instead pone de manifiesto el gusto del grupo por la música de Merle Haggard y Buck Owens, en especial por parte de Ringo, temazo de onda country y folkie con pandereta incluida. Things we said today es la tercera pieza que canta Paul, descomunal cancionaca de la vida por favor, una maravilla pop con base folk que tiene un cambio de ritmo, subida y vuelta al carril de padre y muy señor mío. When I get home es donde John vuelve furioso, pero a la vez bárbaro con su voz rompiéndolo todo, y ese ritmo que es increíble. You can't do that es puro y duro Lennon, con su acidez y los coros de sus compis que le dan un toque perfecto, además de Ringo tocando cencerro. I'll be back cierra la joya, otro nuevo reclamo con letra suplicante en la que la voz de Lennon resulta especialmente dulce y sin duda destinada a las jovencitas más enfebrecidas de entonces y de ahora (aunque tengan unos cuantos años más).
 


 
A Hard Day's Night es un LP fantástico que singulariza a la perfección la capacidad creativa de los Beatles, quienes confeccionan aquí su primera obra maestra, de una frescura y lozanía pop inmarchitable al paso del tiempo. De esos discos que te da ganas de seguir poniendo antes de salir de noche a comerte la ciudad.
 
Os dejo con el vídeo del tema I'm happy just to dance with you.
 
 

Guadalupe Plata - Calle 24 (2015)


 
Guadalupe Plata, el trío de Úbeda, Jaén, han editado su tercer disco largo esta semana., que como todos los anteriores no lleva título. Este álbum ha sido grabado en el estudio Toerag de Liam Watson, donde los White Stripes grabaron su rompedor “Elephant”, y suena más que nunca a Guadalupe Plata, con el explosivo poder pero también el dominio de registros, del aire y del espacio que les caracteriza. Con más flechas que nunca en su aljaba, el trio respira blues, rock y aires flamencos como de costumbre, pero añaden delirio glam, rockabilly, influencias de Morricone, Charlie Parker, Howlin’ Wolf o Johnny Burnette para marcar un incontestable álbum de rock moderno.




El disco está disponible en tres formatos físicos, contenido en una portada dibujada por el guitarrista y vocalista, Perico de Dios. El álbum rojo de Guadalupe Plata sale en 3 formatos, a saber, edición limitada de vinilo en funda grabada y numerada, con poster, en CD y en vinilo normal de 180 gramos, y su lanzamiento será apoyado por una larga gira de España con carteles en 25 ciudades, entre ellas Madrid el 10 de abril que espero con impaciencia.
 
Os dejo con el primer adelanto, llamado Calle 24.
 
 

Pinchada Pre-Konvención compartida de Dj Savoy Truffle en el Pez Eléctrico.


 
Este viernes 20 de marzo Dj Savoy Truffle y Dj Stardust tendrán un duelo de pistoleros musicales en la cabina del Pez Eléctrico, para deleitar a todos y todas las que se quieran acercar y así dejar los cuerpos preparados para la Konvención Kinkiana del día siguiente. En mi sesión aportaré el lado más cercano al evento del día siguiente, además de mis estilos habituales, es decir, rock, pop, powerpop, surf, soul, garaje, etc...
La cita es en el Pez Eléctrico, calle Pez 40, Metro Noviciado.
 

 
 
Os dejo con un par de adelantos de lo que se podrá oír.

Por ejemplo el It won't belong de los Beatles de 1963.

 




 
Por otro lado The Kinks y su This time tomorrow de 1970.

 

martes, 17 de marzo de 2015

Santana - Evil ways (Live at Woodstock) (1969)


 
En el verano de 1969 se celebró durante 3 días el festival de Woodstock, en el estado de Nueva York, hablamos del Este de Estados Unidos, y hubo una banda totalmente desconocida, porque venían del Oeste (California), que habían editado su primer disco "Evil ways" ese mismo año, y fue de las bandas más impactantes del festival, hablamos de Santana. Ritmos caribeños, percusiones espectaculares (con influencias de Tito Puente), la guitarra de Carlos Santana descomunal, y en definitiva un grupo realmente espectacular que dieron un concierto soberbio.





Yo os dejo con el tema Evil Ways tal y como sonó en Woodstock.

 

Jack White - That Black Bat Licorice (2014)


 
Jack White sigue sacando singles de su magnífico Lazaretto (recuerden número 1 de la lista de internacional de 2014 en este espacio). En este caso es el turno del temazo "That Black Cat Licorice", para el que han hecho un vídeo animado que la verdad, es una pasada. Como si fuera un cómic animado, se desarrolla de manera eficiente al son de la música. Un tema que es puro Jack White, con guitarra punzante, teclado a tope y la banda que está de dulce, con ese batería de color que es un escándalo.




Os dejo con el vídeo del pasote de tema.