Canciones maltratadas por por las emisoras de radio y cadenas de televisión (XLVII)

Continuamos de manera incansable y disfrutando con esta sección de canciones maltratadas que llega ya al capítulo 47, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero con un británico de orígenes gibraltareños que a principios de los setenta tuvo un éxito tremendo, luego tenemos a unos italianos que tuvieron mucho éxito en los ochenta con un tema adictivo y por último tenemos a un artista austríaco que tuvo un hit a mediados de los ochenta espectacular, utilizando al músico más famoso de su país como reclamo.

Albert Hammond - It never rains in Southern California (1972)

Albert Hammond es un músico de padres gibraltareños, que circunstancialmente nació en Londres en 1944 (sus padres se habían trasladado desde allí a la capital del reino durante la II Guerra Mundial), aunque luego sus padres regresaron a Gibraltar donde Albert creció. Sus inicios musicales fueron en la banda The Diamond Boys, que tuvieron actuaciones por Madrid pero no llegaron a grabar. En 1966 fundó The Family Dogg junto a Steve Rowland, consiguiendo éxitos en las listas británicas. Su dupla compositiva junto a Mike Hazlewood en este grupo destacaba, y fueron desarrollando su carrera durante el final de los 60, hasta que ya Albert empezó con su carrera en solitario. En 1971 se traslada a Estados Unidos, donde le ficha CBS. Su primer disco en solitario de 1972 titulado It never rains in Southern California, tenían 10 temas compuestos por ese dúo con Hazlewood, y el tema que daba título al disco fue un éxito absoluto, aunque hubo más temas del disco que fueron singles y entraron en listas. It never rains in Southern California es un tema de folk-pop de una clase indudable que fue número 1 en España, número 2 en Canadá y Nueva Zelanda y número 5 en Estados Unidos. Se trata de un tema maltratado en esa época de manera inmisericorde.

Os dejo con It never rains in Southern California, interpretado en 1975.

Righeira - Vamos a la playa (1983)

Ahora vamos con un dúo italiano originario de Turín llamado Righeira y formado por Stefano Rota y Stefano Righi que con un tema incluido en su primer disco homónimo de 1983 tuvieron un tremendo éxito, la canción se llamaba Vamos a la playa. El tema estaba compuesto por Stefano Righi y Carmelo La Bionda, este último fue el productor, teniendo un gran éxito en Europa ese año, fue canción del verano debido al significado del título y su melodía alegre. Hay que decir que el contexto histórico del tema no es baladí, ya que el año del lanzamiento de la canción se vivía todavía una alta tensión entre Estados Unidos y la Unión Soviética (había Guerra Fría aún), y el mundo temía un ataque nuclear, por eso en la letra del tema se escucha la frase "vamos a la playa, la bomba estalló" o alusiones a la radioactividad cuando hablan del agua fluorescente. Musicalmente es un tema claramente ochentero con sintetizadores dominando. 

Un año después volvieron a tener éxito con No tengo dinero.

Os dejo con Vamos a la playa.

Falco - Rock me Amadeus (1985)

Johan "Hans" Hölzel, cuyo nombre artístico era Falco, fue un cantante y compositor austríaco cuyos estilos navegaban entre el synth pop, el hip hop, el pop y el rock. Vendió muchos millones de copias en su corta y productiva carrera (falleció a los 40 años en un accidente de coche) y tuvo muchísimo éxito ya desde la publicación de su primer álbum en 1981 con el tema Der Kommissar con números 1 en Austria y Alemania. Pero fue en 1985 cuando editó su tercer álbum titulado Falco 3 cuando alcanzaría éxito mundial con su tema Rock me Amadeus, hablamos de una canción que fue número 1 en prácticamente toda Europa, Australia, Nueva Zelanda y Estados Unidos. Fue el primer artista de habla germana en conseguir un número 1 en USA.

La canción fue grabada en alemán y su temática es sobre Wolfgang Amadeus Mozart, en la que habla de su popularidad y sus deudas a la sociedad, seguramente influenciada por la película Amadeus de 1984. También existe una versión más larga de ocho minutos llamada "Salieri mix" que iba en el lanzamiento inicial del álbum Falco 3 en Estados Unidos.

Os dejo con el tema y vídeo de Rock me Amadeus.

Canciones maltratadas por por las emisoras de radio y cadenas de televisión (XLVI)

Continuamos de manera incansable y disfrutando con esta sección de canciones maltratadas que llega ya al capítulo 46, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero a una formación californiana y sesentera con un tema que fue un hit, luego a un artista norteamericano que tuvo un tremendo éxito con un tema que hizo para una banda sonora y por último una banda mexicana con uno de sus hits más machacados de la historia.

The Turtles - So happy together (1967)

Esta banda norteamericana de Los Ángeles, cuyo estilo navegaba entre el pop (bubblegum pop según los expertos), el rock psicodélico y el folk rock eran gente feliz, de buen rollo, con tintes melancólicos, pero con aire de descaro que siempre me gustó, eran frescos. Autores de no menos de 10 hits en toda regla, pero para la historia siempre quedó este temazo, el So Happy together. Los líderes del combo eran Mark Volman (guitarra y coros) y Howard Kaylan (voz y teclados), que se conocieron en la escuela junto a Al Nichol (guitarra solista, teclado y coros), Chuck Portz (bajo) y Don Murray (batería) que formaron The Crossfires. Antes de eso. todos excepto Volman formaron los Nightriders, un grupo que hacía surf instrumental, que cambió el nombre al entrar Volman. Posteriormente se uniría Jim Tucker (guitarra rítmica), decir que el bajo en esa época lo compartían Chuck Portz y Chip Douglas, de hecho fue Chip quien grabó So Happy together. Cuando Rob Foster, que era propietario de un club y disc-jockey local los escucha, les consigue un contrato con la White Whale Records, convirtiéndose claro en su mánager. El ya sexteto pasa a llamarse The Tyrtles en homenaje a The Byrds, pero al final se quedan en The Turtles. 

En 1967 editaron su tercer álbum, titulado Happy together, que incluía la canción de marras, y que fue a la postre su álbum más vendido, puesto 25 en las listas americanas, pero el single llega al número 1 y fue éxito rotundo en medio mundo. En España muchos grupos versionaron el tema como Los Mustang, Los Ángeles y Cristina y Los Stop, adaptándola al castellano como "Los dos tan felices".

Curiosamente la canción estaba compuesta por Garry Booner y Alan Gordon, miembros del grupo The Magicians, que compusieron más temas para el disco. Una canción vocalmente extraordinaria, con armonías preciosas y una melodía portentosa.

Os dejo con So happy together.

Michael Sembello - Maniac (1983)

Vamos ahora con otro de esos casos de un One hit wonder, el de Michael Sembello y su tema Maniac, perteneciente a la banda sonora de la película Flashdance. Hablamos de un músico norteamericano que comenzó su carrera en los años 70 siendo guitarrista de estudio, trabajó y hasta compuso para una variada gama de artistas como Michael Jackson, Diana Ross, Barbra Streisand, Donna Summer y Stevie Wonder (con este estuvo hasta cinco años). En 1983 decidió lanzar su carrera en solitario, y para ello trabajaba en el disco Bossa Nova Hotel, producido por Phil Ramone, saliendo en septiembre de ese año. Pero antes, por el mes de abril de ese año había salido la banda sonora de Flashdance, y ese tema estaba incluido (temas como el de Laura Branigan o Joan Jett se quedaron fuera), los singles fueron What a feeling de Irene Cara y Maniac de Michael Sembello (cuya esposa envió a los ejecutivos de Paramount Pictures el tema, cuando buscaban música adecuada). Maniac fue un éxito rotundo, número 1.

La parte negativa estaba para su autor en que esa canción había sido compuesta años antes para la película de terror Maniac (1980), y lo que se hizo fue ajustar las letras, eso propició una situación crítica, ya que fue nominada a los Oscars como mejor tema de la película, pero fue descalificada al no estar compuesta originalmente para Flashdance, que si se llevó Irene Cara por What a feeling.

Lo innegable es que este tema totalmente ochentero es uno de los hits que más han sonado siempre y aún hoy lo sigue haciendo.

Os dejo con el tema y vídeo de Maniac.

Maná - En el muelle de San Blas (1997)

Maná es una banda mexicana, cuyos orígenes se remontan a un grupo musical llamado Sombrero Verde, cuyos integrantes eran Fher Olvera a la voz, Gustavo Orozco a la guitarra eléctrica y los hermanos Calleros, Juan al bajo, Ulises a la guitarra eléctrica y Abraham a la batería, originarios todos de Guadalajara. Hicieron dos discos en 1981 y 1983, y de las cenizas de esa formación nació Maná que ya no tenían al hermano batería que se fue a Estados Unidos, y por él entró Alejandro González, siguiendo Juan y Ulises Calleros al bajo y guitarra respectivamente y Fher a la voz, mientras Gustavo Orozco también se fue más tarde.

En 1987 lanzan su primer disco homónimo como Maná en el sello Polygram, en el segundo disco entra Alex González a la batería e Iván González a los teclados, mientras en el tercer álbum entra César "Vampiro" López a la guitarra por Ulises que causa baja. Pero será a partir del cuarto disco cuando ya se quede una alienación estable con Fher a la voz y guitarra, Alex González a la batería, Juan Diego Calleros al bajo y Sergio Vallín a la guitarra.

Fue con su disco de 1997 Sueños líquidos, el quinto como maná, con el que tuvieron reconocimiento a nivel mundial, vendiendo mucho. En ese disco estaba incluido el tema En el muelle de San Blas, una canción que con el tiempo fue absolutamente maltratada por todos lados, cosa que luego sucedería con más temas de esta formación. El tema cuenta la historia de una chica que espera vestida de novia cada día en el muelle a que llegue su novio del mar, ya que le ha prometido que le esperará, y los vecinos piensan que la chica ha perdido la cabeza...

Fher, el cantante, siempre ha dicho que está basada en un hecho real, lo cierto es que la historia existe, pero no es exactamente como la cuenta la canción. El famoso Muelle de San Blas está en la población mexicana del mismo nombre en el estado de Nayarit, en la zona central de la costa del Pacífico. A mitad de los 90 Fher, paseaba por Puerto Vallarta de San Blas, cuando se le acercó una anciana de sesenta años y le dijo algo así como: "ya viene mi amor... mi amor mañana va a venir, él viene en barco". Más tarde se le acercó un chico y le dijo que no le hiciera caso pues era la Loca del muelle de San Blas, y le dice que ella se quedó ahí pillada desde que su chico la dejó y se fue, ahí es cuando se le encendió la luz a Fher.

Os dejo con el tema y vídeo de En el muelle de San Blas.

Canciones maltratadas por por las emisoras de radio y cadenas de televisión (XLV)

Continuamos de manera incansable y disfrutando con esta sección de canciones maltratadas que llega ya al capítulo 45, quién lo iba a decir, siguen existiendo canciones muy machacadas en la música desde tiempos inmemoriales. En esta nueva triada vamos primero con la canción denominada como el primer rock and roll de la historia, luego con el tema más famoso y exitoso de un mito de la música que nos dejó hace poco y por último un tema de una banda que hacía mestizaje musical y que reventó listas.

Bill Haley & His Comets - Rock around the clock (1954)

Bill Haley & His Comets fue una banda de rock and roll creada en 1952, aunque el propio Haley había empezado antes en 1950 acompañándose de The Saddlemen, donde hacía una mezcla de música country y western, que luego fue cambiando y evolucionando hasta llegar al rock and roll. Rock around the clock es un single grabado por esta formación el 12 de abril de 1954 para el sello Decca Records de New York y que es considerado el primer rock and roll de la historia, además de ser la primera canción de este estilo que llegó al número 1 de ventas en Estados Unidos. Escrita en 1952 por Max C. Freedman y James E. Myers fue grabada inicialmente por Sonny Dae and His Knights, y ha tenido múltiples versiones de todo pelaje, desde grupos punks como Sex Pistols, la banda belga Telex de synth-pop o incluso la cantante norteamericana afincada en Mexico, Gloria Ríos, adaptó una versión al castellano con el título de El relojito. Pero para la historia siempre quedó como la gran versión de este tema la de Bill Haley & His Comets, con una interpretación memorable, a parte de ser considerados en sus tiempos tan revolucionarios como Beatles y Stones, antes de ellos claro.

Os dejo con la interpretación del tema en el show de Ed Sullivan en 1955.

Jerry Lee Lewis - Great Balls of Fire (1957)

Jerry Lee Lewis publicó el single Great balls of fire el 11 de noviembre de 1957, después de haberla grabado un mes antes, el 8 de octubre. El pianista y cantante tuvo un gran éxito con esta canción en los medios de comunicación de la época, que la elevaron a la categoría de himno del rock and roll, de hecho alcanzó el número 1 tanto en Estados Unidos como en Reino Unido, y puestos altos en Nueva Zelanda y Alemania. Jerry Lee Lewis era nacido en Ferriday, Louisiana, y fue el primer rebelde, por así decirlo, del rock debido a su personalidad altanera, llevando su música al lado más salvaje y frívolo dentro de una sociedad muy conservadora en aquel momento y llena de trabas. Sin ir más lejos, se casó con su prima de 13 años de edad (algo increíble en esa época) Myra Gale Brown en 1958, pero ese era ya su tercer matrimonio, el primero lo tuvo cuando él tenía 16 años en 1952, hablamos de un tipo que se casó en total siete veces. Pero eso le ocasionó censuras de las discográficas, las polémicas con los medios más conservadores, exceso de pastillas y el descenso de fama y popularidad.

Musicalmente tenía su sello distintivo con su piano, tocándolo de manera salvaje con pies, y tacones incluso, haciendo la diferencia en vivo y marcando territorio con sus rivales, esa actitud le llevó a tener el apodo de "The killer".

Y volviendo al tema en cuestión se grabó ese 8 de octubre de 1957 en los Sun Records Studios en Memphis, Tennessee, tema cedido por el compositor Otis Blackwell, quien venía de trabajar en algunas canciones para Elvis Presley, que para esta ocasión y en un detalle bastante extraño, mandó la cinta a los agentes del sello bajo el pseudónimo de Jack Hammer. El tema tenía muchas metáforas referidas al ámbito sexual, algo que iba perfecto con la personalidad del músico. Pero fue el propio Sam Phillips, dueño de Sun Records, quien animó a Jerry a que grabara la canción sin temor a las censuras, ya que por ejemplo su familia que era muy religiosa, le tenía crucificado. Se trata de una canción que no llega a los dos minutos y es una absoluta maravilla, vertiginosa y al grano.

Recordar que en 1989 salió el biopic del artista llamado como esta canción, que tuvo a Dennis Quaid como el actor elegido para darle vida.

Os dejo con el tema y vídeo de Great balls of fire.

Mano Negra - Mala vida (1988)

A finales de los años 80 salió un grupo llamado Mano Negra, que ayudaron a crear en la época el llamado "mestizaje", un término que estuvo de moda muchos años, pero que no todos sabían hacer o interpretar, ya que esa fusión entre estilos, ese cruce, o llámese como se quiera, se desnaturalizó con pastiches de poca calidad donde sobre una base de un estilo se le añadían pinceladas étnicas como adorno, y encima se vendía como un producto de mezcla de culturas y demás, naranjas de la China.

Pero por contra, sí que hubo unos pocos artistas y bandas que si que consiguieron esa fusión de músicas diferentes bebiendo de fuentes distintas y diversas, consiguiendo un sonido peculiar y distintivo que partía además de un modo de vida, en ciudades de alta inmigración, en cuyas calles de suburbios de París o Londres, había esa amalgama de gentes de diferentes etnias. Por supuesto era el caso de nuestros protagonistas Mano Negra, con Manu Chao al frente, hijo de emigrantes españoles afincados en las afueras de París, que había convivido ya desde pequeño con gentes de otras razas e ideas diferentes, por si fuera poco su padre Ramón Chao era un escritor y periodista de solera, con lo que en su entorno siempre había artistas e intelectuales que le forjaron. Manu ya formó parte de grupos desde adolescente en compañía de su hermano Antoine o su primo Santi Cassariego, partiendo de estética y sonido punk, a los que añadían otros muchos estilos para crear su propio sonido y señas de identidad. En 1987 formó Mano Negra, banda que tuvo mucho éxito en Europa, donde había esa mezcla de punk, rock, ska, reggae, música africana, música sudamericana, etc., una banda con entradas y salidas de miembros, épocas de separaciones y demás...

En 1988 editaron su primer álbum Patchanka, que tenía un tema incluido llamado Mala vida (ellos cantaban más en castellano que en francés) y que supuso su puerta al éxito y el fichaje por una multinacional, en su caso Virgin Records. Aunque todo el disco fue muy bien recibido, este single se llevó la palma, y es una de esas canciones que ha sido machacada hasta la saciedad en radiofórmulas, garitos, televisiones, etc., y por supuesto formaba parte imprescindible de sus directos.

Os dejo con el tema y vídeo de Mala vida.

Los Radiadores - Han vuelto a llamar (2023)

Como dije aquí a finales de noviembre del pasado año, la querida banda valenciana Los Radiadores editaron el single de adelanto titulado Moriré más por ti, de su nuevo álbum Sorbos de electricidad que ha salido hoy a la venta. Influenciados como siempre por el punk y con referentes como The Clash o Ramones, la formación da otro paso adelante con este nuevo disco. La banda sigue compuesta por Raúl Tamarit a la guitarra y voz, El Joven a la guitarra solista, Perrín Muchacho Bass al bajo y Vicente Metralla a la batería, y tienen ya 13 años de trayectoria desde su primer lanzamiento, asestaban otro golpe en la mesa con ese primer single, una canción de evidente tono punk-rock y mucha guitarra, una pieza que promete ser un punto álgido de sus conciertos. Luego llegó un segundo adelanto titulado Han vuelto a llamar, un tema de rock and roll, muy de taberna y que a ratos se me emparenta con Sex Museum, o por lo menos me lo parece por los teclados incendiarios que aporta Gilberto Aubán, otro gran tema con una letra donde hay citas a charlas de Raúl y sus amigos y a garitos míticos valencianos.

Os dejo con Han vuelto a llamar.

Liam Gallagher & John Squire - Just another rainbow (2024)

Una de las colaboraciones grandes del año que comienza, es la que han hecho Liam Gallagher, ex-cantante de Oasis, de Beady Eye y ahora en solitario, con el que fuese guitarrista de Stone Roses y The Seahorses John Squire (que también tiene carrera en solitario). Son amigos hace años, ya colaboró Liam en un tema del disco mítico de los Seahorses en 1997 cuando estaba militando en Oasis, pero el pasado verano de 2022 Gallagher invitó a Squire a unirse en el escenario de su concierto en Knebworth, donde hicieron Champagne supernova y a partir de ahí decidieron ponerse a trabajar en grabar material juntos, y comentando en broma que el disco sería mejor que el Revolver de los Beatles (con todos los respetos... ya quisieran).

Lo que si es cierto, y a tenor del primer single, es que esta unión me da buen pálpito, recordemos ambos de Manchester, con influencias parecidas de base... no puede salir mal. 

Ambos no han escatimado elogios, Liam ha declarado: "Creo que John es un compositor de primer nivel, todo el mundo habla siempre de él como guitarrista, pero también es un gran compositor, no hay suficiente música de él, ya sea con los Roses o consigo mismo, es muy bueno verle de vuelta, escribiendo canciones tan buenas".

El primer single que han editado se titula Just another rainbow y según John Squire: "Es un tema que trata sobre la decepción, los sentimientos de que nunca consigues lo que realmente quieres, es uno de los temas más edificantes de los que hemos hecho juntos".

Musicalmente Just another rainbow tiene la típica voz de Liam, pero el aire a Stone Roses con la guitarra de Squire psicodélica va de menos a más en la canción hasta dominarla, gran tema.

Os dejo con el tema y vídeo de Just another rainbow.

The Black Crowes - Wanting and waiting (2024)

The Black Crowes, la banda de Atlanta, Georgia, editarán nuevo material 15 años después, concretamente el 15 de marzo y con el título de Happiness Bastards. Los hermanos Robinson ya dieron muestras de querer volver a grabar con el Ep de versiones que editaron en 2022, aquel 1972, donde versionaban seis clásicos del rock and roll. El disco ha sido producido por Jay Joyce, productor de Nashville, con el que el grupo ha quedado muy contento, según ha dicho Rich Robinson: "Nuestros años de experiencia escribiendo y haciendo música y viajando por el mundo están representados en este disco, y fuimos guiados brillantemente por uno de los mejores productores del mundo, Jay Joyce. Estoy increíblemente orgulloso de lo que hemos conseguido". Chris Robinson acerca del lanzamiento ha dicho: "Happiness Bastards es nuestra carta de amor al rock 'n' roll", Rich y yo siempre estamos escribiendo y creando música, eso nunca ha parado, y es ahí donde siempre encontramos nuestra armonía, eso es lo que este disco representa".

Wanting and waiting es el primer adelanto de los diez que componen el trabajo y es una muestra de todo lo que ha sido siempre esta formación, rock intenso, gotas de soul y blues y una fuerza impresionante en un tema espectacular.

Os dejo con Wanting and waiting.

The Black Keys - Beautiful people (Stay high) (2024)

La banda de Akron, Ohio, The Black Keys editarán nuevo álbum de estudio el 5 de abril titulado Ohio Players con una bonita portada en la que se ve jugando a los bolos a una chica. La banda norteamericana dan continuidad a Dropout Boogie, su anterior y extraordinario disco de 2022, con 14 nuevos temas que denotan el buen estado de forma de la formación después de su parón de cinco años entre Turn blue y Let's rock.

El primer adelanto se titula Beautiful people y es un tema rítmico de estribillo adictivo y coreable, que además tiene cierto aire añejo y tintes soul.

Os dejo con el tema y vídeo de Beautiful people (Stay high).

Kula Shaker - Natural magick (2024)

Lo dije allá por el mes de agosto del añompasado con la salida de un single, que no sabíamos si sería el primer adelanto de un nuevo disco de Kula Shaker, aquel tema era Waves, pues si, habrá nuevo trabajo y su fecha de salida está prevista para el 26 de enero de 2024. Waves era un rítmico tema donde las guitarras mandaban con ese toque beatle, había aires hindús como siempre, y se añadía ese toque digamos "surfero" a su manera, que le daba un toque distinto y diferente, pero bastante enérgico. Chrispian Mills, sigue al frente de la formación junto a Alonza Bevan al bajo y Paul Winter-Hart a la batería y Jay Darlington a las teclas. Luego llegó el segundo adelanto titulado Indian record player, una canción alegre y desenfadada de aire pop-folk que tiene un vídeo muy gracioso acerca de escuchar buena música en un restaurante hindú. Ahora viene el tercer adelanto, y que da título al disco, un rítmico y rockero tema muy reconocible de su habitual estilo, muy buen tema.

Os dejo con el tema y vídeo de Natural Magick.

J Mascis - Right behind you (2024)

Como llevo diciendo desde noviembre del año pasado, J Mascis editará nuevo álbum de estudio en solitario el próximo 2 de febrero de 2024 titulado What do we do now, seis años después de aquel magnífico Elastic days que fue uno de los tres mejores discos de 2018 para un servidor. En 2019 salió un single que era una versión de Tom Petty & The Heartbreakers, aquel tema de 1979 del disco Damn the torpedoes, el Don't do me like that, y ahí volvió con su banda con los que editó disco en 2021. Este quinto álbum de su carrera en solitario será editado por el sello Sub Pop y ha sido grabado íntegramente en su propio estudio de Bisquiteen (Massachusetts).

Pero ha regresado a su lado más acústico-rockero por así llamarlo, a tenor del primer adelanto titulado Can't believe we're here, que era un muy buen medio tiempo donde sus señas de identidad compositivas seguían intactas. Luego llegó el segundo, Set me down, que continua en unas coordenadas muy parecidas, con esa base acústica en una interesante melodía que resulta muy atractiva. Ahora llega el tercer adelanto titulado Right behind you, otro delicioso medio tiempo de preciosa melodía y con Mascis realmente en su salsa.

Os dejo con el tema y vídeo de Right behind you.

Gruff Rhys - Bad friend (2024)

Como llevo diciendo desde octubre del año pasado, Gruff Rhys, el ex-líder de Super Furry Animals, anuncia nuevo álbum para el 24 de enero de 2024 titulado Sadness sets me free. Este trabajo dará continuidad a Seeking new Gods de 2021 y la banda sonora de este año pasado 2023 titulada The Almond & The Seahorse. Ha colaborado con él Mark James para la realización de la portada y de vídeos que complementan a la perfección las ideas del artista. El primer single de adelanto era Celestial Candyfloss que según Gruff era "un intento de sinfonía de bolsillo sobre las distancias cósmicas que recorrerán las personas en busca del amor y la aceptación" ahí es nada. Este primer adelanto era una obra pop con arreglos orquestales de preciosa melodía. Luego llegó el segundo Silver lining lead balloons, otro pedazo de medio tiempo en onda pop de muy buena factura. Y ahora tenemos Bad friend, un muy buen medio tiempo y en cuyo vídeo Gruff pasea por la campiña galesa cruzándose con ovejas, preciosos lagos e incluso el mar, hasta que llega a un restaurante donde había quedado con un amigo que le da plantón.

Os dejo con el tema y vídeo de Bad friend.

8 Años sin David Bowie.

El tiempo es inexorable, tal día como hoy en España hace ocho años llegaba la noticia de la muerte de David Bowie. Nos había mantenido oculto con su maestría habitual su enfermedad, un cáncer de hígado que le estaba devorando, y cuyas secuelas eran visibles en el vídeo de Blackstar, tema que daba título a su último álbum de estudio, otra vuelta de tuerca más en un artista que no paraba de evolucionar. Free-jazz al estilo Bowie, una locura podía parecer, pero a mí el trabajo que salió a la luz el 8 de enero de 2016 me gustaba y me sigue gustando, dos días después fallecía y se descubría el pastel, se estaba despidiendo, cómo no, a lo grande.

Curiosamente el tema Blackstar tenía un contenido religioso en la letra, donde se hablaba del nacimiento de un líder (Estrella Negra) el día de la muerte del anterior que pide que sigan los demás habitantes de Ormen (supuesto planeta), pero que se da cuenta que al final terminará siendo ejecutado mientras las mujeres se arrodillan y sonríen. Musicalmente un tema tétrico en su inicio con ritmo de tambor y teclados, pero cuya segunda parte después de una transición, tenía un tono más alegre con arpa y sección rítmica.

Como es sabido, Bowie no fue sólo músico en toda la extensión de la palabra, es decir, compositor, intérprete, productor, etc., sino también actor y ocasionalmente pintor. Pero en el terreno musical su peso ha sido enorme, y siendo tan diferente, genuino y auténtico, realmente ha sido una figura inigualable, también incluso en los momentos menos álgidos, que algunos tuvo. Su imagen cambiaba en cada álbum, eso siempre lo cuidaba, pero a la vez lo hacía su música. Por si fuera poco, hablamos de una carrera musical de 51 años, aunque de 2004 a 2009 estuvo algo retirado, bien es cierto, después de su operación de corazón. En todo ese tiempo, una vida entera casi, tocó todos los palos imaginables, pero a la vez inventaba y se reinventaba a si mismo, como siguió demostrando hasta el final de sus días.

Mucha gente consideró que todo lo que tenía que decir acabó a principios de los 80, y yo digo que no, que mucho de lo que hizo en los 90 y en este siglo, es de un nivel superlativo, pero que había que entender por donde iba. Cada uno tendrá su época favorita del camaleón, y casi todos coincidiremos en los 70, pero creo que es un artista que siempre tuvo una capacidad de regeneración como pocos, cosa que parece fácil y no lo es. ¿Cuántos músicos han intentado regenerarse y salir de su apatía y falta de actividad compositiva e ideas y no han podido? Os aseguro que muchos, pero Bowie no era de esos.

Suele suceder que una vez desapareces se te empiezan a reconocer tus méritos, si es que en vida no lo habían hecho, pero sucede que cuando mueres a una cierta edad, ese reconocimiento no es tan exagerado, pero negar la importancia de este genio, es bastante absurdo. 

Una vez terminada su gira de Outside de 1996, David Bowie se introduce en el estudio con el guitarrista Reeves Gabrels, con el que ya colaboraba desde Tin Machine, para encerrarse a grabar el nuevo material inspirados en el sonido de bandas como Prodigy, Underworld o incluso Nine Inch Nails, cuyo auténtico alma máter, Trent Reznor, incluso colaboró en el disco. El trabajo creativo se llevó a cabo en los Mountain Studios de Mountreux (Suiza), durante dos semanas, donde las líneas de guitarra se mezclaban con sintetizadores y equipos de sampleo. Es por eso, que el disco suena muy a rock industrial, como fachada sonora, pero esconde temas realmente sabrosos y disfrutables, de hecho el propio Bowie veía paralelismos entre este trabajo y Scary Monsters de 1980, ambos eran discos agresivos, pero cambiaba el envoltorio. En Scary Monsters, la nueva vuelta de tuerca de aquel momento, se basaba en la utilización de teclados ochenteros con un estilo glorioso dentro de su nueva concepción del rock, pero claro, aquí adaptado a los tiempos que corrían Bowie saca de nuevo su coctelera, y mezcla como nadie, y cómo no, también hay ecos lejanos de la trilogía berlinesa, sobre todo en el asunto de los saxos.

Y aquí es donde El Duque Blanco siempre me ha fascinado, porque un artista genial y grande es aquel que no se amolda a los tiempos, sino que hace que éstos se amolden a él, que no se deja arrastrar por la corriente, sino que es quien la conduce, además de no venderse a modas pasajeras.

Looking for satellites es un medio tiempo que empieza con coros de dobles y triples voces del propio Bowie realmente deliciosas y en diferentes tonos, mientras la guitarra de Gabrels dibuja una línea genial (con su punteo final sideral) bajo lo que sustentar el ritmo, delicioso y fantástico tema.

Os dejo con Lokking for satellites.

Programa Número 395 de Dj Savoy Truffle en Música Sideral. Especial Sex Museum (1987-2020).

Siii, siii, y mil veces siii amigos y amigas aunque parezca algo descabellado hoy ha salido al aire, de manera casi inverosímil un nuevo programa de Música Sideral en la emisora Radio Enlace, conducido como siempre por vuestro siervo de la noche Dj Savoy Truffle, capítulo número 395 nada más y nada menos. En esta ocasión, es un especial dedicado a la banda madrileña Sex Museum, un recorrido por toda su discografía desde sus inicios en 1987 hasta casi nuestros días.

Suenan por orden temas de Fuzz face, Independence, Nature's way, Thee Fabulous Furry, Sparks, Sum, Sonic, Speedkings, Fly by night, United, Fifteen hits that never were, Again & Again, Big City Lies, Musseexum y Bailaré sobre tu tumba (single).

Os dejo con el programa y espero que os guste tanto como a mí grabarlo.

Ryan Adams - How to belong (2024)

Como llevo diciendo estos días, el señor Ray Adams ha sido el artista más madrugador de todos y ha editado 5 discos de una tacada el 1 de enero de 2024, cuatro álbumes de estudio con 77 temas nuevos y su disco de 2017 Prisoner interpretado en vivo. 1985 tiene su faceta más tirando a punk, el resto son más convencionales y del estilo de siempre del músico y se titulan Heatwave, Sword & Stone y Star Sign. Todos están disponibles desde el día 1 en diferentes plataformas de streaming y pueden pedirse en formato físico en su página web (pre-order). La incontinencia creativa de este músico de Jacksonville vuelve a asomar y veremos poco a poco la calidad de tanto material.

Precisamente el disco 1985, está compuesto de 29 canciones, la mayoría de las cuales ronda el minuto y medio o ni siquiera llega al minuto y con onda punk-rock realmente potente.

How to belong es un tema vertiginoso, rápido y rockero, buena tonada de minuto y medio como la onda de todo el disco.

Os dejo con el tema How to belong.

Ryan Adams - I was here (2024)

Como llevo diciendo estos días, el señor Ray Adams ha sido el artista más madrugador de todos y ha editado 5 discos de una tacada el 1 de enero de 2024, cuatro álbumes de estudio con 77 temas nuevos y su disco de 2017 Prisoner interpretado en vivo. 1985 tiene su faceta más tirando a punk, el resto son más convencionales y del estilo de siempre del músico y se titulan Heatwave, Sword & Stone y Star Sign. Todos están disponibles desde el día 1 en diferentes plataformas de streaming y pueden pedirse en formato físico en su página web (pre-order). La incontinencia creativa de este músico de Jacksonville vuelve a asomar y veremos poco a poco la calidad de tanto material.

Me faltaba hablar del cuarto disco, Sword and stone, quizás es el disco más pop-rock de todos, con guiños a discos anteriores suyos.

I was here inicia el trabajo con buen aire de pop-rock de calidad y con estribillo adictivo, un buen comienzo.

Os dejo con I was here.

Barrence Whitfield & The Savages - Right hand man (2023)

Como llevo diciendo desde finales del año pasado, el pasado 14 de septiembre de este 2023 salió editado el nuevo álbum de Barrence Whitfield & The Savages titulado Glory, después de una pausa de 5 años en cuanto a discos de estudio se refiere. Ha salido en el sello FOLC Records y se grabó en Valencia en mayo de este año, al acabar su gira europea, porque gran parte del material fue creado en dicha gira. The Savages están ahora en el 40 aniversario de su primera grabación y en este trabajo dan una vuelta de tuerca a su estilo para transmitir la misma energía que en su LP homónimo de 1983. Los miembros siguen siendo el propio Barrence Whitfield a la voz, Peter Greenberg a la guitarra y Phil Lenker, estos miembros originales junto a Andy Joy a la batería y Tom Quartuli al bajo que llevan ya doce años en el grupo. El disco ha sido producido por Mike Mariconda y a los Savages se les unió en la grabación Spencer Evoy al saxo barítono.

Bad situation era uno de los temas del disco con el saxo destacado y el soul-rock de Barrence con los Savages con sus referentes en Little Richard, Solomon Burke, etc., También hablé de I do my best to survive con ese saxo de Spencer Evoy muy protagonista en un tema de rock-soul bestial. También me referí a I'm ready I'm ready! en la misma línea, con quizás un ritmo más a medio tiempo. Ahora le llega el turno a Right hand man, rítmico tema donde Barrence canta de vicio, y las guitarras son muy protagonistas.

Os dejo con el tema Right hand man.

Concierto Sex Museum, Madrid, Sala El Sol, 6-1-2024.

Las buenas tradiciones siempre son difíciles de mantener, y más en los tiempos que corren, nos habíamos acostumbrado a que la banda madrileña Sex Museum abriera el año en La Sala El Sol con un concierto, pero la pandemia todo lo fastidió, entre muchas cosas esta, ya el año pasado volvieron a retomar esa vieja y sana costumbre, esta vez dentro del festival Inverfest y este año han hecho lo mismo y en la misma fecha. Había quedado para tal evento con el egregio Don Javier de Gregorio y lo disfrutamos una barbaridad. Volvieron a demostrar que están en un excelente estado de forma, y que el reloj del tiempo no les afecta para nada. El sonido del grupo sigue intacto y con un vigor digno de las mejores bandas de siempre. Musseexum, su último trabajo de estudio editado en el último tercio de 2018, un trabajo que si en estudio suena rompedor, no digamos en directo, volvió a ser el eje central del directo en buena parte. La formación sigue siendo, la que lleva unos 20 años seguidos aproximadamente, es decir, Miguel Pardo a la voz, Fernando Pardo a la guitarra y coros, Marta Ruíz Perdiguero al Hammond y secuenciadores, Javi Vacas al bajo y Loza a la batería.

En cuanto al repertorio tocaron bastantes tema de su último trabajo de estudio, Musseexum como la dupla que abrió el concierto Dopamina+Breaking the robot, Microdosis, Lucky Man, Shine, Break out, Riots y Horizons.

De viejas canciones hubo varios rescates, el mítico Two sisters de Nature's Way de 1991, We can move y Flyin' high (este en los bises) del Sonic del año 2000, Street fight y Red Ones del Speedkings de 2001, Enjoy the forbidden y Unidos (la versión de Parálisis Permanente) del United de 2006 más I've lost my faith (in you), Black Mummy del Sparks, más ese single que sacaron para el Fifteen hits that never were llamado Wassa Massa. En cuanto a las versiones cayó el Haircut and attitude de los Manitoba's Wild Kingdom.

Una delicia poder volver a disfrutar de una banda que jamás me ha decepcionado y que siguen ahí arriba.

Os dejo con el tema Microdosis tal y como sonó anoche.